Desde o lançamento de Star Trek XI (Star Trek, 2009), algumas coisas mudaram no universo criado por Gene Rodenberry e que foi ao ar pelo canal Americano NBC em 1966 e que durou até 1969. Nesta série, conhecida como a Original, assistíamos – ou os nossos pais ou avós – as aventuras do Capitão James T. Kirk e sua tripulação aborto da USS Enterprise, número de registro 1701, de Classe Constitution, pelo quadrante Alpha encontrando novas formas de vidas e muitas civilizações, indo audaciosamente a lugares onde outras pessoas já os esperavam.

Pois é, por mais que não queiramos, não era questionável perguntar o porquê aonde eles fossem bichos, seres e gente já estavam lá, ou alguém já explorou ou qualquer coisa do tipo. Mas isto é irrelevante. Pois o importante era como lidar com os problemas do dia, sempre de uma forma altruísta e civilizada – coisa que acontecia algumas vezes, outras nem tanto por conta do Capitão-caubói Kirk – e com algumas boas doses de humor.

De toda forma, seja na série de TV original, ou as subsequentes – A Nova Geração, DS9, Voyager e Enterprise, que foram ao dar da primeira a ultima entre 1987 à 2005, dando 18 anos de um show continuado no ar, poucas séries chegaram a tanto -, todas elas tratavam mais os personagens e seus problemas naquele momento, com discursões até filosóficas, como o caso de saber se um androide era um ser vivo ou não, do que ir atrás de soluções na base de tiro e explosão, claro que houveram exceções ao longo da série. Diferente da nova franquia que JJ Abrams nos apresentou.

Star Trek XI nos mostra um novo universo ligado com o antigo – através de uma viagem temporal – onde um Capitão romulano chamado Nero, destituído do seu planeta Natal e de sua amada, vai ao passado e modifica todo o espaço continuum-temporal e criando assim uma nova dimensão paralela para que, assim, ele não perca tudo o que tem na sua linha do tempo.

Agora tudo era resolvido com espadas, explosões, monstros na neve e piadinhas mais infames. Claro, sem perder a essência da série original, porque ainda temos um Spock de orelhas pontudas.

Por mais que se possa reclamar daquilo que Star Trek XI não é Jornada nas Estrelas, uma coisa nenhum trekker pode reclamar, foi por conta deste filme que Into The Darkness (2013) está com todos os holofotes e está ganhando várias ótimas críticas, coisas que os filmes anteriores recebiam uma reação mais tímida do público não familiarizado com a franquia.

E a pergunta que fica agora é, para que este artigo? Para que intuito ele foi publicado? Simples, ele está aqui para dizer que se você é um não-fã de Jornada nas Estrelas e tinha medo daqueles caras fantasiados, não se apoquente, vá assistir ao próximo filme sem nenhum problema.

Você não vai precisar saber o que é um Q, um Borg, ou sobre as Classes de naves Galaxy, Ambassador, Constituition ou Akira, ou que Utopia Planitia é uma base de construção de naves estelares, ou que os membros-fundadores da Federação foram os Vulcanos, os humanos, andorianos e os telaritas, ou que o cachorro do primeiro presidente da Federação tinha o nome de Porthos. Nada isso é importante, pois a aventura é o que conta aqui.

Se você não quer ser um perdido por completo ao assistir a este filme, a única recomendação que eu faço é assistir Star Trek XI, de 2009 que se encontra em qualquer locadora.

Agora, depois de assistir aos dois filmes, você se sentir compelido a saber mais sobre este maravilhoso universo criado por Gene Rodenberry, aguardem as próximas edições do Holodeck, onde irei apresentar a vocês todas as séries e filmes desta franquia soberba e os principais episódios da série, assim apresentando um bom conteúdo sem explodir muitas coisas.

E até junho onde uma crítica completa do filme Into The Darkness sairá aqui na Filmes e Games. Computador, terminar programa.

O gênero “terror” sempre foi um dos mais populares na história do cinema, apresentando tramas macabras e personagens assustadores, elementos que estranhamente nos são atraentes, talvez, pela nossa condição de seres humanos, lutando constantemente contra nosso lado obscuro e desejos secretos.  Sentir medo no escurinho do cinema ou mesmo na sala de casa é uma experiência apreciada por todas as pessoas, mesmo que algumas, não admitam isso.

São tantos os filmes de terror e tantos estilos diferentes, que a história do gênero é recheada de criaturas estranhas, seres medonhos, maníacos com sede de sangue, jovens fugindo para se salvarem e tudo mais que provoque o temor do espectador. Ao longo da história, alguns filmes de terror alcançaram uma força e um poder de transcendência tão grandes que se tornaram clássicos ou cultuados pelas gerações que se seguiram. Deixaram de ser simples filmes assustadores para se tornarem exemplos de experiências humanas complexas e intensas.

Uma característica presente em muitos dos clássicos de terror é o fato de que sua produção não envolve uma qualidade exacerbada, tampouco altos orçamentos. Muito pelo contrário. A maioria dos clássicos de terror não se caracterizavam por esses filmes serem super produções, como os grandes sucessos do cinema nesses últimos anos. A simplicidade na produção, a criatividade e o empenho de seus realizadores, tornaram certos filmes referências para outras produções. É o caso de “O massacre da serra elétrica”, filme dirigido por Tobe Hopper e lançado em 1974.

A produção de baixo orçamento (menos de 150 mil dólares) é tida como uma das mais importantes na história do cinema de terror, tanto pelas inovações estéticas desenvolvidas pelo seu diretor com os poucos recursos disponíveis, quanto pela trama e personagens macabros e perturbadores. O filme se tornou sinônimo dos chamados “slasher movies” ou filmes sobre assassinos seriais ou maníacos enlouquecidos perseguindo, até onde se sabe, vítimas inocentes, geralmente jovens.

Os jovens prestes a encontrarem seu destino final.

A produção lançou para o mundo do terror um dos seus personagens mais icônicos, o maníaco Leatherface (Gunnar Hansen), um homem usando uma máscara feita da pele do rosto de suas vítimas e portando uma moto serra (não uma serra elétrica), que cometia seus assassinatos junto à sua família de canibais, os Sawyer, pessoas completamente perturbadas e assustadoras, entre elas, seu irmão, seu pai e seu decrépito avô, mencionado na trama como o “maior assassino que já existiu”.

A família de assassinos Sawyer.

Essa família disfuncional e aterrorizante é o destino final de um grupo de jovens que chegam a uma cidadezinha do Texas e acabam ampliando o número de vítimas dos sanguinários habitantes daquela aparentemente abandonada quinta.

O filme se mostra como um registro real do que aconteceu naquela cidade no dia 19 de agosto de 1973, levando início a uma investigação policial que resultou na descoberta de um cenário sangrento na casa da família. Na verdade, o filme não é uma história verídica, mas se baseia em elementos que realmente existiram, principalmente, na história de Ed Gein, um conhecido assassino e violador de túmulos, preso nos anos 50 e que também inspirou outros dois conhecidos personagens de terror da literatura e que ganharam as telas do cinema: Norman Bates, de “Psicose” e Buffalo Bill, o psicopata de “O silêncio dos inocentes”. Outra referência usada para contar a história do filme encontra-se numa família de canibais escoceses no século XVII, conhecida por assaltarem viajantes e se alimentarem dos mesmos.

Uma das razões apresentadas pelo seu diretor para “contar essa história verídica” era criticar a postura do governo norte-americano em plena era da Guerra do Vietnã. Segundo ele, se as autoridades mentiam para a população sobre o que acontecia nos campos de batalha, dizendo ao povo que os Estados Unidos eram os heróis e vencedores do conflito, por que ele, um diretor de cinema e contador de histórias, não poderia também apresentar uma “verdade” para o público? Outra referência usada pelo diretor era a de que jovens sendo perseguidos por maníacos sangrentos e morrendo de forma violenta nada mais seria do que um reflexo do que acontecia com os soldados norte-americanos no Vietnã todos os dias.

Independente do contexto político, “O massacre da serra elétrica” é um filme de terror dos mais impressionantes, sobretudo, pela violência gráfica moderada, mas impactante, apresentada na tela e pela forma como a família de assassinos é mostrada, como pessoas totalmente desequilibradas e sedentas por carne e sangue humanos. Não são simplesmente canibais que atacam e comem suas vítimas, são pessoas que agem de forma extrema, gritando, se auto-mutilando e aterrorizando pelas atrocidades que cometem. O filme valoriza esse aspecto, com tomadas ensandecidas e ruídos atormentadores, que fazem com que o público seja levado pela loucura dos personagens. Em termos modernos, é mais ou menos o que Christopher Nolan fez em “Batman: O Cavaleiro das Trevas”, com a figura enlouquecida do Coringa associada a sons lancinantes, que vão aumentando ao longo da cena. Isso mostra que a genialidade dos envolvidos com a produção superava o baixo orçamento, gerando uma estética para os próximos filmes do gênero baseada na sugestão e não no que é explícito.

Hoje em dia, com o sangue jorrando aos baldes em 3D e o exagero nas cenas de violência como ingredientes imprescindíveis nos modernos filmes de terror, a simplicidade do filme de 74 pode até provocar uma reprovação por parte do público mais jovem que gosta desse tipo de filme. Mas a explosão da imagem não supera o nervosismo provocado pela constante tortura psicológica da obra original, que deixa o espectador tenso na maior parte do filme. Não há quase nenhum sangue no filme, mas quem o assiste não tem como não se envolver com o desespero das vítimas e a brutalidades dos agressores. Evidentemente, à época do filme, o impacto foi maior, principalmente, porque nos idos dos anos 70, a sociedade ainda era mais sensível às barbaridades que viam nas telas do cinema, mas principalmente, na vida real. Infelizmente, nos dias de hoje, depois de tantos casos de violência e atrocidades que vemos a cada segundo a nossa volta, parece que perdemos essa sensibilidade, o que nos torna menos impactados com cenas de um homem mascarado despedaçando um corpo com uma serra elétrica.

A tortura psicológica é constante em todo o filme.

O valor da estética nos dias de hoje pesa contra os filmes mais antigos, justamente, pela precariedade dos recursos. Além disso, a necessidade de alcançar mais pessoas faz com que os produtores dos novos filmes de terror busquem criar cenas cada vez mais exageradas e terríveis para jogar na tela, de forma a causar novas reações nessas pessoas, já tão acostumadas à violência real. Mas são pouquíssimos os modernos filmes do gênero que alcançam o mesmo patamar que essas produções lançadas há 30, 40 anos atrás. Isso mostra que a criatividade e o senso de inovação dos produtores e diretores daquela época, paralelo ao contexto social onde as “coisas eram mais importantes e dignas de discussão”, eram mais apurados e com isso mesmo, geravam obras mais representativas para a história.

Mesmo com bons exemplos modernos como “Jogos Mortais”, que criou um estilo de filme de terror, não há como negar que as referências existentes a partir de “O massacre da serra elétrica” são infinitamente maiores e com muito mais exemplos, inclusive, em filmes de outros gêneros. Quem não se lembra da dupla Francis “Chainsaw” Gremp (Dean Cameron) e Dave Frazier (Gary Riley), os dois malucos por filmes de terror e fanáticos pelo Leatherface, na comédia “Curso de Verão”, de 1987?

Hoje, quase quarenta anos após sua primeira exibição, e tendo construído toda uma história de referências, continuações e homenagens, “O massacre da serra elétrica” ainda é um dos melhores filmes de terror de todos os tempos e merece ser assistido por aqueles que ainda não tiveram a oportunidade ou coragem para fazê-lo. E quem conhece o nome apenas pelos modernos filmes, veja o original para saber como essa “lenda” começou.

Para assistir ao filme e realmente ter uma experiência com ele, vale lembrar um pensamento de um dos maiores ícones do gênero, o ator Vincent Price, que dizia ser o terror um prato frio e requintado, para ser apreciado de forma lenta e prazerosa e não como um “fast food” de sangue. Não é um sabor dos mais agradáveis, mas quando se experimenta, “O massacre da serra elétrica”, você sente um irresistível desejo por carne. Uma carne crua e sangrenta, que sacia sua fome apenas por algum tempo, até que ela volte e lhe faça desejar cada vez mais.

Leatherface é um dos personagens mais icônicos do cinema de terror.

Uma parte das pessoas que vão ao cinema para assistir um filme de comédia, já estão inclinadas a dar algumas risadas “gratuitas”.

Podemos dizer que essas pessoas já estão no “espírito da coisa”. Ao entrar na sala de cinema para assistir ao filme Se Beber, Não Case! Parte 3, eu me sentei e dei uma boa olhada para a plateia ao meu redor. E percebi que alguns minutos antes das luzes se apagarem para começar o filme, quase 80% daquela plateia estava com um sorriso no rosto. Isso se deve às excelentes lembranças que aquelas pessoas tinham dos dois primeiros filmes, independente que qual dos dois foi o melhor, pode se dizer que ambos não decepcionaram o público. Repetiram um pouco a fórmula, isso é verdade, mas não decepcionaram.

Então tínhamos um público de coração aberto para receber o filme que poderia estragar toda essa alta expectativa ou simplesmente o filme que poderia fechar essa história com chave de ouro, e foi exatamente esta segunda opção que tivemos.

Se Beber, Não Case! não é um filme com o freio de mão solto para a comédia besteirol, temos sim algumas situações que na realidade nunca aconteceriam, mas a parte engraçada do filme são exatamente os excelentes personagens que formam os quatro amigos. Tirando apenas um deles, todos os outros são pessoas normais, que não tem características de humoristas, por isso é que o roteiro e as piadas precisam ser extremamente boas.

Eu tenho o seguinte conceito na minha cabeça: Quando a piada é ruim, mas quem está contando é um excelente humorista a tendência é que ele salve a piada. E nesse filme nós temos excelentes atores que recebem as “melhores” situações possíveis. E conseguem fazer com que o publico fique praticamente com o sorriso estampado no rosto durante o filme inteiro, até porque a cada 5 minutos serão enormes as chances desse público dar uma boa gargalhada.

Temos também um bom personagem importante do filme que é o alivio cômico, na verdade é o personagem que alguns poderiam dizer que é o mais surreal da história toda. Mas como já estamos acostumados com essa franquia, ele acaba casando perfeitamente com o filme.

Se lembra do Chow?

Tá aí um filme que possui algumas boas reviravoltas, interessantes cenas de ação, mas os produtores deixaram bem claro no filme que não estamos assistindo nenhum filme de ação e sim uma comédia, na verdade uma excelente comédia.

Só sei que no final desse terceiro filme, todas as pessoas vão sair do cinema com aquela sensação de que sentirão falta desse grupo de amigos, mas antes de sair da sala eu recomendo esperar os créditos acabarem por que ainda teremos uma pequena luz de esperança de quem sabe um dia voltaremos a vê-los novamente.

Dou uma excelente nota 9,5 de 10 para esse filme, apenas não arredondo um 10 por causa de algumas pequenas pontinhas soltas no roteiro, o que não chega de maneira nenhuma a estragar a diversão.

Sinopse oficial:

Alan (Zach Galifianakis) está deprimido devido à morte de seu pai. Preocupado com o cunhado, Doug (Justin Bartha) sugere que ele vá até um lugar chamado New Horizons, que pode torná-lo um novo homem. Alan apenas aceita a sugestão após Phil (Bradley Cooper) e Stu (Ed Helms) concordarem em levá-lo. É o início de uma nova viagem do trio, que acaba sendo interrompida bruscamente pelos capangas de um traficante (John Goodman). O malfeitor está atrás de Chow (Ken Jeong), que lhe aplicou um golpe milionário, e acredita que os três amigos ainda possuam contato com ele. Precisando encontrá-lo a todo custo, eles acabam indo parar no México e, mais uma vez, em Las Vegas.

Trailer:

Galeria de fotos:

O Filmes e Games assistiu a esse filme a convite da Warner, entre no site oficial do filme (AQUI) para obter mais informações.

“Sobre modos à mesa: Meus Deus, será que podemos jantar sem que você derrame alguma coisa? Não, Joni, ele faz de propósito, senão só pode ser retardado, e nenhum teste demonstrou isso”.

Meu Pai Fala Cada M*rda é um livro, no mínimo, inusitado. Conta a história real de um pai boca suja e honesto demais que educa os filhos da forma mais sincera e direta da face da terra. E quando eu digo sincera e direta, eu também quero dizer “frequentemente constrangedora”. Um pai que não dobra a língua para dar um sermão em público e, pelas suas próprias palavras, está “cagando” para o que os outros pensam. Isso resultou em duas coisas: seus filhos foram educados de uma forma bem eficiente e um deles escreveu um livro contando isso tudo – nos proporcionando boas gargalhadas.

“Sobre áreas proibidas no esconde-esconde: “Que diabos você está fazendo dentro do meu armário? Não me diga para falar baixo, esse armário é meu”.

A ideia de escrever o livro surgiu quando o autor, Justin Halpern, foi demitido e levou um pé na bunda da namorada, forçando-o a morar com o pai por alguns tempos. Com essa reaproximação, o filho relembrou como o seu pai sempre havia sido turrão e, para passar o tempo, decidiu criar um twitter para postar as pérolas que o pai dizia – https://twitter.com/shitmydadsays. No começo, só alguns amigos seguiam o perfil, mas logo os números se multiplicaram, passando da casa dos milhares e surgiram propostas de publicar um livro e roteirizar uma série de tevê. Estando sem grana, ele topou de cara e ligou para o irmão buscando palavras conciliadoras sobre qual seria a reação do pai ao saber que viraria notícia nas mídias, mas tudo que ouviu foi “cara, ele vai te matar”.

“Sobre Legos: Olha, não quero sufocar sua criatividade, mas aquele troço que você construiu ali parece um monte de bosta.”

Cada capítulo conta um episódio da vida do autor, começando de quando ele era criança, passando pela adolescência e indo até sua fase adulta, todos terminando com breves citações do pai dele sobre alguns temas aleatórios. As histórias são hilárias e vão desde Justin com 9 anos tendo que se comportar durante uma palestra de duas horas do seu pai sobre câncer – e falhando -, até Justin adulto tendo a péssima ideia de comprar um cachorro, percebendo que não tinha condições de cuidar do bicho e indo encarar o pai ao pedir para que fique com ele.

“Sobre honestidade: Trapacear não é fácil. Você provavelmente acha que é, mas não é. Aposto que você seria pior trapaceando do que tentando fazer qualquer coisa honestamente.”

As páginas do livro são um misto de humor cáustico e ensinamentos importantes. O pai de Justin se preocupa com a família e quer dar aos filhos uma boa educação, só não sabe fazer isso de forma sutil. Você morre de rir lendo os foras que ele dá nos filhos, mas também consegue perceber que ele não está sendo amoral em momento algum, muito pelo contrário, ele está ensinando moral aos filhos – a não ser pelo detalhe dele falar muitos palavrões. Quando ele fala “você envergonhou toda a comunidade científica, a porra do Einstein, todo mundo”, ele está querendo que o filho leve a sério estudos científicos e que não minta para as pessoas! Com certeza essas palavras devem ter doído na época do colégio, mas se Justin consegue rir disso hoje em dia, nós também podemos.

“Sobre acampar com a família: Não, vou ficar em casa. Você podem tirar férias em família e eu vou tirar férias da família. Acreditem, assim todos nós vamos nos divertir mais.”

Meu Pai Fala Cada M*rda também acabou virando um seriado de televisão. Não conta exatamente a história do autor como o livro, mas é totalmente inspirado em sua família. O jornalista perde o emprego e se vê precisando encarar o pai de novo – e tendo mil conflitos de convívio enquanto isso. O programa era bastante engraçado, ver William Shatner dizer “guarde sua ironia para o seu blogue, lá pelo menos ninguém lê” fez muitos internautas rirem de si mesmos – inclusive eu -, mas, infelizmente, não passou da primeira temporada – apesar da sua média de 10 milhões de telespectadores por episódio.

“Sobre me deixar ir a uma festa em que não há adultos: Sem a menor chance… Sim, você é responsável, mas já vi seus colegas de escola, se eles não fossem tão idiotas, seriam marginais.”

Meu Pai Fala Cada M*rda é para quem quer rir. O autor não teve a intenção de ensinar nada a ninguém, apenas reuniu boas histórias de sua vida ao lado do seu pai rabugento e transcreveu tudo num livro.

E o resultado foi páginas muito divertidas que te fazem rir sozinho feito um maluco no ônibus!

Escrita por Gerard Way, vocalista da banda My Chemical Romance; ilustrada por Gabriel Bá, um dos mais premiados quadrinistas brasileiros da atualidade e colorido por Dave Stewart, The Umbrella Academy foi lançada em 19 de setembro de 2007 pela Dark House.

 Talvez a grandeza do projeto tenha ocorrido pela história ser de autoria do Gerard, por ter sido feito em conjunto com o brasileiro Gabriel Bá, ou, quem sabe, por James Jean, artista especializado em capas, estar envolvido no projeto.

A trama, em seis volumes, acompanha a história dos membros da Umbrella Academy, um grupo de jovens com super poderes levados a morar com o senhor Reginald Hergreeves, onde seriam treinados para salvar o mundo de uma ameaça eminente.

Cada uma das crianças era denominada com um número. “Um”, Luther, tornou-se o Spaceboy, o líder e mais forte de todos. “Dois”, Diego, chamado de Kraken, é capaz de segurar a respiração por tempo indeterminado. “Três”, Allison, era chamada de Rumor e tem o poder de materializar qualquer coisa que fale. “Quatro”, Klaus, Seance, pode levitar e falar com os mortos. “Cinco” é capaz de fazer viagens para o futuro a qualquer momento. “Seis”, Ben, era chamado de Horror por ter monstros de outras dimensões embaixo de sua pele. E “Sete”, Vanya, não aparentava ter poder algum, exceto ser muito interessada em música.

Apocalypse Suite

 ” Em um inexplicável evento, quarenta e três crianças foram geradas espontaneamente por mulheres que não apresentavam sinais de gravidez. Sete dessas crianças foram adotadas por Sir Reginald Hargreeves e formaram a Umbrella Academy, uma família disfuncional de super-heróis com poderes bizarros. Em sua primeira aventura, essas crianças enfrentam uma enlouquecida Torre Eiffel. Quase umadécada depois, a equipe se separa, mas esses irmãos desiludidos se reúnem bem a tempo de salvar o mundo outra vez.”

…extraordinariamente refinado… aqueles que gostam de luta-livre comlulas do espaço e versões monstruosas de eminentes engenheiros do século19 devem estar no paraíso.
— LAS VEGAS WEEKLY

Way combina uma engenhosa sensibilidade vitoriana com umaimpulsividade endiabrada para uma estreia levemente gótica e estupenda.
— WASHINGTON POST

…impecável… primoroso, imaginativo…
— NEWSARAMA

Uma bomba psicodélica ultravioleta de talento e ideias. Os super-heróisdo século 21 finalmente estão aqui…
— GRANT MORRISON
(Grandes Astros Superman, Crise Final)

Dallas 

“Os tempos estão difíceis para a família disfuncional de super-heróis conhecida como Umbrella Academy. Na esteira do quase apocalipse criado por um de seus pares, e depois da morte do seu querido mentor, Pogo, o grupo se encontra bastante desesperançado.Cada membro da equipe desperta lentamente da sua apatia quando o perigo de outra catástrofe ameaça alterar a história ou destruir o mundo. O X da questão é que cada um deles tem de se preocupar com seus problemas pessoais. A Violino Branco está acamada graças a um fatídico tiro na cabeça. A Rumor perdeu a voz – a fonte do seu poder. Spaceboy mergulhou num estado catatônico. E enquanto o Número Cinco se vê às voltas com assuntos arriscados na corrida de cachorros, o Kraken começa a desconfiar que seu irmão mais novo é a chave para desvendar uma misteriosa série de massacres.”

“…um híbrido extravagante de Ensina-me a Viver e X-Men…”
— Los Angeles Times

“Umbrella Academy me deixou de queixo caído. Não me lembro mesmo da última vez em que peguei um gibi e fiquei tão inacreditavelmente surpreso com o quão incrível a história realmente era, mas isso aconteceu aqui.”
— Mark L. Miller, AIN’T IT COOL NEWS

“Way e Bá fornecem todos os ingredientes de uma equipe de super-heróis capaz de rivalizar com os X-Men e transformar suas aventuras pitorescas num grande sucesso.”
— BOOKLIST

“…parte X-Men e parte Os Excêntricos Tenenbaums…”
— THE ONION’S A. V. CLUB

“Os quadrinhos detalhados e animados de Bá simplesmente fazem com que os olhos se demorem em cada página.”
— Martha Cornog, LIBRARY JOURNAL

“A sua saga de uma família anormal de super-heróis esbanja originalidade e contém altas doses de ação, surpresas e esquisitices.”
— CONTRA COSTA TIMES

• Em entrevista ao Comics Alliance, Way confirmou que está terminando os roteiros do terceiro volume de Umbrella Academy que vai se chamar “Hotel Oblivion”, mas ainda não há previsão de lançamento.

O jogo se passa um milênio antes dos eventos de “Skyrim”. Pouco se sabe sobre a trama principal do jogo, mas segundo a Game Informer, o enredo envolve o príncipe daedric Molag Bal e sua tentativa de arrastar Tamriel para seu reino infernal.

Ao mesmo tempo, os jogadores escolherão entre 3 facções e se enfrentarão em uma guerra pela província de Cyrodiil e o trono do Imperador.

 

Algumas Concept Arts criadas pela equipe da Bethesda Softworks (Dishonored, Brink, Rage, Fallout, Quake) para os games The Elder Scrolls V-Skyrim, e The Elder Scrolls Online, atualmente em versão beta. Vamos às artes:

O jogo foi lançado exclusivamente para Nintendo 3DS em fevereiro de 2012, e em janeiro de 2013 foi anunciado para Xbox 360 e PS3.
Não tive a chance de jogar o game no Nintendo 3DS, então minha crítica vai ser relacionada a demo, então não vou dar detalhes sobre a história.

A demo começa dentro do navio Queen Zenobia, onde o jogador assume o papel de Jill Valentine, protagonista do primeiro e terceiro game da série. O clima sombrio prevalece durante toda a demo e a jogabilidade não está muito diferente da dos últimos jogos da franquia. Algo novo no game é a tecnologia Gênesis, que identifica itens, inimigos, corpos e pistas como se fosse um scanner. Essa novidade no game não me agradou muito, pelo fato de para encontrar itens simples de ser achados você deve acionar a Gênesis. Por exemplo, se em algum canto de uma sala houver munição, eu só vou poder pegá-la se eu mirar o scanner e identificar a munição. Isso acaba tomando muito tempo e fazendo com que a tecnologia não seja uma coisa tão especial.

Tecnologia Gênesis

Por se tratar de uma adaptação de um exclusivo do Nintendo DS para os consoles atuais eu não esperava muito do gráfico, e com razão. Em partes o gráfico é até bonito, mas em outras é totalmente decepcionante. Por exemplo, a poça de sangue que sai de um inimigo morto é ridícula, parece uma amoeba suja e a arma parece ter continuado no Nintendo 3DS, mas a personagem e a maioria do cenário são ambos bem nítidos, pelo menos no gameplay, já que nos CGs além de o gráfico ser bem estranho, a dublagem parece sair daquelas novelas mexicanas dubladas.

Testei o jogo nas três dificuldades disponíveis e a diferença da Casual e Normal (Que equivalem à Easy e Normal) para a Infernal é gritante. Nas duas primeiras dificuldades a munição e itens de cura são mais frequentes e é possível resolver, com cinco tiros de pistola, coisas que na dificuldade Infernal não se resolvem com quatro tiros de escopeta. Além de que na dificuldade mais difícil o número de inimigos aumenta, mas o jogador pode contar com duas armas que não se encontram nas primeiras dificuldades, uma metralhadora e uma escopeta. (Lembrando que estou falando da demo. Não sei como é a disponibilidades de armas no jogo completo)

Para quem gosta de um desafio a mais, jogar no Infernal é bem tentador.

Minhas notas para Resident Evil Revelations são:

História:  ? (Como testei uma DEMO, não acho justo falar da história, então esperem pela análise oficial).

Jogabilidade: 7 (Nada de genial. Tudo muito igual com os Resident Evil atuais, mas minhas maiores queixas são com o movimento da personagem e a tecnologia Gênesis).

Cagaço: 7 (Com cenários escuros e uma trilha sonora e efeitos bem presentes, o game pode te dar bastante sustos. Só no demo eu tomei alguns).

“Mas e aí? Você e recomenda esse jogo?”

SIM! Para quem ficou na dúvida sobre o que aconteceu entre Resident 4 e 5, esse jogo é a resposta. O game é retrata exatamente esses acontecimentos, e pode ser um achado para os fãs, já que o jogo promete voltar à sua origem assustadora e deixar a ação um pouco mais de lado, mas é o que sempre dizem.

Trailer legendado pela equipe Filmes e Games:

O cinema nos apresenta a cada dia novos rostos, que podem se tornar astros e estrelas de uma hora para outra. Tudo depende do papel que conseguem e de como esse papel marca na vida das pessoas que assistem ao filme. Nos dias de hoje, um belo rosto, associado a um talento para interpretar, fazem com que um jovem ator ou atriz venha a ser chamado de astro ou estrela. Isso pode levar algum tempo ou talvez, tempo algum. O mais importante é que estão surgindo jovens nomes no cenário do cinema atual.

Dona de um dos rostos mais bonitos do cinema atual, Alexandra Daddario vem construindo aos poucos uma carreira promissora no cinema e televisão, com papeis bem diferentes uns dos outros, mas sempre interpretados com empenho e talento. Seja como uma sensual garota, uma semideusa nos dias atuais ou uma jovem fugindo de um maníaco, Daddario é um nome em ascensão, prometendo chegar ao panteão das atrizes por meio de um caminho longo e árduo, mas sem jamais perder o desejo por atuar.

Alexandra Daddario é uma das mais belas atrizes do cinema atual.

Alexandra Anna Daddario nasceu em Nova York em 16 de março de 1986. Filha de advogados, Alex, como é chamada pelos mais próximos, tem ascendência italiana e irlandesa, por parte do pai, e húngara por parte de mãe.

Desde cedo, Alexandra tinha o sonho de ser atriz, mas teve sua primeira oportunidade na atuação apenas aos 16 anos, quando participou da novela “All My Children”, no papel de Laurie Lewis. A série do gênero “soap opera” estreou no ano de 1970 e dura até hoje, mantendo bons índices de audiência na televisão norte-americana.

A atriz de 27 anos tem vários filmes e participações em televisão no currículo.

Na época em que atuava no programa, Alexandra frequentava uma tradicional escola para moças, onde cursava o segundo ano do Ensino Médio, mas o trabalho começou a entrar em conflito com os estudos. Dessa forma, ela se transferiu para a “Professional Children’s School”, também em Nova York, a fim de conciliar o tempo entre a escola e a televisão.

Seu primeiro papel no cinema foi numa pequena participação em “A lula e a baleia”, no ano de 2005, e continuou atuando em séries de televisão, como “Damages”, “Lei e Ordem” e “Família Soprano”.

Não só as telas, mas também as páginas das revistas se rendem à beleza e sensualidade de Alexandra Daddario.

No ano de 2006, participou de “Um amor jovem” e do curta-metragem “Pitch”, e no ano seguinte, em “Babysitters de luxo”, onde alcançou um maior reconhecimento. No ano de 2008, ela esteve no elenco de “O sótão”, filme de terror assinado pela diretora Mary Lambert, a mesma dos filmes “Cemitério Maldito”. O filme não teve uma grande repercussão, sendo considerado mais um exemplar comum da grande safara de produções do gênero lançados nos últimos anos.

Em 2009, ela participou do documentário/show “Jonas Brothers 3D”, ao lado da banda adolescente formada pelos irmãos Jonas, que surgiram numa série de televisão do Disney Channel.

A atriz participou do sucesso adolescente “Jonas Brothers 3D”.

Contudo, seu papel de mais destaque até hoje foi em “Percy Jackson e o ladrão de raios”, baseado no best-seller de Rick Riordan, no papel de Annabeth Chase, a bela e corajosa filha da deusa Athena. Sua participação na aventura adolescente chamou a atenção de produtores e do público, tanto pelo talento, como pela sua exótica beleza, de modo que vários convites foram feitos a atriz desde então. Ela é considerada um dos mais belos rostos nas telas do cinema da atualidade.

Ao longo de sua carreira, sobretudo, no ano de 2009, Alexandra esteve em diversas participações na televisão, em séries como “Damages”, “Live on Mars” e “Nurse Jackie”.

Forte e bela como uma autêntica deusa em “Percy Jackson e o ladrão de raios”.

No ano de 2010 esteve em “Bereavement”, continuação do filme de sucesso “Malevolence” e no ano seguinte, participou da comédia “Passe Livre”, dos irmãos Farelly. Neste filme ela interpreta uma sensual garota que chama a atenção dos coroas. Também não é pra menos.

Alexandra Daddario estrela esse ano o filme “O massacre da serra elétrica 3D – A lenda continua”, ingressando de vez no universo do terror, numa das franquias mais conhecidas do cinema do gênero, ainda que os últimos filmes com essa “marca” não tenham obtido o sucesso do original. Ainda em 2013, ela atuará novamente como Annabeth Chase em “Percy Jackson e o Mar de Monstros”.

Alexandra foge para se salvar em “O Massacre da Serra Elétrica 3D: A lenda continua”.

A carreira de Alexandra Daddario é ainda relativamente curta em relação a outras estrelas da sua idade (ela não parece, mas já está com 27 anos de idade) e mesmo atrizes mais jovens. Mesmo assim, a beleza estonteante de Alexandra, associada ao seu talento para atuar, a tornam uma atriz em ascensão, ainda em busca do papel de sua vida, mas que sem dúvida, tem chamado a atenção a cada novo trabalho.

Assim como sua personagem Annabeth, ela se mostra como uma garota forte e determinada, certa do que quer e que busca a cada dia trilhar um caminho de sucesso e reconhecimento com seu trabalho. E está mostrando a que veio.

Uma mulher madura, com um incrível talento para atuar e encantar os espectadores, sem jamais deixar de ser uma linda garota, eternamente jovem.

Olhos sedutores e um sorriso encantador. Essa é Alexandra Daddario.

[REC]4: Apocalypse

[REC] 4: Apocalypse, tem data de estreia marcada para o dia 18 de outubro de 2013

Sortearemos 8 pares de ingressos para O Massacre da Serra Elétrica 3D, para participar basta clicar no poster do filme abaixo e você já será direcionado para o post da nossa fan page e basta seguir as simples regrinhas de curtir a fan page oficial do filme, compartilhar o post e clicar em Quero Participar.

Clique no poster e seja direcionado para o post da promoção no facebook

O sorteio será realizado através do app Sorteie me do facebook

Regras a seguir:

Curtir fan page oficial do filme (AQUI)

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Clicar em Quero Participar (AQUI)

Vídeo do Leatherface apavorando no Shopping de SP + Saindo do Cinema

Regulamento:

O Sorteio será realizado no dia 26 de Maio

Os ganhadores receberão os convites em suas residencias

O ganhador que não cumprir alguma das regras, será desclassificado e sortearemos outro no lugar

Promoção válida para todo o território nacional

Boa sorte

Sabe quando você começa a assistir um filme e logo no início pensa: Já vi essa historia antes…

Foi como me senti em Reino Escondido, assisti esse filme em Imax 3D e posso afirmar que é uma das mais belas animações que eu já vi nos últimos meses, mas infelizmente só no quesito visual.

A história é fraca e não cria muito interesse, pelo menos em mim e na minha filha de 4 anos que me acompanhou na cabine. O enredo se foca em uma garota da cidade que vai morar com o pai no campo e lá descobre que existem forças da natureza que disputam entre o bem e o mal justamente para controlar (ou exterminar) a natureza

Se você assistiu a belíssima animação da Disney, Tinker Bell – o Segredo das Fadas que saiu no ano passado, vai descobrir que Reino Escondido tenta ser o que o desenho da Disney foi com muito éxito, mas não consegue.

Também é possível perceber que os produtores colocaram no “liquidificador” outros  filmes como: Querida Encolhi as Crianças, Formiguinhaz,  Lucas um intruso no formigueiro, Vida de Inseto e é claro Tinker Bell – O Segredo das Fadas. E o resultado dessa mistura toda foi uma colcha de retalhos sem personalidade, onde você apenas vai ficar lembrando de várias animações que já assistiu anteriormente.

A personagem principal, Maria Catarina ou M.C. como ela prefere ser chamada não possui carisma para que possamos nos importar com ela, o pai da personagem principal, o Professor Bomba, que parece ser divertido tem a versão nacional seriamente comprometida pela dublagem de Murilo Benício (sim!! O Tufão voltou!).

Já no lado da natureza os homens folha também não conseguem segurar muito a atenção da criançada, apenas os dois apelos cômicos do filme, uma lesma e um caracol conseguem trazer o sorriso em nossos rostos quando aparecem em cena.

Eu juro que tentei gostar, mas o filme se demonstrou lento e cansativo e é claro recheado de clichês que o final eram mais do que previsíveis.

No final eu sei que a minha filha gostou, como ela gosta de qualquer animação que eu passo para ela, mas sei que se eu colocar em uma mão o DVD desse filme e na outra uma outra animação que ela não tenha assistido, tenho certeza que ela vai preferir ver algo novo do que re assistir o Reino Escondido, sinto muito pela sinceridade mas esse é o meu ponto de vista, adoro animações infantis mas essa não me pegou, acho que serve apenas para matar a curiosidade mas logo irá cair no esquecimento do público geral.

Minha nota para esse filme é 4 de 10, apesar da fraca história eu gostei muito da parte visual do filme.

Trailer:

• Paulo Rubens
• Samanta Carolina Maciel
• Carlão Batera
• Robson Vieira
• Marcelo Vingaard

LINK DO SORTEIO sorteiefb.com.br/resultado?id=13Xt

Os ganhadores tem 5 dias para enviar seus dados para contato@filmesegames.com.br (nome e endereço completo)

Mais uma super promoção está começando, sortearemos 5 pares de ingressos para o filme O Último Exorcismo: Parte 2.

O sorteio será no dia 19 de Maio e será realizado via sorteie me na nossa fan page

Para participar basta clicar no poster do filme abaixo e você já será direcionado ao aplicativo da promoção

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Promoção válida para todo o território nacional

Boa sorte

Uma das coisas divertidas de se escrever sobre games velhos antigos. É que nossos textos são recheados de boas lembranças dos bons tempos de criança. Um dos games que eu mais joguei no Atari é o que mais me traz boas recordações e é dele que vamos relembrar na nossa coluna Botão Solitário.

Bobby is going home.

Um verdadeiro clássico do Atari e um dos games mais difíceis de ser encontrado, eu me recordo que na hora do recreio intervalo da minha escola (lá pelo ano de 85) a disputa era grande para realizar as trocas de cartuchos de Atari, e sempre tinha um “riquinho” da turma que tinha quase todos os games do console e um dos games mais disputados era o do Bobby.  Eu só consegui trocar uma vez com ele, e fiquei com o cartucho por um final de semana, e posso afirmar que foi um dos melhores finais de semana daquele ano.

Lembro-me até hoje que todos os meus colegas tocavam a campainha da minha casa, mas a minha mãe, que não curtia bagunça em casa, acabou barrando a galera e foi aí que eu passei o sábado inteiro jogando o game, mas já no domingo eu não aguentei e fui até a casa de um colega meu com o cartucho na bolsa para passarmos o domingo jogando entre amigos. É claro que eu me lembro também que naquele domingo eu menti muito para os meus amiguinhos, afinal eu falei que joguei tanto o game no sábado a noite que cheguei a terminar o game e até inventei um final fictício e coisas do tipo. Mas é claro que a minha mentira foi por agua abaixo naquele domingo mesmo. E o game, como quase todos os games do Atari, não tem final e apenas vai mudando de nível e ficando cada vez mais difícil.

O jogo:

Um game plataforma, onde Bobby precisa voltar pra casa, mas durante o percurso ele tem que desviar de animais, objetos em movimento, pontes e buracos.  O seu personagem só tem duas ações a realizar durante o game. Andar e pular. Acho que esse game já demonstrava para muitos o que poderia acontecer se existisse um bom game de plataforma. Acredito seriamente que Bobby foi uma boa inspiração para o game do Super Mario Bros, que veio anos depois.

História:

Como quase todos os games de Atari, a historia não é muito desenvolvida, nesse a gente pode decifrar pela capa do cartucho que Bobby está na rua e precisa apenas voltar pra casa, não dá pra saber onde ele estava (escola, casa de amigos, etc) apenas sabemos que ele precisa retornar, mas a sua missão não será nada fácil.

Gráficos e som:

Os games do Atari são em sua grande maioria com pouquíssimas cores e em boa parte deles as cores usadas são escuras. Bobby é um game alegre e com cores vibrantes. Nada como jogar um game onde o fundo da tela não é todo preto como ocorre na maioria dos games desse console, Hero, Megamania entre outros. Os gráficos são bem desenhados é claro que temos que levar em consideração o poder do console, mas dava para distinguir boa parte dos inimigos e objetos que apareciam na tela, tudo é claro. O som do game também não fazia feio, afinal estávamos acostumados com apenas os efeitos especiais nos jogos do Atari, e quando um game apresenta uma trilha sonora, mesmo sendo bem simples, já é algo para se admirar.

Jogabilidade e dificuldade:

Anda e pula, mas não tenta pular em cima dos inimigos que isso não funciona aqui. Quem está acostumado a jogar apenas os games da atual geração, pode sentir um grande delay no controle dos jogos antigos, principalmente o Atari, mas esse é um problema apenas de adaptação. Outra característica dos games desse console é que as únicas diferenças entre as fases são apenas o aumento da velocidade e uns inimigos a mais, e com isso, aumentando a sua dificuldade. Bobby é um game extremamente difícil, porém uma das maiores dicas para se dar bem nesse jogo é pegar o tempo exato dos pulos e principalmente ter paciência, não adianta tentar sair andando em direção ao final da tela sem parar e apenas pulando, muitas vezes o seu personagem terá que recuar (e muito) para conseguir passar um certo obstáculo. Por isso mesmo, aqueles que não têm pressa e são mais pacientes conseguem ir mais longe nesse game.

Conclusão:

Bobby é um game para se conhecer ou apenas matar a saudades, ainda mais se você tiver boas lembranças das vezes que você jogou esse game na época que o Atari era o console do momento. Infelizmente esse game não tem mais o poder de reunir um grupo de amigos para passar o domingo jogando, é mais fácil isso ocorrer com um Black Ops ou Street Fighter, mas mesmo assim vale muito dar uma olhada em um game que muito provavelmente mostrou ao mundo que os jogos que possuem personagem que andam e pulam podem ter uma carreira muito promissora.

Minha nota para Bobby é 7 de 10

Veja abaixo um gameplay de 2 minutinhos, onde eu jogo um pouco o game para relembrar, dê um Gostei no vídeo, assim eu me empolgo e faço uma porrada de vídeos de + jogos antigos
Abraços e até a próxima.

Fui pro game…

Vale lembrar que os nossos Gameplays são as primeiras impressões do game. Uma análise um pouco mais aprofundada você verá no texto abaixo do video.

Acabou DMC e não sabe o que fazer? Joga SOD que a agonia passa

Em cinema já estamos acostumados a ver filmes que saem quase na mesma época com a mesma temática, as animações infantis são as que mais sofrem com os “clones”, um bom exemplo é o filme Carros e seus inúmeros clones. Já em games isso também ocorre mas com uma menor freqüência.

Shadows of the Damned tem sim o mesmo estilo de Devil May Cry, Um game do tipo hack and slash só que ao invés de uma espada e uma arma de fogo o seu personagem usa apenas uma arma de fogo, sendo que essa arma pode ser melhorada (ou adquirir outras armas durante o game). Sim ele até pode dar uns “tapas” mas com certeza você quase não ira usar esse ataque, afinal o soco é apenas para empurrar ou para tirar o demônio das sombras e deixa-lo visível para ele tomar uma rajada de tiros.

Os gráficos são sombrios e bem menos detalhados do que o último DMC, mas não são ruins, apenas parecem ficar um pouco repetitivos durante as fases, você acaba percorrendo ruas e vielas e entrando em várias casas, e infelizmente todas são muito parecidas (e algumas idênticas mesmo). Nos inimigos também não temos um grande trabalho de design. São praticamente iguais do começo ao fim, é claro que em cada fase vão sendo inseridos inimigos novos, e alguns são até legais, mas não vão fugir muito de brutamontes despedaçados ou misturas mal feitas de animais com pessoas (homem+cavalo) e por mais curioso que isso possa parecer o resultado não é legal.

Na parte da trilha sonora também temos música tecno genérica, seguindo o mesmo estilo de DMC, mas a música também acaba se tornando repetitiva durante o game. E não se destaca em nenhum momento. Os controles do jogo não são tão fluidos como o DMC, na verdade demora um pouco para se acostumar com eles (pode-se perceber isso no vídeo) mas após 10 minutos de game a coisa já fica um pouco mais fácil, porém podemos perceber que o seu personagem não nasceu para ser ágil, isso acaba aumentando um pouco a dificuldade do game e deixando ele até mais atrativo.

Diversão e conclusão: Sim! O jogo é sim muito divertido, e após insistir alguns minutos na jogabilidade travada do personagem, você vai conseguir perceber que pode se divertir muito com esse game. As cut cenes são bem montadas e o plot principal do jogo que é a procura por Paula (namorada do personagem principal) acaba se tornando bem interessante. Para quem curte esse estilo de jogo é uma excelente dica, é claro que existem jogos melhores, o próprio DMC é um deles, mas posso afirmar que se o novo DMC levasse uma nota 10 na minha classificação, para Shadows of the Damned eu daria facilmente uma nota 8. É um game que só precisaria ser melhor trabalhado na parte gráfica e sonora, mas a diversão dele (o principal) está excelente.

O FGcast está de volta com um dos maiores clássicos da história da comédia.

No FGCast 27 Mau Franco, Leandro Vallina e Marcelo Paradella recebem o convidado Tiago Lira, do site Tem um Tigre no Cinema para relembrar todos os momentos clássicos da primeira aventura cinematográfica de Frank Drebin.

Faça o download ou ouça no player no final deste post.

Deixe seus comentários neste post para participar da promoção de ingressos, ou envie suas críticas e sugestões para fgcast@filmesegames.com.br

Abraços e até a próxima

Comentado na leitura de e-mails

Video com o Leatherface passeando no shopping de SP

Vídeo análise do A Morte do Demônio

Ouça também pelo youtube, basta dar um play

 

Assista ao vídeo e curta o frisson que esse personagem causou no shopping de SP e é claro discuta conosco esse remake.

A seção “CineSophia” de hoje é um pouco diferente das demais. Ao invés de abordar um tema para discussão, a partir de argumentos sobre esse tema, eu gostaria de propor uma questão aos leitores.

O cinema é uma das maiores e melhores formas artísticas para se contar histórias, e muitas delas são derivadas da imaginação de seus autores, ou seja, são expressões originais dos criadores, que desejam apresentar o mundo ou algo existente nele através de seus olhos para o maior número de pessoas.

Já outras histórias são derivadas de diferentes mídias, como a literatura, a televisão, os quadrinhos, até mesmo, canções podem gerar filmes.

Dessa forma, pergunto aos leitores: QUE ADAPTAÇÃO VOCÊ GOSTARIA QUE FOSSE FEITA PARA O CINEMA?

Os livros são grandes fontes de inspiração para excelentes filmes, muitas vezes, superando até mesmo o original literário. Exemplos como “O poderoso chefão”, “O iluminado” e “O senhor dos anéis” mostram que se bem adaptadas, as histórias contidas nas páginas dos livros podem ganhar novos contornos e ampliar ainda mais o universo criado e admirado pelos fãs.

É claro que a frase “Prefiro mais o livro que o filme” sempre será dita pela maioria das pessoas que conhecem a fonte original, mas é importante valorizar o filme baseado no texto literário como uma adaptação da obra original. Caso os produtores e demais responsáveis pelo filme acatem a ideia de obedecer à linha narrativa ou mesmo ao conceito do livro, nada lhes impede que mudanças possam ser feitas, mesmo que os fãs mais “xiitas” reclamem aos quatro ventos.

Em alguns casos, muitos filmes baseados em livros conseguem alcançar um sucesso maior que seus originais, justamente porque o cinema tem um maior poder de sedução nos expectadores. Novamente, a qualidade da interpretação cinematográfica é um fator fundamental para que “o filme seja melhor que o livro”.

Os quadrinhos, outra forma de literatura, têm rendido ótimos e bons filmes, além de alguns exemplos de qualidade questionável. Mas é inegável o poder que as histórias em quadrinhos possuem nos últimos anos para influenciar as produções cinematográficas. A mídia visual dos quadrinhos ganha muita força quando os personagens e as situações bidimensionais das páginas das revistas se transformam em realidades tridimensionais, que não precisam perder o aspecto fantástico em detrimento da contextualização para a chamada vida real.

O elemento surreal e fantástico de aventuras do Homem-Aranha, X-Men e Batman podem fazer parte dos problemas e situações do nosso dia-a-dia, sem que isso remeta a uma total distorção do material original. É por isso que os filmes desses personagens tanto agradaram aos expectadores, porque não limitaram o elemento aventuresco dos quadrinhos em nome de uma completa inserção dos temas e conceitos dos personagens na realidade que conhecemos como nossa.

A trilogia de Christopher Nolan para o personagem Batman elevou ainda mais esse conceito de realidade para o mundo dos quadrinhos, com situações extremas e pessimistas sobre nosso mundo e a nossa própria forma de vê-lo e lidar com seus problemas. O cineasta transforma a falta de esperança da população e o crime em venenos para a humanidade, na pele de pessoas que se dedicam a semear o caos e a anarquia pelas cidades. É claro que estou me referindo ao Coringa, o símbolo maior da desestabilização do mundo criado por Nolan, um mundo tão sombrio e tenebroso que precisa de uma figura tão amedrontadora para se transformar num símbolo de resgate da esperança e na salvação de cada um de nós.

Os filmes baseados em quadrinhos também não se preocupam, em alguns casos, com a necessidade de integrar à realidade os personagens, tudo em nome da simples e pura diversão, como no grande sucesso de bilheteria “Os Vingadores”. A Marvel tem a responsabilidade de criar um universo real para seus personagens no cinema, mas como um dos conceitos mais básicos na “Casa das Ideias”, a diversão dos leitores, no caso, os expectadores, que querem mesmo curtir uma tremenda aventura nas telas, como faziam com os quadrinhos.

As histórias em quadrinhos movimentaram o cinema para outros caminhos em relação à adaptações, como por exemplo, os games. É claro que os filmes baseados em jogos eletrônicos, em sua maioria, não alcançaram grandes índices de bilheteria e aceitação dos fãs. Mesmo assim, as mídias eletrônicas têm possibilitado incríveis histórias e possibilidades para o cinema, que tem tentado acertar.

Alguns jogos eletrônicos como “Assassin’s Creed” e “God of War”, por exemplo, são tão bem construídas que mais se parecem com filmes. Talvez a união dos estúdios com os produtores desses jogos poderia resultar num excelente filme baseado em game. Mas ainda há esperança para os fãs dos dois universos.

Como eu escrevi anteriormente, até mesmo canções podem gerar filmes, como o caso do recente filme nacional “Faroeste Caboclo”, baseado no clássico da banda Legião Urbana. Uma boa história original, apresentada como uma canção, se bem roteirizada e “amarrada” por um roteiro que seja bem construído, pode resultar numa boa adaptação. Não assisti ao filme ainda, mas espero que seja um bom exemplo para futuras produções.

Músicas de artistas consagrados podem até mesmo gerar histórias completas, quando unidas dentro de um determinado contexto, como em “Across the universe” e “Rock of ages”. São exemplos de boas ideias que unem bases aparentemente díspares ligadas por um fio condutor comum, que propiciam novas experiências para aqueles que conhecem essas obras em sua originalidade.

Assim sendo, você que lê esse artigo, é fã de quadrinhos, livros, games, música ou de tudo isso? Gosta de cinema? Gosta do que está sendo apresentado hoje em dia nas telonas?

Diante de tantos filmes que são apresentados semana após semana, existe alguma história baseada em outra mídia que seria interessante de ser vista nas salas escuras?

O Objetivo da Coluna Scary Shit é indicar grandes filmes de terror/horror que não podem deixar de ser vistos pelos amantes do gênero, ou por quem gosta de cinema e acha importante conhecer os maiores expoentes de todos os gêneros.

O eterno cientista louco

Claro que H.P Lovecraft dispensa apresentações para qualquer pessoa que gosta do fantástico, mas se você não sabe quem é Lovecraft, saiba que ele foi, muito resumidamente(e portanto injustamente) falando, um escritor norte americano que viveu entre 1890 e 1937, e mesmo vivendo pouco e numa época tão remota, deixou um legado inigualável em histórias e contos, que até hoje servem de inspiração para absolutamente todas as criações fantásticas, sejam elas de terror, ficção ou fantasia. Lovecraft criou uma verdadeira mitologia.

Alguns de seus contos se tornaram filmes famosos como Re-Animator, de 1985 ou serviram de base para filmes como Hellboy e A Morte do Demônio (o livro dos mortos citado em Evil Dead foi criado por Lovecraft). Indiretamente, sua influencia beira o infinito.

Do Além (From Beyond, nome original fielmente traduzido) de 1986, a exemplo de Re-Animator, foi dirigido por Stuart Gordon, que após estes dois grandes filmes não teve mais tanto sucesso em Hollywood, chegando a dirigir até mesmo a série de TV baseada no filme “Querida…encolhi as crianças”.

Com o baixíssimo orçamento de 4,5 milhões de dólares, Gordon foi obrigado a usar de muita criatividade, muita tinta vermelha e muita borracha para levar para as telas as criaturas grotescas imaginadas por Lovecraft.

Na história conhecemos o Dr Edward Pretorius, um cientista que consegue criar uma máquina chamada “Resonator” capaz de, através de estimulação da glândula pineal, abrir o chamado terceiro olho e ativar assim o sexto sentido das pessoas, levando elas a ver, e sentir os estranhos seres extra dimensionais que, segundo ele, estão em nossa volta o tempo todo, mas não conseguimos notá-los

Dr Pretórius é vítima de seu próprio experimento e seu ajudante, Dr Crawford Tilinghast,(Jerfrey Combs, também de Re-Animator) é internado como louco.

A história se complica quando uma psiquiatra (Barbara Crampton, de Dublê de Corpo e que também trabalhou com Gordon em Re-Animator) resolve investigar a história, religando o equipamento e trazendo de volta os monstros.

O ponto divertido do filme é fazer algo que os grandes filmes de terror faziam muito nos anos 80, até pelo baixo orçamento e tecnologia da época, usar e abusar da maquiagem e dos bonecos.

Queria que todas as heroínas dos filmes fossem assim

Outra coisa que torna o filme ainda mais divertido é que eles explicam que a glândula pineal, estimulada pela máquina (em alguns casos a ponto de não caber mais na cabeça) é também a glândula que controla os prazeres sexuais, ou seja, além de sofrer com mortes terríveis e deformações, as vitimas também sofrem de um tremendo de um tesão.

As cenas clássicas de distorção corpórea lembram clássicos como “O enigma de outro mundo” e a “A Mosca”, e se o espectador conseguir relevar os poucos efeitos de CGI pra lá de ultrapassados, é possível ficar até enjoado com os efeitos práticos. Confesso que a cena em que uma médica tenta retirar a glândula pineal super desenvolvida da cabeça do Dr Tilinghast me fez abandonar a pipoca.

Mais do que um banho de sangue, a história leva a esta reflexão sobre a ganância dos homens em querer desvendar todos os mistérios da mente lavada às últimas consequências.

Do Além é um filme pra lá de divertido, que faz qualquer fã do gênero morrer de saudades das estantes empoeiradas das locadoras nos anos 80.

Me dá um beijinho…

Ah, o cinema de horror dos anos 80!!!!

Trailer:

Finalmente foi divulgado o primeiro trailer de “Agents of S.H.I.E.L.D.”, seriado desenvolvido para o canal NBC por ninguém menos que Joss Whedon, o diretor de “Os Vingadores”, um dos maiores sucessos do cinema de todos os tempos e um dos melhores filmes baseados em quadrinhos da história.

Quando foi anunciada a série, os fãs de quadrinhos e dos filmes ficaram animados, já que o programa dará continuidade ao universo que está sendo construído nas telonas. E mais animados ainda ficaram os fãs ao saber que um dos personagens mais carismáticos da super agência de espionagem, apresentado justamente nos filmes, estará de volta: o agente Phil Coulson, interpretado pelo ator Clark Gregg.

O trailer de estreia mostra o agente, dado como morto em “Os Vingadores” orientando seus subalternos para a sua missão, que é a de cuidar dos casos não resolvidos pela agência.

Há ainda a presença de um misterioso personagem em uma rápida aparição. Muitos sites especulam que pode se tratar de Luke Cage, um dos personagens urbanos do universo Marvel, indicando que novos heróis podem fazer aparições especiais na série. Os fãs também contam com a presença de personagens vistos nos filmes, como os próprios Vingadores, o diretor da agência Nick Fury e seu braço direito, a agente Maria Hill. A intérprete da personagem, a atriz Cobie Smulders, não negou que pode estar em alguns episódios, mas por enquanto, não há nada de oficial.

O lançamento é mais que aguardado, mas há uma pergunta a ser feita: O que esperar de “Agents of S.H.I.E.L.D.”?

ORIGENS

S.H.I.E.L.D. é a principal organização de espionagem do universo Marvel, criada pela ONU e financiada por países pertencentes à OTAN para proteger o planeta de grandes ameaças, principalmente de ataques terroristas e invasões alienígenas.

É considerada a agência de espionagem mais poderosa da Marvel, superando até mesmo as organizações reais vinculadas ao governo norte-americano, como a CIA e a CTU. Mesmo assim, a organização comandada por Nick Fury não tem ligações com o Estado, agindo de forma secreta como uma força de defesa da Terra. Com sua super base aérea, a S.H.I.E.L.D. possui equipamentos de alta tecnologia e agentes altamente capacitados, todos empenhados no cumprimento de suas missões. Além disso, eles contam com uma força de ação paralela, na forma dos Vingadores, os super-heróis mais poderosos da Terra, que de vez em quando, entram em conflito com a agência. Questões ideológicas, nada mais.

A agência foi criada por Stan Lee e Jack Kirby, os principais nomes da Marvel em todos os tempos, em 1966 e inicialmente a sigla era traduzida como “QUARTEL-GENERAL SUPREMO DE ESPIONAGEM INTERNACIONAL E DIVISÃO DE EXECUÇÃO DA LEI”. Durante os anos que se seguiram à sua criação, a organização participou de diversas aventuras dos heróis Marvel. No começo dos anos 90, a tradução brasileira adotou o nome que usa nos dias de hoje: SUPERINTENDÊNCIA HUMANA DE INTERVENÇÃO, ESPIONAGEM, LOGÍSTICA E DISSUAÇÃO”, a fim de aproximar às iniciais da sigla original.

Originalmente a organização foi uma resposta das forças aliadas às ameaças da H.I.D.R.A., uma agência terrorista internacional com vínculos nazistas, que sempre se mostrou no universo Marvel como uma das mais poderosas forças contra a paz mundial. Sob a liderança dos Estados Unidos, a S.H.I.E.L.D. reúne soldados de muitos países, todos sob o comando de Nicholas Fury, um ex-agente da CIA e veterano de guerra.

Nick Fury em seu visual clássico.

Durante os anos, Fury era representado nos quadrinhos como um homem cada vez mais jovem, algo como o James Bond dos cinemas, que jamais envelhecia, mesmo que os anos e o mundo passassem ao seu redor. Bond sempre foi considerado uma inspiração para o visual e características de Fury. A explicação dada pela Marvel foi a de que o personagem ingeriu uma fórmula similar ao Soro do Super Soldado, responsável pela criação do Capitão América, que o rejuvenesceu.

Fury tem total autonomia para tomar suas decisões, mas deve obediência ao alto escalão de diretores da agência, formado por membros da ONU. São constantes os embates entre Fury e seus superiores, afinal, no campo de batalha, as decisões de um soldado são mais fortes do que aquilo dito por burocratas. Em histórias mais recentes, Fury teve que “bater de frente” contra a direção de sua agência, já que enfrentou a corrupção dentro da instituição.

Atualmente, Fury não ocupa o cargo de comando da S.H.I.E.L.D. já que teve de se afastar após denúncias de um ataque não-autorizado à Latvéria, a nação comandada por Victor Von Doom, mais conhecido como Doutor Destino. Hoje ele é considerado um insurgente e procurado como renegado.

Nos últimos anos, a S.H.I.E.L.D. teve maior participação nos quadrinhos, sobretudo, na mega saga “Guerra Civil”, quando a agente Maria Hill, que durante anos foi o braço-direito de Nick Fury, foi promovida a comandante da agência, no lugar do antigo líder.

Considerada como uma das agentes mais idealistas e responsáveis na história da agência, Hill descobriu que diversas informações sobre os eventos ocorridos na “Dinastia M”, saga anterior do universo Marvel, que culminou com a quase total extinção dos mutantes, estavam sendo omitidas da população mundial. Acreditando que tal omissão fora ocasionada pelos Vingadores, Hill iniciou uma campanha contra os super seres, alegando que eles deveriam revelar suas identidades secretas ao mundo. E mais, os heróis deveriam trabalhar ao lado do governo.

Após um violento ataque, onde milhares de pessoas perderam suas vidas, o Capitão América foi convocado a seguir a Iniciativa de Registro dos Super-Humanos, proposta pelo governo, mas se recusou, passando a liderar a resistência Anti-Registro de forma clandestina. Maria Hill recebeu apoio total de Tony Stark, alter-ego do Homem de Ferro na lei de registro dos heróis, já que ele sempre defendeu a ideia de que os heróis deveriam se mostrar ao mundo para serem melhor aceitos pelas pessoas.

Não se vendo como uma diretora devidamente capaz para tal responsabilidade, Maria Hill convida Tony Stark para o cargo, que aceita de imediato e passa a comandar a agência, tendo Hill novamente como “segunda em comando”.

A S.H.I.E.L.D. foi dissolvida pela ONU após um ataque dos alienígenas Skrulls. Uma nova agência foi criada, chamada H.A.M.M.E.R. (Martelo), sob o comando do mega empresário Norman Osborn. O nome vem da ideia de que o martelo é um contrapondo ao escudo (nome original da agência), cuja missão é atacar e não mais defender. Uma das primeiras “medidas” de Osborn foi roubar a tecnologia do Homem de Ferro e se tornar o Patriota de Ferro, que recentemente foi visto nos cinemas em “Homem de Ferro 3” como uma evolução do “Máquina de Combate”, alter-ego do Coronel James Rhodes. Osborn liderou nas histórias atuais os chamados “Vingadores Sombrios”: Venom (Mac Gargan, ex-Escorpião), Wolverine (Daken), Miss Marvel (Carla Sofen, a Rocha Lunar), Gavião Arqueiro (o Mercenário), Capitão Marvel (Noh-Varr), Sentinela (Robert Reynolds) e Ares.

S.H.I.E.L.D. FORA DOS QUADRINHOS

A agência de espionagem da Marvel teve participações ou menções em outras mídias fora dos quadrinhos desde a sua criação nos anos 60. Na televisão, diversas séries animadas como “Homem-Aranha e seus incríveis amigos”, “O Homem-Aranha”, “Homem de Ferro”, “Hulk” e “X-Men: Evolution” tiveram participações de Nick Fury e dos agentes do “Escudo”. Além disso, estiveram em longas-metragens especiais de animação, como os dois episódios de “Ultimate Vingadores”, baseados nos arcos de histórias de mesmo nome, lançados nos anos 2000.

Ainda na televisão, em 1998, foi lançado um filme com David Hasselhoff (Super Máquina e S.O.S. Malibu) no papel de Nick Fury. Não teve uma aceitação das mais positivas, mas a caracterização do personagem foi bem fiel ao visual do personagem dos quadrinhos. É importante lembrar que originalmente, Fury era branco. O personagem vivido por Samuel L. Jackson nos atuais filmes, é inspirado no visual criado para a série “Marvel Ultimate”, uma modernização do universo Marvel no início dos anos 2000, justamente com as feições do ator norte-americano.

Nick Fury no filme de 1998.

Além disso, os personagens apareceram em diversos games da Marvel, como “Marvel: Ultimate Alliance I e II” e no título dedicado do Justiceiro, este último, em meados dos anos 90.

A partir de 2008, a S.H.I.E.L.D. começou a ser conhecida também nos filmes produzidos pelos estúdios da Marvel, primeiramente em “Homem de Ferro”, quando o agente especial Phil Coulson (Clark Gregg) e mais tarde, o próprio Nick Fury (Samuel L. Jackson) se apresentam, assim como a chamada “Iniciativa Vingadores”. A partir de então, esses e outros personagens começaram a aparecer nos filmes seguintes, construindo o cenário para “Os Vingadores”, de 2012, onde a agência teve uma participação maior e mais importante, afinal, a reunião dos mais poderosos heróis da Terra iniciou pelas mãos da super agência.

A versão Ultimate de Nick Fury foi inspirada no ator Samuel L. Jackson.

Em todos os filmes, à exceção de “O incrível Hulk” (2008), a presença do agente Coulson, responsável e bem-humorado, era um dos pontos altos dessas produções. Mesmo discreto, o personagem trazia um alívio cômicos aos filmes e ajudava a “amarrá-los” até que culminassem com o momento derradeiro da “Fase 1” da Marvel Studios. Contudo essa ausência foi remediada no curta-metragem “The Consultant”, estrelado pelo personagem, que discute com outro agente uma forma de convencer o general Ross a ingressar na “Iniciativa Vingadores”. O resultado dessa conversa pode ser visto na última cena do filme do Gigante Esmeralda. O vídeo foi lançado na edição em DVD/Blu Ray de “Thor”. Coulson ainda protagonizou outro curta-metragem, intitulado “A funny thing happened on the way”, que consta na versão DVD/Blu Ray de “Capitão América: O primeiro Vingador”, desta vez, numa situação mais cômica que no filme anterior.

A participação do agente Coulson em “Os Vingadores”, mais que um elo entre tudo o que já havia sido visto nas telas e o que viria em seguida, representa uma homenagem da “Casa das Ideias” a todas as gerações de fãs que ano após ano, fez com que a editora se tornasse uma das mais populares e bem-sucedidas em toda a história dos quadrinhos em todo o mundo. Mais que um agente brilhante e capacitado, Phil Coulson foi descrito como um fã de itens relacionados aos heróis do passado, um autêntico nerd que amava sua coleção de cards e a considerava um valioso troféu. Que colecionador de quadrinhos, bonecos ou outros itens não se identificaria com o personagem?

É por isso que sua morte em ação foi vista como um dos momentos mais emocionantes e icônicos de “Os Vingadores”, causando revolta em muitos fãs do personagem. Mas como foi dito pelo próprio Fury, ele não tinha permissão para morrer. E aqui chegamos ao assunto principal deste artigo, a volta de Phil Coulson, no comando dos agentes da S.H.I.E.L.D., só que desta vez, nas telas de T.V.

AGENTES DA S.H.I.E.LD.

A série se passará logo após os eventos mostrados em “Os Vingadores”, ou seja, o ataque dos Chitauri a Terra, e consequentemente, a batalha de Nova York, vencida pelos heróis. O agente Phil Coulson reúne um pequeno grupo de agentes para missões “não classificadas” pela agência, ou seja, casos ainda não solucionados, principalmente, decorrentes desses últimos eventos.

Os agentes escolhidos por Coulson são Grant Ward (Brett Dalton), um especialistas em ações de combate e espionagem; Melinda May (Ming-Na Wen), especialista em artes marciais (a atriz fez o papel de Chun-Li em “Street Fighter – A batalha final”); Leo Fitz (Iain De Caistecker) e Jemma Simmons (Elizabeth Henstridge), dois cientistas, e a recruta Skye (Chloe Bennet), uma hacker.

A trama, a quantidade de episódios, o horário de exibição e a data de estreia, ainda não foram divulgados, mas a produção de Joss Whedon, que inclusive, dirige o piloto, além do tema e das suas bases cinematográficas, fazem com que a série seja uma das mais aguardadas da televisão para a próxima temporada.

O trailer divulgado mostra que o espírito e a estética do cinema estarão presentes e promete muita ação nas aventuras dos personagens.

Como fã de quadrinhos e dos novos filmes de super-heróis Marvel, eu estou bem ansioso para essa série. Mesmo não tendo a presença de super-heróis poderosos como os do cinema, mas com a possibilidade de apresentar novos heróis, como o próprio trailer sugere, permite que o universo Marvel fora dos quadrinhos seja expandido, com mais possibilidades de aventura e diversão.

A volta de Coulson é a principal atração, já que o personagem conquistou espaço na mitologia Marvel, inclusive nos desenhos animados e quadrinhos. Ele humaniza o agente secreto e permite que uma pessoa aparentemente comum, como os fãs, estejam mais próximos dos universos fantásticos criados pelas mentes brilhantes da Marvel.

E a atual programação da televisão não abre muito espaço para séries baseadas em quadrinhos, tendo apenas alguns exemplos de personagens inspirados nos originais, mas reinterpretados para o contexto atual e real, o que nem sempre funciona muito bem, já que mesmo trazendo para a realidade, a falta da ação típica dos quadrinhos é mais que sentida pelos fãs. E o fato de que a série será uma ponte entre os filmes, ou seja, uma expansão da mitologia faz com que atraia ainda mais as atenções.

Em tempos em que muitos “fãs” alegam não haver mais espaço para filmes individuais dos personagens, sem que todos estejam ligados com “Os Vingadores”, é interessante que uma série de televisão amplie esse universo, dando espaço para novas aventuras e a continuidade da história que já vem sendo contada há alguns anos.

“Agents of S.H.I.E.L.D.” promete ser uma atração que agradará aos fãs da Marvel e já chega com uma carga de expectativa das mais positivas, pelos nomes responsáveis pelo projeto, e pelo que ele pretende ser. Em tempos em que a Marvel está em alta nos cinemas, não vejo a possibilidade da série não alcançar sucesso. Não sei quantas temporadas a série durará, mas pelo menos a primeira temporada tende a iniciar uma nova era da Marvel na televisão, em séries live action, já que há muitos anos não temos séries desse tipo com os personagens da editora, algo que acontecia nos anos 70 e 80, com seriados como “Homem-Aranha” e “O Incrível Hulk”.

O que esperar de “Agents of S.H.I.E.L.D.”? Muita ação, mistério e aventura, coisas que gostamos de ver nas histórias em quadrinhos e que a Marvel está inserindo em seus filmes com extrema qualidade.

Qualquer fã de literatura fantástica reconhece imediatamente o nome de J.R.R Tolkien, conhecido mundialmente por seus livros, em especial a Trilogia O Senhor dos Anéis e O Hobbit, que foram adaptados para o cinema por Peter Jackson. Agora, os fãs do Professor poderão saber mais sobre a vida e obra do mestra da fantasia com o novo lançamento da Editora Darkside: J.R.R Tolkien – O Senhor da Fantasia

A biografia acompanha a vida e a trajetória do escritor, começando por sua infância na África do Sul, seguida do retorno da família para a Inglaterra. Os Tolkien estabeleceram-se em Birmingham, cidade que passava por uma rápida industrialização nos anos 1890, mas ainda era cercada por uma paisagem de tirar o fôlego. Este cenário que reunia e mesclava o coração industrial do Império britânico próximo a bosques e montanhas idílicas e selvagens foi determinante para as ideias e a escrita de Tolkien.

O Professor Oxford um dia, corrigindo exames, ao se deparar com uma página em branco que um aluno havia deixado no caderno de exercícios, Tolkien escreve de repente: “Em uma toca no chão vivia um Hobbit”. Bem à sua maneira, ele fica intrigado com aquilo e decide descobrir mais a respeito dos hobbits. Escrito para os seus filhos, O Hobbit tornou-se um sucesso imediato quando foi publicado em 1937. Vendeu milhões de exemplares mundo afora desde então e estabeleceu-se como “um dos livros mais influentes de nossa geração” 

O livro deve ser lançado ainda em Maio

A prova viva que um jogo não precisa de tiros, mortes e tudo o mais para se tornar emocionante é o fato de Portal ter sido considerado um dos melhores jogos de 2007 e ganhou vários prêmios, como o mais original, o de melhor jogabilidade e melhor música com a engraçadissima Still Alive. Considerado o sucessor espiritual de Narbacular Drop, Portal foi algo tão diferente que a Valve resolveu, depois de anos, criar uma sequência. O mais interessante, no entanto, é que a própria empresa, dona do serviço de Distribuição Digital, o Steam, inclui os jogos Portal 1 e 2 dentro do universo de Half Life, fazendo com que os jogadores fiquem ansiando, ainda mais, por ver a Portal Gun nas mãos de Gordon Freeman ou a GlaDOS aparecer em algum momento num tão almejado Half Life 3 ou HL2:Epi3, mas isto ainda fica na base da especulação.

Mas, enquanto esperamos estes jogos, assim como mais mapas de Left 4 Dead 2, Alien Swarm e outras promessas ainda não realizadas pela Valve, por conta da Valve time, tivemos a maravilhosa surpresa que é Portal 2. Desde a sua continuidade com o Portal 1, passando pelas mesmas salas e desafios do primeiro jogo, o pessoal da Valve foi bem mais além com este novo jogo. Agora sabemos um pouco mais da criação da Portal Gun, e, principalmente, das motivações maiores da GlaDOS, por conta da narrativa por parte de Wheatley, um núcleo de personalidade integrante da GlaDOS, que se torna o seu amigo a priori para ajudar a escapar daquele lugar horrendo criado pelos cientistas loucos da Aperture Science – a empresa rival da Black Mesa, onde, ninguém menos que Gordon Freeman, trabalhava antes da Guerra das 7 Horas -, até que algo de muito ruim acontece.

Quando este evento realmente ocorre, você adentra nos porões da Aperture Science e um novo mundo se abre diante dos seus olhos. Todos os experimentos, experiências e outras coisas loucas que as pessoas faziam naquele lugar tinha uma explicação, e o nome dela é Cave Johnson, com a sua voz dublada por ninguém menos que J.K. Simmons, quem não conhece, é o J.J. Jameson, o chefe louco de Peter Parker nos filmes do Homem-Aranha. A forma de como você começa a entender como tudo aquilo se desenvolveu, foi por conta da forma tresloucada que Cave Johnson, dono da Aperture Science, conduzia os seus negócios. GlaDOS? Agradeça a ele por sua criação. Portal Gun? Culpe ele também. Os Cubos Companheiros, os robôs, as sentinelas? Até mesmo o sumiço da Borealis? Palmas para Cave Johnson.

A forma de como ele é introduzido no jogo é tão interessante que todas as vezes que ele começa a falar, você instintivamente para de jogar só para ouvir o que ele tem a dizer, que vai desde algo muito engraçado, passando pela paranóia pura e, pontuando com uma cereja na ponta do bolo, uma loucura extasiada de como alguém consegue ser tão megalomaniaco.

Desta forma, o desafio do jogo é “simples”, é apenas passar por várias salas de teste de sujeito, isto é, você, usando a Portal Gun. Diferente dos FPS’s tradicionais, Porta 1 e 2 são considerados Puzzles 3D, onde o jogador tem de explorar o ambiente antes de conseguir desvendar a solução da sala e, para muitos jogadores, é algo que pode ser um porre. Há salas que você passará num piscar de olhos, mas tem outras que se você não tem um olhar atencioso e astuto poderá quebrar a cabeça por alguns minutos, até mesmo algumas horas. E é isto que é admirável em Portal 1 e 2, a dificuldade vai se tornando cada vez mais crescente, ao ponto que pode ficar até mesmo insuportável, mas se você é um gamer e gosta de desafio, este é o seu jogo.

E por falar em desafio, existe a possibilidade de jogar um modo cooperativo com um outro jogador, o que torna a jogatina ainda mais interessante, e dificil, já que você tem de trabalhar cooperativamente com outra pessoa, e, neste jogo, não é algo que pode ser tirado da cartola, principalmente jogando online com um completo desconhecido. O modo Coop se dá com cada jogador controlando um robô e cada qual com uma Portal Gun que cria um dos portais. Algumas fases chegam a ser bem complexas e os jogadores precisam trabalhar bem para passar dela. O mais interessante é que tanto jogadores do PlayStation 3, MacOS X podem jogar juntos com o pessoal que usa Windows.

Graficamente falando, Portal 2 é o jogo mais lindo já criado pela Source Engine, com uma física única, o que incrementa ainda mais a jogabilidade do jogo, toda a composição faz com que Portal 2 seja o jogo que mais usa o computador para calcular a física dos objetos entre todos os jogos da Valve. Os efeitos de luz, água, reflexos, faíscas, são tão bem trabalhados, que ninguém vai perceber que tal Engine tem nove anos de existência, demostrando que ela envelheceu bem, diferente de outras engines por aí.

Os controles do jogo são bem precisos, permitindo que qualquer um jogo tanto no teclado como no Joystick, sendo que a minha preferência é o combo teclado + Mouse, que, para mim, continua imbatível para a jogatina com FPS. Os controles são bem costumizáveis, permitindo o jogador colocar da maneira que bem deseja a forma de como quer jogar Portal 2.

Os sons ambiente e a música fazem com que a ambientação se torne bem melhor, assim como os ótimos insultos que GlaDOS faz ao jogador, juntamente com os comentários hilários de Wheathley, juntamente com as gravações de Cave Johnson, se você acha que estava numa casa de loucos em Portal, você vai pensar diferente em Portal 2.

Esperemos que Portal 3 saia logo, assim como Half Life 3, pois precisamos destes jogos LOGO, Valve!

Se tem um filme que retrata fielmente os anos Reagan, não é Rocky, não é Rambo, nem qualquer uma daquelas pataquadas ufanistas direitistas que rolavam no cinema de ação dos anos 80, estreladas quase sempre por Chuck Norris (sim, estou falando de você, Invasão USA).

Não, o retrato fiel daquela era é De Volta para o Futuro. Terroristas líbios de Kombi, uma caixa de plutônio roubada, skate, guitarras, Huey Lewis & The News, Steven Spielberg, uma estranha fascinação pelos anos 50, atores de Caras e Caretas e Taxi, roupas ridículas que na época eram transadas… só faltou a cocaína pra completar o yuppismo (embora a presença de um DeLorean e toda a história por trás da marca sejam uma constante lembrança da substância).

No filme, Marty McFly, vivido por Michael J. Fox, garoto bacana que anda de skate, tem uma linda namorada e sonha em fazer sucesso com sua banda, vai testemunhar a experiência temporal de seu amigo, o Dr. Brown (vocês também não acham estranho um moleque de 17 anos fazer amizade com um senhor abilolado de 60-70 anos? Quer dizer, nego dessa idade odeia gente cinco anos mais velha, que dirá 50). A experiência revela-se um sucesso – e, com isso, Marty descobre que o bom doutor inventou a máquina do tempo… utilizando um DeLorean para isso.

Infelizmente a máquina precisa de uma barra de plutônio para cada viagem. E infelizmente os líbios de quem Brown surrupiou o material chegam para estragar a festa. Na confusão que se segue o doutor é metralhado e Marty acaba viajando no tempo até 1955.

E é aí que a parte sci-fi dá lugar a uma comédia de costumes. Brincando com a ideia de conflito de gerações, o filme mostra o personagem de Fox topando com seus pais no passado e descobrindo que as frutas não caem muito longe das árvores. Como Marty, seu pai também tem ambições artísticas, possuindo o mesmo medo de lidar com rejeições. Como Marty, sua mãe adora sair de carro à noite.

Porém, outras características ainda envergonham o garoto. George, seu pai, é um paspalho covarde, o que intriga o herói e ao mesmo tempo levanta uma questão sobre se ele também não seria um. Já sua mãe, Lorraine, se apaixona por Calvin Klein, isto é, o próprio Marty, que utiliza o nome famoso para despistá-la quando estraga o momento de encontro de seus progenitores.

Ok, cabeça doendo… Se sua mãe se apaixona por você no passado e não quer saber de seu pai, isso significa que você então pode deixar de existir? Sim, é o que coloca o Dr. Brown de 1955.

E pior ainda: isso não seria uma forma de incesto? Sim, foi o que disseram os executivos da Walt Disney Company momentos antes de expulsarem aos pontapés Bob Gale e Robert Zemeckis, escritores do projeto, do prédio da empresa.

A história para se FAZER o filme deu tantas ou mais voltas que a história CONTADA no filme. Todos os estúdios passaram o projeto pra frente, ainda mais com o histórico medíocre de Zemeckis em termos de arrecadação (só tinha dirigido Febre de Juventude e Carros Usados, duas bombas). Apenas Spielberg acreditava no poder do filme. Porém, quando Tudo por uma Esmeralda arrebentou nos cinemas, de uma hora pra outra Zemeckis viu a maré mudar a seu favor, com a Universal topando produzir a obra a toque de caixa para que ficasse pronta a tempo do verão americano de 85.

O escolhido para o papel seria Michael J. Fox, mas como ainda estava estrelando Caras e Caretas, a solução foi chamar Eric Stoltz. Com duas semanas de filmagem, o ator ainda não tinha encontrado o tom e Zemeckis o demitiu, uma ação extremamente dramática e que só é realizada nesse estágio apenas como último caso. Vários pauzinhos foram mexidos, egos foram massageados, contratos foram acertados e Fox voltou ao projeto, saindo diretamente do set da sitcom para o do filme, gravando quase tudo à noite e dormindo apenas duas horas por dia.

“Eric Stoltz, sua hora chegou”

A teimosia em Fox foi acertada. Esse é um papel que praticamente se confunde com o ator, da mesma forma que Christopher Reeve em Superman. Fox tem carisma, é engraçado e está perfeito como o adolescente deslocado nos anos 50. Christopher Lloyd, igualmente, tem seu trabalho mais emblemático como o alucinado Dr. Brown. Ambos carregam o filme nas costas, divagando sobre as diferenças entre as duas épocas, os anos 50 e os anos 80.

Aliás, esse paralelo também serve como um retrato do período em que Reagan na Casa Branca tentava evocar na população americana um ufanismo e uma inocência típica dos anos 50 de Eisenhower onde ele era um astro das telas – piada, aliás, utilizada pelos roteiristas. Essa ideologia é ratificada na conclusão do filme, onde o herói, após se envolver em todas as confusões possíveis advindas de sua situação, consegue sua recompensa: um carrão (que os próprios Gale e Zemeckis atualmente apontam como algo estupidamente ridículo nos comentários do DVD). Mais yuppie e consumista, impossível.

De Volta para o Futuro
(Back to the Future, 1985)
D: Robert Zemeckis
E: Michael J. Fox, Christopher Lloyd e Lea Thompson

Pokémon é muitas coisas legais, mas me parece que o pessoal esquece o principal dessa marca. Não é o desenho. Não é o cardgame. Não são os bonequinhos. Nem nenhum álbum de figurinhas ou qualquer coisa do tipo. O principal são os jogos de Game Boy! E eu não estou falando dessas novas versões insossas! Estou falando das origens! Do Game Boy tijolão!!! Dos gráficos duídos e da trilha sonora de dar dor no ouvido – mas que davam mó emoção legal nas batalhas de ginásio! Senhores, Pokémon é um jogo MUITO bom e não é só pela nostalgia de infância! É um jogo de MUITA qualidade! E vejamos o porquê!

Como já disse, a série começou no Game Boy Classic, sendo um jogo de RPG para todas as idades com 151 monstros para capturar, colecionar e batalhar. A premissa parece simples, mas o jogo foi uma verdadeira febre até antes do anime! Crianças pelo mundo todo levavam o Game Boy pra escola pra travar batalhas e trocar os bichos! Acho que nem a Nintendo esperava uma repercussão tão boa. Pokémon foi a franquia mais vendida do Game Boy – tão vendido quanto o Tetris! Véio, tão vendido quanto TETRIS!!!

Para começa a compreender esse sucesso, logo de cara encontramos o elemento RPG. Na época, o gênero estava em alta e Final Fantasy era um dos grandes destaques do Super Nintendo. RPGs são jogos focados no enredo, sem muita ação, mas com uma trama envolvente e elementos de evolução e personificação de personagem – ou seja, os seus monstros de bolso ficavam mais fortes conforme você jogava! Legal, não? Isso parece óbvio hoje em dia em que praticamente todos os jogos têm sistema de progressão, mas nós estamos falando dos tempos em que as opções eram Mario, Donkey Kong, Street Fighter e afins – e nenhum deles evoluía, os personagens eram os mesmos do começo ao final do jogo! Sem falar que eles evoluíam, o que dava uma sensação ainda mais forte de progressão – o lagartinho com fogo na ponta da cauda virava um dinossauro maneiro, que virava um dragão alado irado!

Pokémon também permitía uma forte lógica de estratégia. Não só as criancinhas jogavam com os bichinhos fofinhos, mas muito marmanjo se vislumbrou com a ideia de poder montar seu próprio time e ter uma infinidade de táticas diferentes. Durante o jogo, você ia descobrindo espécies novas de monstros, podia capturá-los e montar uma equipe de até 6 membros diferentes. Existiam diversos tipos de pokémons – fogo, água, planta, voador, fantasma etc – e um nunca era igual ao outro. Sendo assim, o monstro peixe que você capturou agora não tem as mesmas estatísticas e nem habilidades que o monstro tartaruga que você escolheu no começo, mesmo ambos sendo de água, e você ainda pode montar equipes focadas em um elemento – “se o próximo chefão usa monstros aquáticos, um time de elétricos e de plantas cairá bem, então eu posso deixar os de fogo guardados pra depois” – ou diversificar ao seu próprio gosto – fogo, água, psíquico, fantasma, lutador e dragão sempre estão no meu time. Pois é, Pokémon PARECE um jogo de criança, mas tem muito moleque de 9 anos que te daria uma surra pela estratégia, meu amigo!

E, para viciar de vez, o jogo traz elementos de coleção! Quem não acha divertido explorar um mundo descobrindo novos monstros e capturando todos? O grande desafio de completar a Pokeagenda! Muita gente já varou horas procurando um único bicho para completar sua coleção, ou treinando um monstro até um nível altíssimo pra descobrir se ele tinha evolução ou não. Pessoas colecionam coisas e Pokémon transportou isso para o meio digital! Cá entre nós, figurinhas, selos e miniaturas ficam entediantes pertos de monstros que você pode usar pra batalhar! – sem falar que depois que o anime foi lançado, o pessoal jogava pra encontrar dentro do jogo aquele pokémon que apareceu no episódio novo, ou então pra encontrar os que ainda não tinham aparecido no desenho, o que intensificou ainda mais a vontade de buscá-los a todo custo!

E tudo isso com um enredo incrível! “Ah, é só um jogo de capturar monstrinhos e vencer os chefes de ginásio”, NÃO, NÃO É SÓ ISSO, SEU IDIOTA!!! Essa é a premissa do jogo, o ponta pé inicial! Um garoto que sai de casa para derrotar treinadores mais experientes e se tornar o melhor de todos. Porém, no meio da jornada, há contraposições! Você conhece alguns personagens no meio do caminho e tem que realizar missões que não estão diretamente ligadas à sua jornada pessoal, como ajudar um pesquisador a sair da fantasia que ele vestiu para imaginar como que um pokémon se comporta na pele – e acabou ficando preso nela -, descobrir o que fazer com o fóssil que você encontrou no meio na Caverna da Lua, salvar uma cidade da dominação do grupo criminoso que usa os monstros em seus atos vilanescos, batalhar contra o rival e assim por diante. Não é um enredo complexo e profundo, como nos jogos da Square Enix, mas tem uma história acontecendo! Não é uma linha reta entre o ponto de partida e o objetivo! Tem movimento! Tem pedras no caminho! Tem inimigos a serem derrotados! O mundo do jogo é vasto, seja um bom gamer e explore-o!

Senhores, é assim que se faz um jogo excelente! Vários elementos bem equilibrados e ordenados! Jogabilidade simples, mas rica. Cenário grande e diversificado. Enredo claro e divertido. Pokémon é uma das franquias mais vendidas do mundo até hoje e não é por acaso ou por popularidade sem mérito! O jogo tem força para tal! Raros são os casos em que jogos ficam famosos sem merecimento, e Pokémon é um exemplo de jogo que merece a posição de um dos melhores do mundo!

Esse ano foi recheado de bons filmes de terror. Tivemos MAMA que aterrorizou muitos, um dos mais aguardados, Evil Dead, supriu as exigências do público, e até tivemos uma excelente surpresa com O remake do Massacre da Serra Elétrica. Mas um dos filmes que eu estava mais ansioso para ver foi exatamente o que mais me decepcionou.

O Último Exorcismo: Parte 2 é um daqueles filmes que faz você sair do cinema com raiva.

A historia se foca na mesma personagem do primeiro filme, ou seja, acabamos vendo o que ocorre com a Nell Sweetzer (Ashley Bell) após o trauma que ela passou no primeiro filme.

Percebemos durante o filme que o demônio não saiu de vez do corpo da Nell. Porém é o demônio mais preguiçoso que eu já conheci, a ponto de ficarmos mais de 1 hora apenas na expectativa de que algo vai ocorrer, e temos apenas algumas cenas muito fracas de tensão, aonde a personagem nem chega a demonstrar a possessão do demônio. Na verdade ela apenas parece ter alguns sonhos eróticos com o demônio, e só. Sabe todo aquele estilo found footage do primeiro filme que deu tanto certo? Pois é… esquece por que não temos nada disso desta vez.

Na verdade o filme nem parece ser um terror e sim um drama sobre uma garota do interior enfrentando problemas de adaptação na cidade grande.

Apenas nos últimos 15 minutos do filme é que o preguiçoso demônio parece despertar de vez. E nessa hora que eu pensei: “Agora o bicho vai pegar!!”.

Engano meu. As ações que o demônio faz acabam não sendo mostradas e nessa hora temos apenas a imagem da casa onde a possuída está com algumas janelas sendo quebradas, 3 manchas de sangue vazam por cantos da fachada e 1 corpo é arremessado. Acredito que o diretor acredita que vai passar mais tensão não mostrando o demônio atacando as pessoas, e com isso as únicas cenas fortes do filme são os flashes que temos do primeiro filme.

Se você leu essa crítica e ficou bravo comigo por eu ter jogado alguns fracos spoilers, saiba que eu acabei te ajudando a economizar dinheiro. E não é que eu não gostei por que eu estava com a expectativa alta, mas apenas por que o filme não mostrou exatamente nada. E no final de tudo ainda deu a entender que podemos ter uma continuação, o que eu estou torcendo muito pra que não aconteça.

Minha nota para “O Último Exorcismo: Parte 2” é 1 de 10. Tenho que mencionar que essa é a nota mais fraca que eu já dei em quase 2 anos de site.

Sinopse oficial:

Após escapar do ritual realizado por um culto, que desejava que ela desse a luz a um filho demoníaco, a jovem Nell Sweetzer (Ashley Bell) é encontrada suja e completamente aterrorizada na floresta. Apesar de ser examinada por uma equipe médica, Nell não se lembra bem do que lhe aconteceu. Ela decide se mudar para a pequena cidade de Davreaux, onde tenta recomeçar a vida. Entretanto, não demora muito para que o demônio volte a atormentá-la, desta vez com novos planos.

Trailer:

Galeria de fotos:

O Filmes e Games assistiu esse filme a convite da PlayArte, veja também a crítica desse filme no AdoroCinema

Pessoal, dia 04/05 como muitos sabem é comemorado o Star wars day, costumeiramente utilizam a data no formato “May the 4th” e com isso temos um trocadilho com a frase nerd mais utilizada nos filmes de Star wars, “May the force be with you” ou “Que a força esteja com você”.

Aproveitando a semana o site da Sideshow, apresentou uma imagem curiosa:

Já faz muito tempo, temos rumores sobre um lançamento de uma figura do Darth Vader em escala 1:6 articulável, mas até agora nada foi confirmado, ano passado na SDCC (San Diego Comic Con), havia um Vader 1:6 exposto no espaço da Sideshow. Após o término da feira, muito se falou, muito se especulou e nada ficou acertado. A figura exposta era essa abaixo:

Eu particularmente estou na espera por um Darth Vader nessa escala já faz algum tempo, a imagem da feira me criou boas expectativas na época, mas a imagem de divulgação do dia 4 me deixou bem ansioso, a figura apresenta ótimos detalhes na roupa, no acabamento do capacete e principalmente no sabre de luz, claro que existe um tratamento de photoshop pra melhorar o aspecto da figura, mas a minha primeira sensação é de algo bom vindo pela frente.

A única certeza é que as pre-orders começarão no dia 23/05, eu tenho expectativa de que venha alguns pares de mãos (abertas, fechadas, em posição pra segurar o sabre de luz), a cabeça sem o capacete, uma base que acenda e claro, duas opções de sabre, uma com ele apagado pra por na cintura, como na foto da feira e uma com ele aceso, como na foto de divulgação. Como o sabre acenderá? Não faço idéia… Mas aposto que os engenheiros, desenvolvedores e escultores da Sideshow são muito bem pagos pra pensar em como fazer isso, o tamanho da bateria pra colocar dentro da base do sabre teria que ser minúscula, em estátuas o problema seria resolvido passando os fios pela estrutura do braço da peça, mas sendo articulada o processo é bem complicado, tanto que a figura Hot toys do Luke Skywalker, o sabre não acende e é feito por um plástico azulado que simula o laser…Evidente que seria fantástico o sabre aceso, mas acendendo ou não, a peça está fantástica analisando por essas duas imagens.

Dia 23/05 está logo aí e certamente teremos mais informações oficiais direto do fabricante, até lá, ficaremos cheios de dúvidas e especulando feito loucos.

Até a próxima e “Que a força esteja com nossos cartões de créditos!!”

Novas!!

Hoje, quase uma semana após a postagem da notícia, a Sideshow divulgou uma nova imagem da peça. Nela podemos notar que virá um capacete desmontado do Darth Vader, além de uma cabeça do Anakin Skywalker (Isso é spoiler? Alguém aqui não sabia? Hahaha).

Segue imagem para alimentar a ansiedade:

Abraço!!

As Redes-Sociais vieram para ajudar as pessoas a se socializar (e nos escravizar), serem uma experiência interativa total. Mas acho que muitos sonham em um dia termos acessos a algo mais próximo do OASIS de Jogador nº1, ou até mesmo da Matrix… Já eu, ficaria feliz em poder acessar OZ

Em Summer Wars, OZ é uma “rede-social” que você pode acessar de qualquer aparelho, na qual após você criar um avatar pode desfrutar de uma infinidade de serviços. Jogos, compras, conversas, Tudo em OZ é feito para facilitar a comunicação e interação, tanto que até um sistema de tradução instantânea existe, facilitando a comunicação entre pessoas de várias nações. Esse tipo de facilidade faz com que empresas abram filiais (ou apenas existam) em OZ, as pessoas linkam toda a sua vida a OZ, que possui um dos bancos de dados mais bem protegidos do mundo.

A central de OZ

Então Keiji Koiso um garoto brilhante, um gênio da matemática, que trabalha como programador em OZ, recebe um convite para viajar com sua colega de escola Natsuki Shinohara, para o 90º aniversário de sua avó, mas ao chegar lá descobre que na verdade ele tem que fingir ser namorado dela. No novo local ele conhece os membros da família Jinnouchi que, liderados pela matriarca Sakae, se mostram uma família incrivelmente unida, influente e honrada.

Até que uma noite o garoto recebe uma equação por email, e após devolver a resposta descobre que na verdade quebrou o código do Firewall de OZ, deixando assim um hacker chamado Love Machine invadir Oz, e transformar o lugar no Caos, e o que é pior, com informações de 80% da população mundial, fazendo o mundo inteiro sofrer consequências, que atingem em cheio à todos, principalmente a família Jinnouchi

O Filme, é excepcional em muitos aspectos, vou começar falando da ambientação. A história de Summer Wars acontece em dois cenários distintos: Ueda, Nagano a cidade aonde fica a casa da avó de Natsuki, as sequencias na casa servem mais para o aprofundamento dos personagens e evolução da trama mais humana da história, nessas cenas a trilha sonora fica mais calma e os cenários simples e clássicos. O Outro cenário é OZ a distopia do filme, por ser um mundo de realidade virtual no mundo de Oz tudo é possível, e é lá que temos todas as cenas de ação do filme em meio a cenários vibrantes e coloridos, e com a trilha-sonora mais rápida e frenética, um banquete para os olhos.

A família Jinnouchi em OZ

Os personagens do filme são muitos, mas vou me focar nos mais importantes. Keiji é o “protagonista” é o garoto brilhante que passou a vida toda estudando, mais pela solidão que por gosto, seus pais não param em casa e essa falta de contato humano faz com que sua estada na casa dos Jinnouchi mude alguns de seus conceitos. Natsuki Shinohara, por sua vez,  funciona de contra ponto com ele, ela viveu a vida inteira cercada de parentes e serve como um termômetro para entendermos o quanto a situação afeta a família em si, seja na tragédia, alegria ou dedicação, Kazuma Ikezawa é aquele que fica entre os dois, ele tem os mesmos conceitos de família que a Natsuki mas foge um pouco de tudo isso, passando horas em OZ com o sue personagem King Kazma, que é o protagonista do filme nas sequencias de OZ, um lutador Ágil, veloz e implacável.

Além deles temos a Matriarca Sakae Jinnouchi, a líder da família Jinnouchi é com certeza a personagem mais forte do filme, e tem um grande senso de decência, justiça e Dever, a ponto de tomar a responsabilidade por erros cometidos por alguém da sua família como se fosse um dos seus, além de ser uma mulher incrivelmente influente e com poderes além do imaginado a primeira vista, é com certeza o coração do filme. E temos o Hacker Love Machine um avatar que consome tudo o que vê pela frente para assim evoluir e acumular mais conhecimento, obtendo poder o suficiente pra deixar a SkyNet no chinelo.

A animação do filme é excelente, fluida de um modo que só as grandes animações nipônicas são, o estúdio Madhouse tomou um cuidado muito grande, mantendo o nível da animação e traço tanto para os personagens principais, coadjuvantes e cenário. E para melhorar ainda mais a experiência do filme, ainda temos a belíssima trilha-sonora de Akihiko Matsumoto (Jogos da Série Resident Evil) que varia entre músicas calmas para as sequencias em Ueda para as mais frenéticas para as de OZ.

O Roteiro do filme é simples, mas por aprofundar a família como um personagem e não cada personagem individualmente, faz com que o espectador crie um tipo de vínculo com esse personagem, e quando algo de ruim acontece é até capaz de arrancar algumas lágrimas, e esse mesmo vínculo faz com que a sequencia final do filme seja emocionante o bastante para fazer você sentar na ponta do sofá e gritar junto dos personagens. Além de ser interessante ver a ambientação onde QUALQUER aparelho tecnológico tem acesso (ou é controlado via) a OZ, fazendo com que realmente as pessoas necessitem daquilo.

O filme foi lançado em 2009 pelo estúdio Madhouse (Trigun, Card Captor Sakura) e foi dirigido por Mamoru Hosoda (Digimon, Toki wo kakeru Shoujo) e quase chegou a concorrer ao Oscar, mas mesmo não tendo entrado na premiação máxima do cinema, levou prêmios muito importantes na indústria da animação oriental. Devido ao grande sucesso do filme, no mesmo ano começou a ser publicada uma versão em mangá da história, com Character Design de Yoshiyuki Sadamoto (Neon Genesis Evangelion), o mangá de Iqura Sugimoto teve um total de 3 volumes e foi lançado aqui no Brasil pela Editora JBC. Infelizmente o filme não chegou a ser distribuído no Brasil, nem nos cinemas nem por meio de Home Vídeo

Capas das edições nacionais do mangá

Summer Wars é um filme que conta uma aventura incrível, bons personagens, uma animação perfeita e uma história fantástica mas ao mesmo tempo muito humana, que com certeza vai agradar (e emocionar) qualquer um que assistir!

Trailer do filme:

Wynwood é um bairro de Miami, localizado ao norte de Downtown Miami e ao sul do Design District, a leste da I-95 e a oeste do Biscayne Boulevard. Anteriormente degradado, o bairro sofreu uma revitalização proposta por Tony Goldman, dono da Goldman Enterprises, o qual viu no bairro, formado por 5 quarteirões e um estacionamento gigante, uma excelente oportunidade de disseminar arte e cultura.

Todo o espaço foi transformado, dando lugar ao Wynwood Arts District, legalmente aberto desde 2009 e composto por uma grande miscelânea de arte contemporânea dividida em mais de 70 galerias, museus, ateliês de artistas, brechós e lojas alternativas, bares, gente interessante e muito mais.

Visando o trabalho coletivo, Tony conta com algumas das mais famigeradas figuras da cena de street art, divididos em Walls Artists e Doors Artists, proporcionando uma oportunidade única, de mesclarem seus trabalhos e criarem laços com outros artistas

Todo segundo sábado de cada mês acontece o Wynwood Art Walk, feira de arte do bairro, onde as pessoas podem passear com guias, desfrutar de ótimos restaurantes e vários bares, com direito a DJ’s profissionais.

Wynwood Kitchen & Bar é um restaurante recheado de arte, já que possui suas paredes pintadas pelos artistas. O lugar está localizado dentro dos enormes muros pintados, na NW26th Street. O preço é bastante razoável, uma refeição com entrada, um prato e uma sobremesa, saem em torno de 30 dólares, é uma boa pedida pra quem adora arte, mas não tem tanta grana.

O bairro tornou-se uma grande referencia de arte na cidade de Miami, logo, é indispensável no circuito de qualquer um que aprecie passeios ao ar livre, boa musica, gente interessante, arte, restaurantes bacanas  e, claro, um bom programa a dois.

Alguns artistas que espoem suas obras no Wynwood :

• Invader,
• B.
• Gaia
• How & Nosm
• Nunca
• Os Gêmeos
• Vhils
• avaf
• Interesni Kazki
• Aiko
• Roa
• Stelios Faitakis
• Ron English
• Interesni Kazki
• Kenny Scharf

Alumas fotos do lugar:

• Site: http://wynwoodmiami.com/
• Facebook: http://www.facebook.com/WynwoodMiami
• Instagram: http://instagram.com/WynwoodMiami
• Twitter: https://twitter.com/WynwoodMiami

Fala galera?

O programa fique por dentro registrou para você imagens do evento Star Wars Day realizado em 04/05/2013 na Estação Jovem localizada em São Caetano do Sul.

O evento realizado pela Manolada da Força em parceria com a Estação Jovem proporcionou um evento cheio de atrações. Dá só uma olhadinha de como foi a programação:

- Show com repertório de anime da banda “IgniçãoT”
- Sala de dança com o “Grupo Dance Party”
- Venda de produtos geek
- Palestras e bate-papo com blogueiros
- Programação infantil e ensinamento para jovens padawans
- Caricaturas e pintura facial
- Exposição de colecionadores
- Cosplay de personagens da saga
- e muito mais…

O evento além de proporcionar muita diversão contou também com um lado bem legal que foi o lado social, os organizadores solicitaram aos visitantes que levassem 1kg de alimento não perecível (menos sal e açúcar) e em troca os mesmos receberiam cupons para participar de vários SORTEIOS! Os alimentos foram doados para a instituição “Lar Samaritano da Mãe Operária” de SCS: http://www.larsamaritano.org.br/

Quando foi?

Dia: 04 de Maio de 2013
Horário: 10:00 as 18:00hrs.
Local: Estação Jovem – Rua Serafim Constantino, s/nº – Piso Superior do Terminal Rodoviário Nicolau Delic. – Centro – São Caetano do Sul – Ao lado da Estação de Trem de São Caetano

Fonte: https://www.facebook.com/events/161549560674822/

Então vamos lá…assista a matéria abaixo e dê um curtir na nossa fanpage e um joinha lá no canal pra gente beleza!

Até mais pessoal!

A produtora americana preparou um salão de cabeleireiros para assustar as clientes daquele local.

O filme estreia no dia 10 de maio nos cinemas

Trailer oficial:

Se o cinema é tido como uma fonte de diversão e uma porta para um universo mágico e fantástico, muito disso se deve ao trabalho de Ray Harryhausen, um dos mais reconhecidos e celebrados especialistas de efeitos especiais em toda a história da sétima arte, responsável por uma série de criaturas que só conhecíamos antes dos livros e das histórias que ouvíamos quando crianças. Ele popularizou a técnica do “stop motion”, a fotografia quadro a quadro que dá movimentos e vida a bonecos.

A partir do trabalho de Willis O’Brien em “King Kong” (1933), o jovem Raymond Frederick Harryhausen ingressou na indústria cinematográfica com o sonho de criar seres tão fantásticos quanto o gorila gigantesco. Muitos dos trabalhos de Harryhausen foram em parceria com o produtor Charles H. Schneer.

Ao longo de mais de cinquenta anos de trabalho, Ray Harryhausen trabalhou em muitos filmes, principalmente, de aventura e fantasia, apresentando monstros gigantes, criaturas mitológicas e seres fantásticos que encantaram gerações de expectadores em todo o mundo.

Filmes como “Jasão e os Argonautas”, “O monstro do mar revolto” e o clássico dos anos 80, “Fúria de Titãs” enchiam os olhos do público com monstros incríveis combatendo os heróis, além de criaturas gigantescas como abutres e escorpiões medonhos.

Tamanho talento foi fonte de inspiração para vários dos mais aclamados cineastas de ação e entretenimento, como George Lucas, James Cameron, Guilhermo Del Toro e Peter Jackson. Mesmo considerado uma lenda e referência para o cinema, Harryhausen nunca foi agraciado com um Oscar por algum de seus trabalhos, mas recebeu um prêmio especial pelo conjunto da obra em 1992.

Hoje, aos 92 anos de idade, o mestre das criaturas no cinema nos deixou. A informação foi dada pela família por meio de sua conta no Facebook de forma oficial.

Um gênio criativo que construiu não apenas uma obra cheia de seres inacreditáveis, mas sim um legado para todas as gerações que amam o cinema e se enveredam nesse universo mágico. Uma história de magia e dedicação à arte de contar histórias, por mais incríveis que fossem, não seriam impossíveis de serem contadas.

Ray Harryhausen está no panteão dos mestres do cinema, eternizado por suas criações, que jamais serão esquecidas.

Filmes que contam com o trabalho de Ray Harryhausen (Fonte: Wikipedia)

• How to Bridge a Gorge (1942) (produtor)
• Tulips Shall Grow (1942) (chefe de animação)
• Mother Goose Stories (1946) (produtor)
• The Story of Little Red Riding Hood (1949) (produtor, animador)
• Mighty Joe Young (1949) (primeiros efeitos especiais)
• Rapunzel (1951) (produtor)
• Hansel and Gretel (1951) (produtor)
• The Story of King Midas (1953) (produtor)
• The Beast from 20,000 Fathoms (1954) (efeitos especiais)
• O Monstro do Mar Revolto (1955) (efeitos especiais)
• The Animal World (1956) (efeitos especiais)
• Earth vs. the Flying Saucers (1956) (efeitos especiais)
• A 20 Milhões de Milhas da Terra (1957) (efeitos visuais)
• The 7th Voyage of Sinbad (1958) (produtor associado, efeitos especiais)
• The 3 Worlds of Gulliver (1960) (efeitos especiais)
• Mysterious Island (1961) (efeitos especiais)
• Jason and the Argonauts (1963) (produtor associado, efeitos especiais)
• First Men in the Moon (1964) (produtor associado, efeitos especiais)
• One Million Years B.C. (1966) (efeitos especiais)
• The Valley of Gwangi (1969) (produtor associado, efeitos especiais)
• The Golden Voyage of Sinbad (1974) (produtor, efeitos especiais)
• Sinbad and the Eye of the Tiger (1977) (produtor, efeitos especiais)
• Fúria de Titãs (1981) (produtor, efeitos especiais)
• The Story of the Tortoise & the Hare (2003) (diretor, co-produtor, animador)
• Ray Harryhausen Presents: The Pit and the Pendulum (2007) (produtor executivo)

Ray Harryhausen (29 de junho de 1920 – 07 de maio de 2013).

Existe uma categoria de filmes muito especial, que eu gosto de chamar de “Filmes e se…”, essa categoria foi inaugurada em 1946 com um dos maiores clássicos da história do cinema, “A Felicidade Não Se Compra” (It’s a Wonderful Life), além de emocionar o mundo inteiro, este filme gerou um dos melhores episódios de “Um Amor de Família” (Married With Children),” It’s a Bundyful Life”, episódio em duas partes que foi ao ar em 1989.

Além deste grande clássico cito também outro ótimo filme de “E Se…”, “Um Homem de Família” (The Family Man) de 2000, um dos últimos filmes bons do Nicolas Cage.

Se você conhece estes filmes já entendeu o que é um filme “E se…”. É um filme onde o protagonista geralmente está triste, desgostoso da vida, pensando que tudo poderia ser diferente, chega um anjo e mostra pra ele como seria sua vida, ou a vida dos outros se algo tivesse ou se algo não tivesse acontecido.

No final, invariavelmente (e isso aconteceu até com Al Bundy) o protagonista percebe que precisa dar valor ao que tem, se arrepende de ter questionado sua vida e fica feliz ao ter tudo de volta…

Claro que esta fórmula permite algumas variações, como no filme de Nicholas Cage em que ele chega à conclusão inversa e precisa consertar sua vida…

Mas invariavelmente a fórmula “E Se” sempre rende belos filmes inspiradores e, acima de tudo, emocionantes.

Não é diferente em “Destino em Dose Dupla”, filme de 1990 do diretor James Orr de “Três Solteirões e um Bebê” e de “O Homem da Casa” (um dos filmes menos conhecidos do sensacional Chevy Chase).

Já está convencido a ver o filme?

Mr Destiny (nome original em inglês) tem um elenco estelar, a começar pelo protagonista Larry, vivido por James Belushi, de “K9 – Um Policial Bom Pra Cachorro”, e incluindo a eterna Sarah Connor, Linda Hamilton como sua esposa (na vida original), a gatíssima, e na época ainda mais gata, Rene Russo também como a esposa de Larry (já na sua nova vida), Courteney Cox (a Monica de Friends), o seis vezes indicado e duas vezes vencedor do Oscar Michael Caine, como o anjo (apesar de ele se auto intitular como um agente do destino) e o melhor de todos os atores deste filme, um dos meus atores favoritos e um dos caras mais engraçados da história do cinema, Jon Lovitz (do desenho “O crítico”, procurem conhecer que vale muito a pena) como o melhor amigo de Larry.

Em 1970 Larry teve a chance de ganhar o campeonato de baseball para o time da escola após uma fila de algumas décadas, a cidade tinha 30 mil habitantes mas haviam 35 mil pessoas no estádio, aguardando que ele acertasse aquela bola. Ele errou e 20 anos depois ainda se sente frustrado e se pergunta como teria sido a sua vida se tivesse acertado aquela rebatida.

É aí que entra Mike, o anjo, dando a Larry a chance de viver sua outra vida, aquela que ele tanto desejou, a vida do garoto que ganhou o campeonato em 1970.

O filme nos leva a pensar como coisas tão simples podem realmente mudar o rumo de nossas vidas e como tudo poderia ser diferente se pudéssemos mudar uma decisão lá atrás.

John Lovitz – Gênio

Será que as coisas acontecem por que devem acontecer? Acontecem por que nossos destinos estão traçados? Ou será que somos apenas o resultado de uma série quase infinita de fatos aleatórios resultando na realidade que temos hoje?

Questões filosóficas à parte, “Destino em Dose Dupla“ é um filme que merece ser visto por quem o deixou passar em 1990. Apesar de não emocionar tanto quanto “A Felicidade não se compra” ou “Um Homem de Família” é um filme muito divertido e bem bolado, com certeza vai te levar a reflexões sobre sua vida.
Trailer:

Lançado originalmente para computadores PC, Simcity foi um dos primeiros simuladores de vida cotidiana, diferentes dos habituais de corrida ou guerra. Introduzia-se um novo conceito, de “open-ended game” ou jogo de final em aberto (tradução livre), que quebrava o paradigma de um final vitorioso ou derrotado, e que norteou a criação de outros “Sims” que vieram em seguida.

O jogador assumia o papel do prefeito de uma cidade, que poderia ser contruida do zero, ou em algum modelo pré-determinado. Esse prefeito, era responsável por absolutamente todos os aspectos da cidade: terraplanagem, infra-estrutura elétrica, de transporte viário, ferro e aeroviário, bem como a delimitação das zonas urbanas de indútria, comércio e residencias. Também eram responsabilidades as construções de escolas, bombeiros e delegacias. Havia um orçamento específico a ser seguido, e cabia ao jogador administrar os ganhos e gastos, para que não houvesse um rombo no caixa. Pra atrapalhar, alguns desastres aconteciam de forma aleatória (ou proposital), o que ditava a dificuldade do jogo.

Com alguns gráficos rudimentares, as taxas de criminalidade, incêndio, educação, trânsito, dentre outros fatores, representavam as direções da administração.

O jogo era basicamente em 2D, com um mínimo de perspectiva das contruções. O gráfico rodava em monocromático ou 16 cores, mas era suficiente para o bom entendimento. O somo era bastante limitado para a tecnologia da época, porém em um único evento (tráfico pesado) lançava-se mão de um sintetizador de voz rudimentar, o que soava bastante bizarro ao PC-Speaker e desproporcionado ao restante do áudio. Fora isso, era extremamente viciante. Não foi à toa que em 1994 lançou-se a sequência Simcity 2000, um grande sucesso devido aos gráficos revolucionários em placas super-VGA e VESA. Outras 4 versões foram lançadas, a última em Março de 2013.
Pra quem gosta de “Sims”, vale a pena conferir o título que deu origem ao estilo.

Quem é fã de Doctor Who, e mora em São Paulo provavelmente ouviu falar da 1ª Edição da GallifreyCon que aconteceu no ano passado, na ocasião mais de 500 fãs se reuniram para falar da série, e esse ano o evento volta em novo local, o que significa, mais espaço e é claro mais whovians.

A série narra as aventuras do Doutor (Doctor), um alienígena de 900 anos do planeta Gallifey cuja raça são os chamados Time-Lords (ou Senhores do Tempo), que dentro da sua nave TARDIS, viaja pelo tempo-espaço ao lado de seus companions. A série que estreou na TV inglesa em 1963 foi transmitida direto até ser cancelada em 1989, até voltar em 2005 para conquistar toda uma galáxia de novos fãs ao redor do mundo. Por aqui a série é transmitida pela TV Cultura.

“Há 50 anos um misterioso Doutor entrou em nossas vidas. Do ferro velho ao espaço em sua caixa azul, indomável e espirituosa. Grandes amigos, admiráveis inimigos, entes queridos; muitos cruzaram seu caminho pelo tempo e espaço.

Cada fã faz parte dessa história e podemos celebrar juntos durante a segunda edição da GallifreyCon – a convenção brasileira de Doctor Who – com concursos, bate papos, jogos, exposições, entre outras surpresas.

O fã-clube Time Lords Brasil espera por você!”

A Gallifrey Con acontece no dia 15/06/13 na Sociedade Brasileira de Cultura Japonesa e de Assistência Social – Bunkyo na  Rua São Joaquim, 381 – Liberdade, São Paulo – SP das 10h às 18h.

E é claro que nós do Filmes e Games vamos estar lá pra mostrar pra vocês como foi o evento!

Allons-Y!

Genial? Canastrão? Inigualável? Arrogante? Provocador? Um astro? Tudo isso? Seja qual for o adjetivo que o preceda, o fato é que Robert Downey Jr. é alguém que não passa despercebido. E bem da verdade, ele não se importa nem um pouco em ficar sob as luzes dos holofotes.

A história de Robert Downey Jr. é cheia de altos e baixos, como muitos de seus personagens, que na verdade, são extensões do próprio ator, algo que poderia ser comum em todos os atores e seus personagens, mas que neste caso, é mais do que uma simples frase de efeito. Os personagens de Downey Jr. em muito possuem características da vida do próprio ator, que não tem receio algum de contar para todos essa sua história.

Nascido em Manhattan, Nova York no dia 04 de abril de 1965, Robert John Downey Jr. seguiu os passos dos pais na indústria do cinema, desde muito cedo. Com apenas cinco anos de idade, ele já fazia parte do elenco de “Pound”, longa-metragem dirigido pelo pai. Além do pai, que também é ator e produtor de cinema, sua mãe, Elsie Downey é atriz, tendo atuado em diversas produções do marido. O casal tem além de Robert, mais uma filha, Allyson, que atualmente é roteirista e atriz.

Uma curiosidade sobre o nome “Downey” é que não é o sobrenome original da família, já que Robert Sr. passou a adotá-lo em homenagem ao padrasto, James Downey. O sobrenome original de Robert é Elias.

Robert Downey Jr. e seu pai, Robert Downey.

O mundo do cinema era familiar para Robert Jr. assim como as drogas, que o dominaram desde muito cedo, principalmente, pelo fato do pai ter sido usuário durante anos de substâncias ilícitas, principalmente, maconha, apresentando-a ao filho quando ele tinha apenas seis anos de idade. Esse fato é um dos maiores arrependimentos de Robert Sr., como mesmo admite em entrevistas.

As drogas foram uma forma de unir pai e filho, segundo o ator, mas isso levou o jovem a um caminho sombrio que ele trilharia ao longo de toda a sua vida. Após a maconha, Robert Downey Jr, tornou-se dependente de álcool e este o levaria a uma fase terrível em sua vida e carreira promissora nos anos que se seguiriam.

Porém, antes da decadência, Robert Downey Jr. manteve o amor pela arte e mudou-se para a Inglaterra aos 10 anos de idade a fim de estudar balé clássico, como forma de ampliar seus conhecimentos. Durante algum tempo, participou da “Stagedoor Manor Performing”, uma importante escola para atores na Inglaterra, especializada em moldar o talento performático nos jovens.

O garoto se mostrava um promissor ator, mas não era um bom aluno, já que era inquieto demais. Estava sempre envolvido em confusões e nunca estava à disposição dos companheiros quando se fazia necessário.

Aos 12 anos, logo após o divórcio dos pais, voltou para os Estados Unidos e foi morar em Los Angeles com o pai. Estudou durante um ano na “Escola Secundária de Santa Mônica”, mas abandonou os estudos para trabalhar num restaurante e numa loja de calçados, a fim de faturar um dinheiro extra enquanto participava de peças de teatro amador. Em 1982, passou a morar com a mãe em Nova York, onde iniciou seus passos na carreira de ator profissional.

Robert Downey Jr. foi um dos atores mais promissores dos anos 80.

Com algumas participações no currículo, mesmo sem formação artística comprovada, a carreira de Robert Downey Jr. na “Grande Maçã” começava a se desenhar, primeiramente em “Quando se perde a ilusão”, de Michael Apted e depois em alguns episódios do famoso programa de comédia “Saturday Night Live”, a convite do amigo ator Anthony Michael Hall. O início dos anos 80 marcou a chegada de Robert Downey Jr. ao cinema, cada vez em produções maiores. Um detalhe interessante é que ele assinava “Robert Downey” nos primeiros filmes.

Os primeiros papeis de maior destaque foram em “Tuff Turff”, como o parceiro do personagem principal vivido por James Spader e um valentão na comédia adolescente “Mulher Nota 1000”, protagonizada por Hall, ambos em 1985. Dois anos depois, ele viveu um conquistador que se apaixona pela jovem garota interpretada por Molly Ringwald em “O rei da paquera”, tornando-se ao lado dela e de vários outros jovens atores, os rostos dos anos 80, naquilo que foi chamado de “Brat Pack”, uma alusão ao “Rat Pack”, grupo de astros do cinema e música dos anos 50 e 60, encabeçados por Frank Sinatra, Dean Martin e Sammy Davis Jr. o “Rat Pack” era formado pelos atores que ficaram famosos nas clássicas comédias adolescentes da década de 80, produzidas e dirigidas por John Hughes.

Junto com James Spader em “Tuff Turff – O Rebelde”.

No final dos anos 80, Downey Jr. participou de mais alguns filmes marcantes da década, como a comédia “De volta às aulas” (1986), “America” (1986), “Abaixo de zero” (1987), “Johnny bom de transa” (1988), “Rented Lips” (1988), dirigido por seu pai, “1969 – O ano que mudou nossas vidas” (1988), “True Believer” e “O céu se enganou”, esses últimos em 1989. Também esteve no pseudo-documentário “That’s Adequade” (1990). Em todos esses filmes, o ator recebeu boas críticas pelo talento na tela, mesmo em pequenos papeis e participações especiais.

Os anos 90 foram prósperos para o ator, conferindo a ele um reconhecimento maior, além de prêmios e papeis mais desafiadores. Ele atuou em “Air America – Loucos pelo perigo” e “Os loucos casais da Califórnia”, ambos de 1990, seguindo de “Segredos de uma novela” (1991), “The Last Party” (1993), “Morrendo e aprendendo” (1993), um dos seus papeis mais reconhecidos, como um jovem que volta à vida e se vê em meio a espíritos. O papel é lembrado porque no filme ele vive “vários personagens”, ou melhor, encarnações desses fantasmas, provando ser um ator dos mais versáteis. No mesmo ano de 1993 ele fez uma participação no filme de Robert Altman, “Short Cuts – Cenas da vida”, um mosaico de histórias, uma das principais características no filme do cineasta.

Robert Downey Jr. e Mel Gibson em “Air America”.

Mas foi um ano antes, em 1992, que Robert Downey Jr. viveu seu melhor momento no cinema, quando interpretou de forma magistral ninguém menos que Charles Chaplin, na cinebiografia do mestre da comédia. “Chaplin” lhe rendeu uma indicação ao Oscar de “Melhor Ator” e um prêmio BAFTA de “Melhor Ator”. Com este papel, ele se tornou um dos astros mais importantes e significativos na indústria do cinema norte-americano da época e mesmo já sendo um veterano das telas, sempre era visto como um “rosto jovial”, conquistando admiradores por todo o mundo.

Sua interpretação em “Chaplin” lhe rendeu elogios e prêmios.

Downey interpretou Charles Chaplin de forma primorosa.

Em 1994, ele protagonizou o romance “Só você” ao lado de Marisa Tomei. Depois disso, aceitou o convite do diretor Oliver Stone para participar de um projeto roteirizado por Quentin Tarantino, um jovem roteirista que começava a dar seus primeiros passos como diretor de cinema, já que estava lançando seu segundo filme “Pulp Fiction – Tempo de violência”. No papel de um repórter sensacionalista em busca da matéria perfeita, sobre um casal de assassinos, Robert Downey Jr. roubou a cena no alucinante “Assassinos por natureza”. Antes disso, porém, ele atuou em “Hail Caesar”, considerado por muitos como o último dos filmes menores de Downey Jr.

No ano seguinte, ele atuou em “O outro lado da nobreza”, ao lado de estrelas como Ian McKellen, Hugh Grant e Meg Ryan, em “Feriados em família” e em “Ricardo III”. Após um pouco produtivo ano de 1996, com apenas um filme, o longa de ação “Zona de perigo”, Robert atuou em 1997 no filme “Hugo Pool” e no suspense “Por uma noite apenas”, ao lado de Wesley Snipes e Nastassja Kinski. Também esteve presente em “Uma paixão para duas”, de James Toback. Em 1998, novamente participou de uma produção de Robert Altman, “Até que a morte nos separe”.

O ator continuou trabalhando, participando de filmes como “U.S. Marshals – Os Federais” (1998), a continuação de “O Fugitivo”, novamente ao lado de Wesley Snipes, além de Tommy Lee Jones, “Até que a morte nos separe” (1998), “Preto e branco” (1999), “Amigos e amantes” (1999) e “A premonição” (1999).

O ator esteve ao lado do veterano Tommy Lee Jones em “U.S. Marshals – Os Federais”.

No ano 2000, ele esteve ao lado de Michael Douglas e Tobey Maguire em “Garotos Incríveis’, como um agente literário bissexual e participou da comédia “Os picaretas”, estrelada por Steve Martin e Eddie Murphy, produzida no ano anterior.

Depois de anos nas telas do cinema e de pequenas participações em televisão, Robert resolveu se arriscar mais diante das câmeras de T.V. e entrou para o elenco da série de sucesso “Ally McBeal”, numa atuação que lhe rendeu o Globo de Ouro de “Melhor Ator Coadjuvante em Série, Minissérie ou Filme para televisão” e um Screen Actors Guild Award de “Melhor performance masculina em série de comédia”. Uma indicação ao EMMY de “Melhor ator em série de comédia” também faz parte do currículo do ator por esse papel.

O ator se destacou na série de T.V. “Ally McBeal”.

Robert Downey Jr. sempre se mostrou como um artista carismático e versátil. Por isso, em 2004, ele lançou seu primeiro álbum como cantor, tendo oito canções escritas por ele mesmo, e dois covers. O disco intitulado “The Futurist” foi uma experiência interessante para o ator, que no mesmo ano participou do musical “The Singing Detective”. Antes que o ano terminasse, também integrou o elenco de “Na companhia do medo”, filme estrelado por Halle Berry e Penélope Cruz. Neste mesmo ano, ele participou do filme “Eros”, formado por três segmentos sobre amor e erotismo, dirigido por Michelangelo Antonioni.

No ano de 2005, esteve em “Boa noite e boa sorte”, filme de George Clooney, em “Desafiando o perigo” e em “Beijos e tiros”, dirigido por Shane Black, roteirista de vários filmes de ação, entre eles, a série “Máquina Mortífera”. Um filme de destaque nesse ano é “Zodíaco”, suspense policial de David Fincher, com um elenco de primeira linha, encabelado por Mark Ruffalo, Jake Gyllenhaal. Em 2006, integrou um elenco de astros e estrelas no audacioso projeto de ficção científica “O homem duplo”, que utilizava uma tecnologia para transformar os atores em desenhos animados, e no drama “A pele”, ao lado de Nicole Kidman. Também esteve na comédia “Soltando os cachorros”. No ano de 2007, participou de “Bem-vindo ao jogo”.

“The Futurist” foi a estreia de Robert Downey Jr. no mundo da música.

O ano de 2005 também foi proveitoso para Robert no âmbito pessoal, quando ele se casou com Susan Downey, com quem teve um filho chamado Exton Elias Downey. O ator já tinha um filho, Indio Falconer, fruto de seu primeiro casamento, com Debrah Falconer.

Mesmo sem estar afastado das telas, Robert Downey Jr. passou por momentos complicados na carreira e na vida pessoal, muitos decorrentes do seu vício em drogas e álcool. Por isso, quando surgiu em 2008 como o herói dos quadrinhos da Marvel, Homem de Ferro, a mídia do mundo inteiro, após conferir sua atuação, decretou “o retorno triunfal” do ator. A escolha de Downey Jr. para o papel do playboy Tony Stark, alter-ego do herói blindado, foi perfeita, pois seu carisma pessoal se encaixou perfeitamente com a postura “brincalhona e arrogante” do personagem. Além disso, o herói é conhecido por seus vícios e questionamentos pessoais, algo totalmente condizente com o momento vivido pelo ator na época. Ele até brinca com seu ego e situação pessoal no curta-metragem promocional do filme, exibido no “MTV Movie Awards”.

Eu sou o Homem de Ferro.

O sucesso do filme foi tão grande, que a atuação de Robert redefiniu a forma como o personagem seria retratado nas demais mídias, como desenhos animados e histórias em quadrinhos. Considerado um personagem de segundo escalão pelos próprios fãs da Marvel, o Homem de Ferro pós-Robert Downey Jr. ganhou status de “herói maior” da Casa das Ideias, ao lado até mesmo do Homem-Aranha, principal personagem da editora norte-americana. E pelo baixo retorno que o novo filme do herói aracnídeo alcançou, é certo dizer que seu reinado está ameaçado pelo “cara de lata”, pelo menos na telona do cinema.

A partir daí, a carreira do ator mudou completamente, para melhor, é claro. Mais projetos estavam a caminho e papeis de destaque, sempre com o personagem “Robert Downey Jr.” interpretado pelo ator. A imagem criada pelo ator nas telas se confunde com seu próprio comportamento em entrevistas e cerimônias de premiação. Em todo lugar em que aparece, brinca com as pessoas e se mostra como “a alma da festa”, numa excelente autopromoção como poucos conseguem fazer. É bom lembrar que ele fez uma participação especial no filme “O Incrível Hulk” como Stark, além de ter emprestado sua voz para o game “Iron Man”.

Ainda em 2008, estrelou ao lado de Bem Stiller e Jack Black, a comédia “Trovão Tropical”, como Kirk Lazarus, um autêntico “ator do método” que passa por um processo médico para se “tornar negro” a fim de viver um militar negro no filme. Guardadas as devidas proporções, uma paródia do próprio ator.  Mais uma indicação ao Oscar, dessa vez como “Melhor Ator Coadjuvante”.

Com Ben Stiller em “Trovão Tropical”.

Em mais um papel “Downey Jr.”, Robert viveu em 2009 o maior detetive de todos os tempos, Sherlock Holmes, no filme homônimo de Guy Pearce, inaugurando uma nova franquia. Mais um Globo de Ouro de “Melhor Performance em Comédia ou Musical”. Também estrelou ao lado de Jamie Foxx o drama “O solista”.

Em 2010, dividiu a tela com um nome popular no mundo das comédias, Zach Galifianakis em “Um parto de viagem” e voltou a envergar a armadura, na verdade, as armaduras em “Homem de Ferro 2”, arrecadando mais alguns milhões de dólares de cachê pelo papel de Tony Stark.

Novamente viveu Sherlock Holmes em 2011, na aventura “Sherlock Holmes – O jogo de sombras” e no ano seguinte se reuniu ao panteão de heróis da Marvel na super produção “Os Vingadores”, “trolando” todos os seus companheiros e se mostrando como um poderoso e carismático líder de equipe.

Elementar, meu caro!

Após o sucesso dos “super-heróis mais poderosos da Terra” nas telas dos cinemas do mundo todo, o salário do astro se elevou ao mais alto nível, gerando negociações com a Marvel e Disney, detentoras dos personagens, para continuar vivendo suas aventuras nos filmes seguintes.

Esse ano, mais uma vez o Homem de Ferro risca os céus e vem arrecadando pilhas e pilhas de dinheiro. Ao que tudo indica, ele voltará em “Os Vingadores 2” e pode ser que apareça em mais filmes da Marvel, inclusive, na série de televisão baseada nos personagens da S.H.I.E.L.D.

“Cara de lata”, fica um pouco mais para trás. Você vai aparecer na foto.

Os próximos projetos de Robert Downey Jr. são “The Judge”, em fase de produção, com estreia prevista para 2014 e a nova aventura dos heróis Marvel, para 2015.

A trajetória profissional de Robert Downey Jr. só é ofuscada pelos seus problemas pessoais com álcool e drogas, que lhe acompanharam durante toda a vida e quase o destruíram num determinado momento.

Seu primeiro relacionamento, com a atriz Sarah Jessica Parker, quando a conheceu aos 19 anos nos sets de “Firstborn” terminou de forma conturbada sete anos depois por causa do vício. Mais tarde, já casado com Deborah Falconer, a vida de Downey Jr. foi marcada por muitas indas e vindas nas clínicas de reabilitação, até que se separaram, não havendo mais condições para o relacionamento.

Além das clínicas, Robert Downey Jr, teve diversas passagens por delegacias e celas de prisão, principalmente, por distúrbios à ordem pública. São conhecidos de todos os diversos casos em que o ator entrava em casas alheias movido pelo efeito do álcool. Ele não cometeu nenhum crime mais grave, como acontece algumas celebridades, sobretudo, usuários de drogas. Mesmo assim, as “passagens” pela cadeia foram muitas, manchando a carreira do ator e quase decretando seu fim.

Várias passagens por clínicas de reabilitação…

prisões…

e tribunais, marcaram a vida de Robert Downey Jr.

No ano de 2001, o ator decidiu se internar por um longo período a fim de se livrar do vício, durante o tempo em que estava sendo realizado o processo de divórcio com Deborah, que se encerrou em 2004, com o ganho de guarda do filho pela mãe. Saído da reabilitação e trabalhando em “Na companhia do medo”, Robert conheceu sua segunda esposa (eles se casaram em 2005), Susan, uma antiga paixão do ator, que estava envolvida no projeto como produtora. Ele define a esposa como uma imprescindível ajuda na sua luta contra o álcool e as drogas.

Livre das drogas desde 2003, segundo ele mesmo, Robert Downey Jr. participa de programas de recuperação, terapias e pratica yoga e kung-fu, além de apoiar causas que se dedicam ao combate às drogas. Além disso, ele aprecia artes, considerando-as como meios para se fugir das coisas ruins que povoam nosso mundo.

Robert e sua esposa Susan.

Um ator com muita história pra contar e com talento e carisma suficientes para contar boas histórias. Um artista único, com uma característica que poucas das grandes estrelas possuem hoje em dia: humanidade. Robert Downey Jr. é humano, talvez, humano até demais. E é essa humanidade que o torna tão diferente em relação aos demais astros e estrelas do cinema. Não são muitos os casos em que intérprete e personagens estão tão amalgamados.

Este é Robert Downey Jr., o ator que escolheu ser ele mesmo em cada papel que viveu e ao mesmo tempo, todos os personagens são tão diferentes da pessoa que os interpreta.

OBSERVAÇÃO FINAL: Essas informações foram retiradas dos registros da S.H.I.E.L.D. e por alguma razão, não estavam nos arquivos secretos da organização.

Fonte: Wikipedia e IMDb.

Vamos começar com uma atração “menor”, a banda californiana Eyeshine, que vem com um estilo de rock mais pop, mais na pegada de bandas como Skillet. E pra quem acha que a banda é meio “deslocada” do evento pense novamente, o vocalista da banda é nada mais nada menos que Johnny Young Bosch, ex-Power Ranger e dublador de personagens, como Kurosaki Ichigo de Bleach, e Kaneda de Akira lá nos Estados Unidos. A banda além de Johnny tem os integrantes Maurice, Polo e Ginny, e vai tocar na Arena Friends no dia 12 de Julho as 19:00

Agora começando a seleção nipônica de atrações, temos Misato Aki, a  cantora de J-Pop vinda de Saitama, começou a sua carreira em 2004, e no mesmo ano emplacou a música “Kimi ga sora datta” que foi encerramento para o anime Mai-HiME, dali pra frente emplacou vários outros sucessos que figuraram em animes como Needless, Strawberry Panic e Togainu no Chi. Seu sucesso mais atual é a música “Utsukushii chikyu wo shiru mono yo” encerramento do anime Uchuu Senkan Yamato 2199 (remake do clássico Patrulha Estelar), o show da cantora acontecerá na Arena Friends as 17:30 do dia 21 de Julho

No dia 21 de Julho teremos também na Arena Friends teremos a apresentação da cantora Chihiro Yonekura, ficou muito famosa por interpretar músicas do anime de Mechas Gundam, mas também canta músicas de animes como Rave Master, Kaleido Star, De um dos especiais de Love Hina e do sucesso Fairy Tail, ela também se apresenta às 17:30 no SFS

Pra integrar o time dos interpretes de Tokusatsu, chega o senhor Shinichi Ishihara, o cantor conhecido pela sua elegância, simpatia e uma voz surpreendente deu vida a música para Tokusatsus como Kamen Rider Agito, Esquadrão de Resgate Go Go Five e Juukou B-Fighter, além de músicas para animes como Gravitation e fazer cover de várias anisongs famosas. Ele estará no palco Às 18:00 do dia 14 de Julho.

O nome de Yumi Matsuzawa, é um dos que deixam aqueles fãs que ligavam a TV toda tarde na Manchete ou na Band para ver anime mais felizes, conhecida por cantar músicas de animes como Jibaku-kun (Bucky, como ficou conhecido por aqui) e de várias músicas da saga de Hades de Saint Seiya (Cavaleiros do Zodíaco). Além disso tudo ainda é super requisitada por fazer parte da série Super Robot Spirits, onde interpreta seus sucessos no gênero robô gigante e estará cantando para nós no palco principal nos dias 13 e 14.

Agora, vamos aos anúncios das SUPER atrações desse ano. Se vocês já se animaram com as que falei, eu lhes digo que teremos novamente a presença do sempre incrível Akira Kushida. O que? Não conhece? SÉRIO!? Ele é conhecido por cantar temas de alguns dos tokusatsus e super sentais mais famosos já feitos, quem não lembra de Jiraya, Jaspion, Jiban ou Kamen Rider! O mestre se apresentará nos dias 13 e 14 no palco principal!

Acharam que acabou por aí? Nope, ainda teremos no palco principal a presença do senhor Nobuo Yamada conhecido mundialmente por suas performances, e principalmente pela música Pegasus Fantasy do anime Cavaleiros do Zodíaco, além de vários Tokusatsus!

Pronto! Uma pausa pra respirar… você achou mesmo que acabou?
Espera, tem mais!

A banda originária de Osaka, Ore Ska Band é formada por 6 garotas de 22 anos, as integrantes Ikasu (vocal e guitarra), Tomi (baixo e vocal), tae (bateria), SAKI (trompete), Moriko (saxofone) e Hayami (trombone) lançaram em 2006 o sue primeiro single, que acabou com a música Pinochio parando como um encerramento do anime Naruto, e ajudando a banda a fazer muito sucesso. Hoje a banda já é mundialmente reconhecida, já participou de vários festivais e teve mais músicas em animes como foi o caso das canções Jitensha e Tsumasaki que viraram temas dos animes Naruto Shippuuden e Bleach respectivamente. A banda se apresenta pela primeira vez no Brasil no na Arena Friends no dia 14 de julho às 16:00

Agora, o melhor foi deixado para o final! Finalmente teremos no Brasil o “Full Team” da SUPER banda JAM Project (Japan Animationsongs Makers Project). A banda é formada por grande artistas que são grandes nomes na indústria e que se comprometeram a criar músicas que estejam dentro do gênero Anisong que cresce tanto no mundo, a maior disso são os milhares de otakus que vão pular e voltar pra casa sem voz após o show. Mas e ai? Querem conhecer o time do JAM Project? Pois lá vamos nós!

• Hironobu Kageyama – Príncipe das Anisongs, cantou músicas em anime como Dragon Ball Z, Cavaleiros do Zodíaco, Bakuman, Sonic X, Uchuu Senkan Yamato 2199, entre muitos outros
• Hiroshi Kitadani – Nada mais nada menos que o cantor das músicas We Are e We go! do anime One Piece
• Masami Okui - Cantora responsável pelos temas de animes como Yu-Gi-Oh, Slayer e Revolutionary Girl Utena 
• Masaaki Endo - Canta temas do Tokusatsu Bakuryuu Sentai Abaranger além de músicas para animes como Street fighter II Victory
• Yoshiki Fukuyama - Tem temas em animes como Busou Renkin e na série Macross 7
• Ricardo Cruz – Único membro estrangeiro e novato no grupo, o Brasileiro marca presença no JAM Project. Conhecido por essas bandas por suas versões nacionais para músicas de animes como Hunter x Hunter

Pronto… Essas serão todas as atrações internacionais confirmadas até o momento para o evento, e vale ressaltar que os dois domingos do evento serão encerrados com o Super Friends Spirit.

No dia 14 com Akira Kushida, Nobuo Yamada, Yumi Matsuzawa e Shinichi Ishihara

E no dia 21 com Hironobu Kageyama, Masaaki Endoh, Masami Okui, Yoshiki Fukuyama, Hiroshi Kitadani, Ricardo Cruz, Chihiro Yonekura e Misato Aki

E então, ansiosos? Se não estavam, como estão agora?
O anime Friends acontece no Campo de Marte nos dias 11,12,13,14,18,19,20 e 21 De Julho!

Olá Saudosistas de Plantão!

Quando falamos em filmes que retratam a idade média, logo vem à mente cenas do tipo duelos virtuosos de espadas, campos de batalhas, romance, sangue e muita aventura, não é mesmo? Mas o filme que vou comentar brevemente por aqui, mostra tudo isso de forma bem pastelão.

Refiro-me ao filme Monthy Python em Busca do Cálice Sagrado de 1975.

Vamos para a aventura!

O filme já começa de forma espetacular! Vemos um cenário do campo e muito nevoeiro e de fundo ouvimos o som de cavalos cavalgando. O som vai aumentando gradativamente anunciando a chegada do personagem principal do filme e para a nossa surpresa, eis que surgem dois homens, imitando estarem em seus cavalos (não há cavalo algum, ok).

O primeiro homem é Rei Arthur, Rei dos Bretões (interpretado por Graham Chapman) que vem com toda a sua postura real e logo atrás dele, o segundo homem, seu fiel escudeiro (Terry Gillian).

Rei Arthur – Graham Chapman

E o som das cavalgadas? Como explicar isso? Sim! O fiel escudeiro vem logo atrás de Arthur batendo duas cascas de côco uma na outra imitando o som dos cascos. É simplesmente hilário! Se eu tivesse visto só esta cena já teria valido a pena. É sensacional!

Escudeiro Patsy – Terry Gillian
Olha o Côco rsrs

Rei Arthur tem como objetivo recrutar homens fortes e corajosos para se juntarem a ele em Camelot e daí, o surgimento de parte dos cavaleiros da távola redonda.

Ninguém segura estes caras!

Durante a empreitada, Arthur encontra em uma floresta, um cavaleiro que se autodenomina Cavaleiro Negro, este por sua vez, não permite que Arthur e seu fiel escudeiro passem por ele, somente, se Arthur o confrontasse em uma luta mortal. Arthur tenta ser educado, mas o Cavalheiro Negro o impede. Sendo assim Arthur aceita o enfrentamento e ai começa a pancadaria.

Agora a coisa ficou séria!

Durante a luta, Arthur acerta um braço do cavaleiro arrancando-o do corpo e sugere ao mesmo, ainda vivo que pare e deixe-os passar. O cavaleiro retruca dizendo que “aquilo” era apenas um “arranhãozinho” e o confronta novamente com empurrões e xingamentos.

Um arranhãozinho???

E assim sucessivamente, Arthur arranca o outro braço e as duas pernas do Cavaleiro Negro que ainda assim, só no tronco, fica ameaçando-o. Nota: Tirando a cena de mutilação do cavaleiro que mesmo nas condições que estava, ainda vivo, eu particularmente acho que as lutas realmente eram da forma que eles mostraram na cena, pois mostraram que as espadas eram sim muito pesadas e num combate mano-a-mano valia de tudo, porrada, pontapé, cabeçada, etc.

Que pique!

Então tá…E a aventura continua!

Nesta longa caminhada, Arthur Rei dos Bretões encontra Sir Galahad (Michael Palin), o bravo e destemido Sir Lancelot (John Cleese), Sir Bedevere (Terry Jones) e por fim Sir Robin (Eric Idle).

Sir Galahad – Michael Palin

Sir Lancelot – John Cleese

Sir Bedevere – Terry Jones

Sir Robin – Eric Idle

Com o pequeno grupo formado, Arthur recebe então, sem esperar, uma mensagem de Deus, que dos céus lhe passa a mensagem de que aquele pequeno pelotão de destemidos cavaleiros deveriam sair para uma nova e séria empreitada, que era a de encontrar a todo custo o Cálice Sagrado.

Pronto! O tempero que faltava para começar uma série de atrapalhadas e desencontros com personagens imortalizados por estes incríveis atores dá-se início. São muitas as cenas interpretadas por eles, mas vou colocar aqui algumas delas apenas.

Os caras encontram em uma parte da floresta os Cavalheiros que dizem Ní! Cada vez que estes esquisitos cavaleiros formulavam uma frase, continha a palavra “Ní” e Arthur e sua equipe de aventureiros agonizam ao ouvirem o som emitido por eles. Sem palavras! Hilário!

Outro momento que tirou-me o fôlego de tanto rir, foi a cena onde eles chegam a um castelo para pedir auxílio aos habitantes de lá. Os caras tentam entrar no castelo mas são impedidos por um soldado na torre que os insulta com charadas e piadas. Depois de muita conversa jogada fora, surge a absurda idéia de construir um enorme coelho de madeira (seria o cavalo de tróia deles, rsrs) para ser entregue aos ocupantes do castelo e a noite eles sairiam do coelho monstruoso e os pegariam de surpresa.

O coelho gigante foi entregue brilhantemente, só não funcionou pelo seguinte detalhe: Eles entregaram a artimanha aos ocupantes mas, esqueceram de entrar nele para que o plano fosse finalizado. Do lado de fora Arthur pergunta tipo: “E agora? O que fazemos? A seqüência da conversa frustrada entre os caras é sensacional!

Plano brilhante! Já a execução!!! rsrsrs

Outro momento do filme muito engraçado foi o teste que cada um teria que realizar para passar por um ermitão guardião da ponte da morte. Caso aquele não conseguisse responder todas as perguntas feitas pelo ermitão seriam mortos jogados da ponte ao penhasco da morte. Atenção às perguntas! [hahahaha].

É só responder 3 perguntinhas simples! hahaha

Outra cena, cujo não detalharei, mas vou citar para que assistam e fiquem uma semana rindo, é a cena de Sir Lancelot invadindo um castelo para realizar um resgate! Demais!

O filme é recheado de contextos políticos e religiosos colocados de forma muito inteligente e mantendo o peso da comédia típica do grupo que tem como característica também momentos musicais.

Então fica a dica pra quem ainda não assistiu, assista e quem já assistiu repita a dose porque vale muito a pena.

Até breve com mais Túnel do Tempo

O mundo dos quadrinhos é povoado por personagens heroicos  uns dotados de habilidades e capacidades fantásticas, outros sem atributos especiais, mas capazes de realizar incríveis proezas, sempre com o ideal de manter o bem vivo na sua luta contra o Mal. É infindável o número de personagens que se dedicam a combater o crime, lutar contra os vilões, salvar o dia, ou simplesmente, resgatar a mocinha no fim da história.

Ao longo dos anos, os personagens heroicos de quadrinhos se mostraram como um reflexo da sociedade real na qual as histórias faziam parte, sempre com algum valor moral ou referência ao contexto sócio-político inserido de forma superficial ou mesmo direta, dependendo da proposta de seus criadores.

Esses personagens podem surgir nas páginas sob todas as formas, cores, tamanhos, enfim, não importa como eles sejam desde que seus valores influenciem os leitores, com suas aventuras e atos em benefício das outras pessoas. O mundo dos quadrinhos é o palco perfeito para as aventuras de heróis e super-heróis.

Heróis? Super-Heróis? Qual a diferença, se é que existe alguma, entre esse dois tipos de personagens? Como diferenciar um personagem conhecido como “herói” de um que se apresenta como um “super-herói”?

Tomando por base o dicionário AURÉLIO, uma das referências mais notórias nesse tipo de publicação em nosso país, o vocábulo “HERÓI” representa o “nome dado pelos gregos aos grandes homens divinizados; aquele que se distingue por seu valor ou por suas ações extraordinárias, principalmente por feitos brilhantes durante a guerra; principal personagem de uma obra literária (poema, romance, peça de teatro, etc) ou cinematográfica; principal personagem de uma aventura, de um acontecimento.”

Tem-se, portanto, uma pessoa que se destaca em relação às demais por algum feito extraordinário ou por habilidades e capacidades não corriqueiras que possui. Todos podemos ser heróis, desde que nossa coragem e consciência de que podemos fazer algo pelos outros sejam os motores de nossas ações. Essas ações podem ser realizadas tanto na vida real, quanto nas histórias que povoam nossa imaginação.

A razão para que uma pessoa aparentemente comum se proponha a realizar um ato heróico é simplesmente ajudar os seus semelhantes, enfrentar uma desigualdade ou injustiça diante de seus olhos. O herói não luta para se promover e ter o reconhecimento das pessoas pelo que faz, mas sim, que elas vejam em sua coragem e nos seus atos a importância de se fazer a diferença. Não importa se você tira um gato de cima da árvore ou salva uma pessoa presa num incêndio, ou mesmo se você partilha seu alimento com quem tem fome. O heroísmo está na importância da sua ação como modelo inspirador para todas as pessoas à sua volta.

Deixando de ser um cidadão comum para se tornar um herói. Essa é uma missão que pode ser conferida a qualquer um, mas aceitá-la é o que diferencia pessoas especiais das demais pessoas. Essa é uma ideia básica, um conceito primordial que nos acompanha ao longo de toda a nossa história e possui incontáveis exemplos para que possamos entendê-la e aceitá-la como um princípio próprio da humanidade.

As histórias de grandes feitos heróicos povoam todas as civilizações e culturas, em toda a construção histórica da humanidade, desde seus primórdios, até os dias de hoje e jamais essas histórias irão desaparecer, pois se tratam de um dos nossos maiores legados. A literatura é um dos meios mais difundidos para a perpetuação das narrativas heróicas.

Aventuras de heróis contra pessoas malvadas ou ameaças terríveis embalam a imaginação das pessoas ao longo dos tempos. Quando somos crianças, queremos ouvir histórias de bravos heróis e ao longo de nossas vidas, deixamos os afazeres do dia-a-dia por um momento que seja para nos imaginarmos num mundo de aventuras e feitos heróicos.

Deixemos de lado por um momento toda a história, para nos atermos a um momento dela, mais precisamente, ao início do século XX, quando um determinado personagem conhecido como Pimpinela Escarlate (1903) foi chamado de o primeiro herói fantasiado das histórias pulp (livros baratos com histórias de aventura). Era chegado o momento na mitologia do herói em que uma pessoa obstinada e determinada, usava um traje para esconder sua identidade secreta e combater o mal.

O primeiro herói uniformizado foi o Pimpinela Escarlate.

O conceito do “herói” estava começando a se tornar parte da cultura pop, isto é, dos elementos criados para o entretenimento das pessoas, assim como em tempos passados, mas com uma roupagem mais comercial, por meio das publicações que tinham a possibilidade de alcançar um maior número de pessoas. A mídia do século XX propiciou a construção de uma nova mitologia para os heróis, transformando os símbolos em personas que fazem parte do cotidiano das pessoas.

Com o advento das novelas de rádio, os heróis continuaram ganhando espaço na cultura pop, e as pessoas passaram a conhecer personagens que viriam a se tornar referências para aqueles que seriam criados posteriormente, como Zorro, o Besouro Verde e o Sombra.

A característica marcante nesses personagens e em suas histórias era o idealismo do personagem frente ao mundo em que viviam, considerando-se como agentes da mudança, pessoas que se levantavam contra a injustiça e as mazelas, tais como violência, criminalidade e exploração dos fracos. O herói dessas histórias está cansado de ver o mundo dessa forma e parte em uma cruzada, quase sempre, solitária em nome da justiça. E como tem que se manter incógnito, a fim de proteger pessoas próximas a ele, cria uma identidade nova, um personagem que simbolize sua causa e se lance como modelo para outras pessoas, que se não usam de seus métodos, ao menos, se sensibilizam com a missão e tentam fazer algo a respeito.

Os cenários para as aventuras dos heróis nessas histórias eram os mais diversos possíveis, tudo dependendo da criatividade e imaginação dos criadores. Assim, as cidades eram palcos para a luta contra o crime, ao mesmo tempo em que poderíamos ver e ouvir histórias passadas na selva africana, como em Tarzan (1929) ou em galáxias muito distantes da nossa, como em Buck Rogers (1929) e Flash Gordon (1934).

Assim que os jornais passaram a publicar tiras desenhadas, com narrativas e diálogos, que vieram a se tornar as histórias em quadrinhos, mais e mais personagens clássicos começaram a surgir, como o Fantasma (1936), o chamado The Clock (1936) e Batman (1939), popularizando para sempre o herói como o combatente do crime. Nas décadas que se seguiram, a ideia do homem ou mulher que se lança contra um mal a fim de eliminá-lo, usando de sua esperteza, capacidades físicas e instrumentos especiais (armas, equipamentos, etc), tornaram os heróis mais populares e queridos pelos fãs, não apenas nos quadrinhos, mas também em outras mídias, como a televisão e o cinema, onde eles ganharam muita força a partir da segunda metade do século passado.

No começo do século XX, os heróis mascarados tornaram-se populares por meio das tiras de jornais e revistas em quadrinhos.

Com a popularidade dos heróis nos quadrinhos e rádio no começo do século XX, surgiu um momento em que o conceito precisava ser expandido, ampliado a fim de que as aventuras se tornassem ainda mais espetaculares e incríveis, numa esfera além da compreensão humana. Era chegada a hora em que nasceriam os chamados SUPER-HERÓIS.

O conceito do “super-herói” nasceu em 1938, com a criação do Super-Homem, por Jerry Siegel e Joe Schuster, que apresentaram na “Action Comics 1” um personagem como tantos outros, uniformizado e disposto a ajudar as pessoas, mas com uma característica diferente de todos eles, uma gama de super poderes, algo que nenhum herói, nem mesmo os humanos normais, possuía.

O Super-Homem é considerado o primeiro super-herói da história.

O super poder é uma capacidade adquirida ou inerente ao personagem que lhe permite fazer algo que nenhum humano comum pode, ou pelo menos, uma habilidade extraordinária que está além dos limites normais de uma pessoa. Ninguém possui a capacidade natural de cruzar os ares usando o próprio corpo como meio, assim como não pode projetar rajadas de energia oriundas de sua própria estrutura física. Quem neste mundo tem a capacidade natural de escalar paredes ou ler as mentes dos outros com tamanha precisão e clareza?

É importante deixar claro que o super poder dos personagens de ficção representa habilidades até certo ponto possíveis e plausíveis, dentro de uma esfera científica, mas elevados à uma alta potência, para que possam desafiar os limites da imaginação humana. Existem relatos e estudos que comprovam que certas pessoas possuem dons especiais ou características biológicas diferentes que lhes permitem fazer coisas que a maioria não pode fazer.

Contudo, na ficção e nas histórias fantásticas, os super poderes geralmente são frutos de fontes externas como heranças alienígenas ou acidentes que num mundo real, simplesmente matariam uma pessoa. Essas fontes externas fazem com que os super-heróis sejam diferentes das demais pessoas em relação à sua constituição física. Portanto, um super poder deve ter uma origem sobrenatural para que possa ser considerado como tal, do contrário, será apenas um desenvolvimento da própria condição humana. Batman, por exemplo, é mais ágil, mas forte e mais esperto que muitas pessoas, mas isso não faz dele um super-herói, já que sua condição foi adquirida mediante treinamentos especiais e dedicação.

Assim sendo, o que torna alguém um super-herói, em princípio, é a sua condição especial frentes aos outros. Mas como vimos anteriormente, não é esse seu único atributo que lhe torna alguém tão especial. De nada são os super poderes se o seu uso não estiver em conformidade com o uso adequado dos mesmos.

Os valores humanos ampliados, comuns aos heróis, como senso de justiça, bondade, altruísmo e moral, eram marcas fortes nos super-heróis, mas as capacidades sobre humanas ajudavam a tornar esses valores ainda mais latentes. Para um super-herói que pode voar e tem uma super força, ou a capacidade de lançar raios pelos olhos ou mãos, por exemplo, torna-se uma tarefa mais simples combater um grupo de criminosos assaltando um bando ou salvar um grande número de pessoas vítimas de um acidente de grandes proporções.

Por essa razão, muitas das histórias envolvendo super-heróis abordam temas morais e valores éticos ao extremo, já que a forma como os poderes são usados é o que determina se determinado personagem pode ou não ser aclamado pelas pessoas como um herói com capacidades superiores. Usando seus poderes de forma sábia, o super-herói se torna um exemplo para os demais.

Para as pessoas salvas e mesmo os leitores e ouvintes das histórias, o super-herói é uma potencialização do que podemos ser enquanto pessoas, já que uma pessoa com grandes qualidades, que se dedica a ajudar os outros, pode nos ensinar que temos essa capacidade, mesmo sem poderes especiais. Se você tem grandes poderes e não os usa para benefício próprio, torna-se um símbolo de esperança e moralidade, para que o mundo repita seus atos, fazendo o bem da melhor forma possível.

Os poderes extraordinários dos super-heróis fizeram com que as histórias se tornassem mais emocionantes, já que maiores desafios poderiam ser enfrentados pelos personagens, como monstros, cientistas loucos e coisas do gênero. Além disso, isso serviu como uma ótima propaganda pró-Estados Unidos em tempos de guerra, onde os inimigos da nação poderiam ser representados pelos super vilões loucos para destruir o mundo.

E por que deixar as aventuras acontecerem apenas nas cidades se os autores poderiam dar asas à sua imaginação e jogar os super-heróis em outros planetas, dimensões paralelas e até mesmo em viagens no tempo. O conceito do “super-herói” sempre caminhou paralelo à ficção científica, possibilitando a criação de incríveis histórias e fantásticas aventuras.

O próprio conceito e a forma como o super-herói se apresenta, permitem que as batalhas travadas por eles sejam maiores e mais intensas do que aquelas enfrentadas pelos heróis comuns, que não possuem dons especiais. É por isso que ao longo da história, grupos de super-heróis foram criados em quadrinhos e literatura, assim como em séries e filmes, sempre motivados por um mesmo ideal, mas com a vantagem de que cada personagem usa seus atributos para ajudar os demais em suas missões. Quem não gosta dos X-Men, dos Vingadores ou da Liga da Justiça, autênticas reuniões de super seres que acima dos seus próprios poderes, pensam na preservação da humanidade e de seus valores para a vida?

Editoras de quadrinhos como a DC Comics e a Marvel Comics popularizaram os super-heróis, reunindo-os em super grupos.

Dessa forma, tanto como entretenimento, quanto interpretação do cotidiano humano, a figura do super-herói representa ideais e valores que temos ou que gostaríamos de ter, tudo em nome da melhor forma de nos caracterizar como seres humanos, ou seja, detentores do dom de fazer escolhas e agir em nome delas, para que outras pessoas possam se beneficiar. Ao menos, assim os super-heróis e seus incríveis poderes nos ensinam.

Tanto os heróis, quanto os super-heróis são símbolos poderosos para nos inspirar e mesmo com suas diferenças estéticas ou caraterísticas específicas, eles povoam nossas mentes e corações como personagens inesquecíveis e vivos em tantos momentos de nossas vidas, que os temos como partes de nós mesmos.

Somos Tão Jovens, filme de Antonio Carlos da Fontoura, mostra uma imagem de um dos principais personagens desse movimento ao público: a vida de Renato Manfredini, em seus vinte e poucos anos, e suas ideias no centro de Brasília para criar uma banda de rock com influência do punk britânico, além de sua ascensão pessoal, retratando um tempo que passou, mas ainda não esquecido.

Em pleno fim dos anos 70, quando o Brasil vivia em uma época marcada pela decadência da Ditadura Militar, Somos Tão Jovens retrata um Renato Russo jovem, a criação do Aborto Elétrico, banda de rock criada ao lado dos irmãos Flávio e Fê Lemos, e de André Pretorius, o surgimento de outras bandas como a Plebe Rude, Blitz, Capital Inicial e a própria Legião Urbana, além de suas descobertas pessoais e suas relações de amizade com sua amiga Ana, com quem divide diversos momentos mostrados no filme: seus interesses amorosos, sua amizade e seus pensamentos, e consequentemente suas desilusões, brigas e temperamentos, além de sua relação familiar. O filme é um ótimo retrato da juventude entre 77 a 85 em Brasília, em uma época de mudanças do nosso próprio país.

A trilha sonora do filme não poderia ser diferente, e é um deleite para os fãs de Renato Russo. Desde o início do filme vemos inúmeras faixas para representar os acontecimentos, e a lista não é pequena: Tempo Perdido, Ainda é Cedo, Geração Coca-Cola, Que País é Esse?, algumas versões de músicas como Eduardo e Mônica e Faroeste Caboclo, e menções a outras como Meninos e Meninas e Tédio. Isso sem falar de outras músicas como Veraneio Vascaína, sua contribuição para o Aborto Elétrico, e muitas outras. O mais interessante é como as músicas foram inseridas no filme: boa parte delas foi tocada pelos próprios atores durante a gravação do filme.

O que chama a atenção no filme sem dúvida é a atuação de Thiago Mendonça, no papel de Renato Russo. Além da semelhança e de ter emprestado sua voz no repertório do filme, Mendonça usou e abusou dos trejeitos de Renato no filme, chegando a transformá-lo um personagem completamente caricato – e isso pode incomodar muitos fãs, mostrando de longe quem era Renato Russo. O destaque mesmo vai para Laila Zaid no papel de Ana, talvez a única (além de Thiago Mendonça) que mostra profundidade em uma personagem, sendo o principal apoio do filme. A escolha dos atores para os demais papeis pela semelhança aos integrantes das bandas Aborto Elétrico, Plebe Rude, Capital Inicial e a própria Legião Urbana também é um detalhe interessante, mas dispensável. Outro fator que leva o filme a uma grande imersão é a sua fotografia, mostrando uma Brasília oitentista e fazendo jus ao cenário do filme.

Somos Tão Jovens é um filme interessante para todos que um dia curtiram as letras de Renato Russo que sempre apareceram entre essas bandas. Além disso, o filme é uma ficção baseada na biografia de Renato, e isso pode incomodar seus fãs e aos que levam o rock nacional dos anos 80 a sério por não mostrar com fidelidade os fatos relacionados ao movimento da Colina e à Legião Urbana – o filme não faz menção alguma, por exemplo, à participação de Renato Rocha como integrante da banda em nenhum momento. Quem assistiu o documentário Rock Brasília pode perceber isso com facilidade. No geral, é um filme feito para os fãs de Renato Russo e da Legião Urbana, e com certeza agrada a todos.

Somos Tão Jovens (2013)
Direção: Antonio Carlos da Fontoura
Roteiro: Marcos Bernstein
Com Thiago Mendonça, Laila Zaid, Bianca Camparato, Bruno Torres, Daniel Passi e Sérgio Dalcin.
Nota: 8

Trailer de Somos Tão Jovens:

Um dos mais difíceis jogos do Nintendinho não podia ficar de fora da nossa deliciosa coluna NEStalgia.

Muitos concordam que o game Battletoads é quase impossível de terminar, mas se alguém perguntar de outro game do NES de extrema dificuldade, com certeza a série Mega Man será citada.

Então resolvi falar (escrever) sobre o melhor game da série, em minha opinião é claro.

Mega Man 3

O Jogo:

Um game de ação/plataforma onde o seu personagem tem que percorrer várias fases diferentes com o intuito de matar tudo que estiver pela frente e ao final de cada fase ainda tem que enfrentar um chefe quase impossível de ser derrotado, a menos que você faça a sequência correta.

O Historia e o personagem:

Mega man é um ser robótico criado pelo Dr. Light, e por mais que o personagem tenha feições humanas, ele não é nenhum Robocop ou coisa do tipo, ou seja, nada de “pedacinhos de gente” no robô, apenas partes mecânicas mesmo. O personagem teve claramente inspiração em Astro Boy e sua cor original (no primeiro game) era para ser vermelha, mas como a paleta de cores do NES era mais amigável aos tons azuis e suas várias tonalidades, o herói acabou ficando com a cor azulada mesmo, só mudando de cor quando ele usa uma arma adquirida de um inimigo. Dr Willy já foi amigo do Dr Light mas a ganância acabou levando-o para o outro lado, agora ele quer dominar o mundo e de tempos em tempos cria uma porrada de robôs com características ”interessantes” para destruir Mega Man e por consequência conquistar o mundo.

Gráficos:

Uma grande diversidade nas fases e chefes faz desse jogo uma verdadeira obra de arte no quesito gráficos, cada fase é um mundo totalmente diferente, você pode estar em uma fase rodeada de cobras, inclusive nos cenários de fundo, ou em uma fase recheada de circuitos eletrônicos, ou até passear sobre nuvens que escondem plataformas e misseis teleguiados. O grande barato do Mega Man é esse, uma fase é dark e sombria e a outra é em um belo céu aberto e azulado.

É difícil de enjoar dos cenários, os inimigos também possuem certa variedade é claro que alguns se repetem, mas tem outros que são específicos de algumas fases.

Som:

Com certeza uma das melhores trilhas sonora do Nes 8bits, até hoje jogadores ainda discutem em fóruns para saber qual música é a melhor, de qual fase. Mas todos eles são unanimes em dizer que o Mega Man 3 (entre outros da série) possui as melhores musicas daquele console.

Jogabilidade e dificuldade:

Apesar de ser um robô, o seu personagem não é travado igual a um robô, na verdade ele é extremamente ágil, com pulos, tiros e escorregadas, você consegue desviar de inimigos e tiros. O único problema é que os inimigos também são muito habilidosos, você vai ficar maluco várias vezes que tentar matar um inimigo e ele acabar pulando em cima de você aponto de você não conseguir desgrudar do cara. Os chefes de fase também são muito rápidos, na verdade se você não estiver com a arma ideal para matar o chefe, muito provavelmente você não irá conseguir ir tão longe no jogo apenas usando a arma convencional. Mas mesmo você seguindo a ordem correta dos chefes, isso não quer dizer que irá terminar o game, afinal após passar por todos os chefes, o Dr. Willy ainda vai dar um jeito de você ter que enfrenta-los tudo de novo.

Além dos inimigos e chefes de fase, as fases em si são verdadeiras armadilhas, muitos buracos e espinhos estarão espalhados pelas fases e basta tocar em um espinho e lá se vai mais uma vida.

Nesse game temos a inclusão de um personagem muito importante que é o Rush, o cachorro do Mega Man que se transforma em trampolim, foguete e submarino, dessa forma ele ajuda um pouco a passar por certos lugares.

Segue uma dica de password para facilitar um pouquinho mais a sua vida e assim você começa o game com 9 tanques de energia.

Sequencia para enfrentar os chefes :

Essa sequencia pode mudar já que alguns preferem começar pelo Hard Man, mas eu prefiro começar pelo Top Man. Então lá vai a minha sequencia predileta, é claro que a ideia é usar a arma conquistada no ultimo chefe para enfrentar o próximo

Top Man

Shadow Man

Snake Man

Gemini Man

Needle Man

Spark Man

Magnet Man

Hard Man

Conclusão:

MARAVILHOSO, o ponto certo na somatória da diversão, desafio, jogabilidade e trilha sonora, fazem desse jogo uma das mais belas pérolas do NES. Isso não quer dizer que todos os games do Mega Man são incríveis, alguns são apenas bons, mas esse conseguiu superar de longe os outros games da série.

Minha nota pra Mega Man 3 é 9 de 10.

Vídeo análise e gameplay:

Bons games e até a próxima

Fui pros games…

O Massacre da Serra Elétrica é um dos maiores clássicos do terror e não é à toa. O original, de 1974, foi de baixíssimo orçamento e altíssima recepção do público, chocando e vislumbrando ao mesmo tempo com suas cenas que não apelavam no sangue, mas no terror psicológico. Como todo bom filme slasher – aqueles com um assassino implacável que persegue e mata quase o elenco inteiro -, tem um vilão icônico, mortes explícitas e um ritmo de suspense e susto incrível – mas não se limita só a isso.

A verdadeira origem dessa série não é nem o primeiro filme, mas a vida real. O caso do Massacre no Texas aconteceu de verdade! Realmente existiu um assassino que vestia a pele do rosto das suas vítimas como máscara – o que lhe rendeu a alcunha de “Leatherface” – e usava uma motosserra em suas execuções. A polícia descobriu o corpo de TRINTA E TRÊS vítimas na casa da família no interior da cidade, a notícia foi manchete no país inteiro e a história é tida como um dos casos de assassinato em série mais famoso de todos os tempos.

Dessa forma, o novo filme tem o desafio de honrar tanto uma série icônica quanto de respeitar um caso real de assassinatos grotescos – e ele se saiu muito bem na missão. A premissa é uma jovem que descobre que herdou uma casa da sua avó no Texas – o que muda um bocado a ideia do filme original – e vai com um grupo de amigos conhecer sua herança e cuidar dos documentos – o que remete à ideia clássica do grupo de jovens desavisados indo de encontro ao assassino num lugar remoto. O equilíbrio e o ritmo entre o suspense, a violência e o enredo é o que faz o filme valer a pena! Tanto os fãs do gênero ficarão satisfeitos com as decepações explícitas, quanto o pessoal mais exigente – ou mais fresco, chamem como quiser – vai ter uma história legal entre as cenas macabras.

Sem falar que é bem legal ver os elementos saudosistas no filme! A motosserra e o martelo são as principais armas do Leatherface, o gancho onde ele pendura algumas das vítimas aparece no filme, a cena da (tentativa de) fuga no carro acontece! O enredo foi bem alterado, detalhes fundamentais foram modificados – sem comprometer a qualidade da história -, mas o clima, a essência e os detalhes clássicos estão lá e isso é bem legal! Até os erros e as incoerências clássicas aparecem, como a cena da pessoa descendo sozinha no porão totalmente suspeito – que faz todo mundo ficar “burro! burro! burro!” enquanto assiste -, a vítima tentando se esconder e acabando entrando num beco sem saída óbvio, o maluco que acha que vai conseguir encarar o assassino sozinho – mesmo depois dele já ter matado meia dúzia de pessoas, burrices clássicas que não podem faltar nos filmes do gênero.

Os fãs mais pragmáticos reclamarão que certos elementos foram alterados. Se você não quer que destruam o seu amado filme clássico, não se dê o desgosto de assistir, eles mudam elementos fundamentais mesmo! Mas, se você for que nem eu e acreditar que se formos querer o clássico, ainda teríamos o Batman barrigudo do Adam West, o filme será bem divertido!

Só não vale a pena ver em 3D! Sério, é muito fraco. Mas muito mesmo! Eu esperava sangue voando na minha cara e a serra passando diante dos meus olhos algumas vezes, mas isso praticamente não acontece. Teve UMA ÚNICA CENA em que o sangue parece voar pela tela – isso, se você tiver muita boa vontade de considerar que ele saiu da tela. Teve UMA ÚNICA CENA em que a motosserra é arremessada e parece que vai na sua cara – essa sim ficou legal, pena que foi só uma. Eu não senti a serra vindo pra cima de mim nenhuma vez se quer. Triste. O filme é bom, mas o 3D é totalmente decepcionante. Assistam em 2D.

O que importa é que o filme é melhor do que eu esperava! Confesso que não sou fã do gênero slasher e pensei que assistiria o filme e viria aqui dizer pra vocês “pra quem gosta do gênero, é legal”, mas eu me enganei! Então, em vez de falar isso, eu digo: galera, eu mordi a língua! O filme é bom! Decepações, calafrios, mortes grotescas e uma história animal!

Esse filme foi tão bom que me fez ficar com sangue nos olhos!

Assista também o programa “Saindo do Cinema” com imagens do Leatherface atacando um shopping de São Paulo

No FGcast 26 Mau Franco, Leandro Vallina, Marcelo Paradella e Igor Mairinque relembram o filme de Sam Raimi de 1990, um dos primeiros da carreira do grande Liam Neeson

Neste cast, descubra que mesmo quem não conseguiu ser Sombra pode acabar sendo melhor, entenda as referências da cabeça genial de Raimi, decida o que é e o que não é um super-herói e descubra quem foi o FGcaster que não gostou deste clássico.

Faça o download ou escute no player ao final do Post

Dúvidas, críticas e sugestões para fgcast@filmesegames.com.br

Final do bloco de leitura de e-mails e comentários: 10 min e 24 seg

Bom divertimento, e nos vemos em 15 dias com mais um FGcast.

Ouça também através do youtube, basta dar um play no vídeo abaixo

Trailer:

O novo filme de Guillermo Del Toro, Círculo de Fogo (no original Pacific Rim) está quase chegando aos cinemas do mundo todo, depois de alguns virais e um trailer animador, o diretor publicou o novo Trailer do filme, editado por ele mesmo e apresentado anteriormente na WonderCon 2013, confiram:

No filme, A humanidade sofre ataque de monstros gigantescos chamados Kaiju – o termo  usado pra designar aqueles monstros, que tanto vemos em filmes japoneses e Tokusatsus – para combatê-los são criados os Jaegers, Robôs gigantes controlados por pilotos em uma espécie de “ponte de comando”

Agora podemos ter uma melhor visão da ameaça, os Kaijus aparecem de forma mais explicita no novo trailer, e dá para notar que eles possuem o design de criaturas característico de outros filmes do Diretor como Labirinto do Fauno e HellBoy 2, além de dar uma boa demonstração do nível das lutas entre os Jaegers e os Kaijus (Afinal, usar uma cargueiro como arma é algo no mínimo animador)

O Filme que tem previsão de lançamento para 12 de Julho nos estados unidos contará com nomes como Idris Elba, Ron Perlman e Rinko Kikuchi no elenco, além da voz de Ellen McLain que dá vida a GlaDOS dos jogos da série PORTAL, terá lançamento em 3D e IMax 3D.

Quem sabe com o sucesso de um filme assim, o sonho de uma boa adaptação de Neon Genesis Evangelion não se torna realidade?

Saindo do Cinema – Homem de Ferro 3

Uma das coisas mais gostosas do videogame é a incrível sensação de poder que alguns jogos conseguem passar ao jogador. Não existe melhor sensação de poder do que quando você está cercado de inimigos fortes e armados, não existe mais saída e a sua energia vital está quase se esgotando, mas você aperta aquele botão específico e uma verdadeira onda de poder destrói tudo e todos que estiverem na tela.

Golden Axe é um dos games que fazem isso com excelente maestria. E é dele que iremos relembrar na nossa coluna 16 Bits Fever de hoje

O Game:

Um clássico do beat’n up que nasceu nos arcades e, em 1989, para a alegria dos donos de Mega Drive, foi convertido para os consoles, também teve conversões para Master System e Game Gear, mas nesse texto vamos focar no game do Mega Drive.
Como na maioria dos games de “briga de rua”, o personagem sempre tem que andar pelas fases, destrinchar espadadas pelos inimigos, e coletar alguns power ups que aparecem pelas fases. Esse power ups se dividem em aumentar a energia do seu personagem e encher a barra de energia para soltar o golpe especial.

História:

O que seria dos heróis se não existissem os vilões? Death Adder é um enorme guerreiro medieval, que resolve tocar o terror na região e com os seus soldados ele consegue dominar o vilarejo e até os reis do local foram sequestrados, mas o pior de tudo é que o vilão ainda se apossou da mais poderosa arma do reino, o Machado de Ouro

Mas para alegria geral da nação do vilarejo, três guerreiros resolveram tentar dar um fim nesse império do mal. E devolver a paz aos habitantes daquele reino.

Os personagens:

Um dos vários detalhes bacanas em Golden Axe é a possibilidade de usar personagens diferentes. Você possui 3 heróis com habilidades e magias diferentes para realizar a missão.

Ax-Battler- Um guerreiro grande e forte, no melhor estilo Conan, que empunha a sua espada e tem a sua magia baseada em um dos elementos da natureza, a terra.

Tyris Flare- Uma deliciosa amazona que usa a espada com agilidade e sua magia é baseada no elemento fogo.

Gilius Thunderhead- Um invocado anão que usa como arma um machado e adora cortar canelas inimigas, seu poder vem do elemento ar e assim como a Tempestade (X-men) ele solta muitos raios durante o seu golpe especial.

Dragões, eles são quase tão divertidos e importantes quanto os personagens principais, são usados como montarias só que com um grande diferencial, eles também são excelentes armas de ataque, desde as mais fortes rabadas a labaredas de fogo. Se você conseguir encurralar um chefe no canto da tela, pode simplesmente derrota-lo apenas usando rajadas de fogo em cima dele, porém é pouco provável que isso aconteça, já que os seus inimigos vão tentar de qualquer jeito derruba-lo para usar esses dragões contra você.

Gnomos trombadinhas: Também não posso deixar de citar os lazarentos engraçados gnomos que vão aparecer durante o jogo e roubar suas poções de magia ou seus belos pedações de carne. Com esse jogo você aprende que se estiver dormindo em uma selva sempre tem que deixar alguém de guarda ou terá o desprazer de acordar sem as suas importantes coxas de frango.

Gráficos:
Um cenário inspirado nas histórias medievais, com montanhas, rochedos e esqueletos espalhados pelas fases, tudo bem detalhado. É claro que existe uma boa diferença entre o Arcade e o console caseiro, mas não é nada que desvalorize o 16Bits da Sega, na verdade é uma das melhores conversões que o console já teve.

Som:
Alguns games tiveram as suas trilhas sonoras eternizadas na mente de jogadores, Golden Axe é um deles, até hoje muitos retro-jogadores usam as trilhas sonoras deste jogo em seus celulares ou até ouvem em arquivos digitais. E se isso ocorre não é apenas pelo fator nostálgico do jogo, mas sim por que a qualidade da música é muito boa mesmo.

Entre uma fase e outra do jogo a música acaba variando um pouco, mas segue quase o mesmo padrão da música inicial. Para aqueles que gostam de rock, vale a pena pesquisar por belas versões dessa trilha feitas pela banda Megadriver.

Clique na imagem para ser redirecionado ao site da banda MegaDriver

Desafio e jogabilidade:
Esses dois tópicos acabam se misturando bastante (no meu ponto de vista), até porque o game tem uma jogabilidade meio lenta, nada que atrapalhe o fator diversão do jogo,até chega a deixar ele um pouco mais difícil.  Não vai ser nem uma nem duas, mas sim várias vezes que você vai estar enfrentando um inimigo e enquanto você está “preso” em uma sequencia de golpes outro inimigo vai conseguir dar a volta e te acertar por trás.

Na verdade esse é um dos cartuchos de Mega Drive onde o “computador” é o ser mais apelão possível. A tática de cercar o seu personagem é repetida imensamente, outro detalhe muito sádico do fela da mãe computador é exatamente quando você consegue montar em um dragão, nessa mesma hora aparece do nada um inimigo e consegue te derrubar com uma voadora ou cotovelada, como eu já mencionei isso não deixa o jogo ruim, pelo o contrario, a chance de você ficar com raiva dos inimigos e querer ir adiante será bem maior. É um jogo difícil, quase impossível de ser terminado sem usar continues, mas pode ser vencido com uma boa dose de paciência (e continues).

Conclusão:
Golden Axe é um game que não envelheceu, pode ser desfrutado até hoje sem correr o risco de ficar datado, tanto que as versões que a Sega lançou para os consoles da nova geração através da serie Sega Vintage, não tiveram nenhuma melhoria em relação aos gráficos ou som e o game continua fazendo um tremendo sucesso entre os jogadores atuais.

Minha nota para Golde Axe é 8 de 10
Bons games e até a próxima
fui pro game…
Vídeo análise e gameplay:

Para aqueles, que assim como eu, cresceram nos anos 80, um dos filmes mais memoráveis e importantes sem dúvida é “De volta para o futuro”, de 1985. A aventura de Marty McFly e do doutor Emmet L. Brown a bordo do “DeLorean DMC 12” transformado em máquina do tempo nunca mais saiu da memória de quem assistiu a esse filme, mesmo que uma única vez.

Consequentemente, suas sequências de 1989 e 1990 também tiveram o mesmo sucesso e aceitação, transformando esses filmes numa das mais célebres e divertidas trilogias em toda a história do cinema, principalmente, quando se trata de filmes de aventura e ficção científica.

“De volta para o futuro” é uma das melhores histórias já contadas no cinema e tamanha qualidade e criatividade não ficariam restritas à telona do cinema ou à telinha do vídeo. Foi por isso que um ano depois da saga pelo tempo ter se encerrado, que chegavam à televisão, em formato de desenho animado, novas aventuras dos personagens de Hill Valley, em todas as épocas.

“De volta para o futuro – A série animada” foi produzida como uma continuação para as histórias contadas no cinema, mostrando as aventuras de Marty McFly, da família Brown (Emmet, Clara e os filhos Júlio e Verne, além do cachorro Einstein, é claro), Biff Tannen e todos os demais habitantes da inesquecível cidade que tinha um relógio na torre da praça central.

Em tom de comédia e bem leve, afinal estamos falando de desenhos animados, as aventuras se passavam por diferentes épocas, sempre com os personagens tentando se livrar de confusões e trapalhadas, quase sempre provocadas pelos filhos do doutor Brown. Com duas temporadas de 13 episódios cada uma, a série mostrava também as invenções malucas do divertido cientista e seu amigo do tempo, sempre dando espaço para referências ao filme, como os veículos do tempo (o DeLorean e a locomotiva), entre outras, seja em personagens, como em cenas ou menções.

Outro ponto de destaque no desenho eram as participações em vídeo no início e final de cada episódio do doutor Brown, o próprio Christopher Lloyd, quase sempre em seu laboratório. Ao fim de cada história, ele apresentava uma experiência científica para se fazer em casa, que eram executadas pelo apresentador e comediante Bill Nye, conhecido como o “cientista legal”.

As vozes originais tinham alguns atores dos filmes, revivendo seus personagens: Thomas F. Wilson (Biff e todos os antepassados Tannen) e Mary Steenburgen (Clara Brown). Apesar de participar da série como seu personagem mais marcante, o ator Christopher Lloyd não dublou o doutor Brown, que recebeu a voz de Dan Castellaneta, famoso pelas vozes em desenhos animados, como Homer Simpson, talvez o mais conhecido de todos.

Felizmente para os fãs brasileiros, as vozes utilizadas nos filmes foram mantidas, graças aos talentosos dubladores que atuavam na BKS, principalmente, Eleu Salvador (Doutor Brown) e Orlando Viggiani (Marty McFly).

Na Idade da Pedra, passando pela Grécia Antiga até os dias futuros, essa foi uma das melhores adaptações de personagens do cinema para os desenhos animados. O espírito divertido e a dinâmica dos personagens foram mantidos na telinha e agradaram tanto os fãs da trilogia, quanto os mais novos que ainda não tinham assistido a eles.

Uma série que desbravou os tempos e que infelizmente durou menos tempo do que deveria. Passou mais rápido que um raio de 1,21 Gigawatts, mas deixou na memória e coração dos fãs a mesma presença que um DeLorean voador diante dos olhos.

TE VEJO NO FUTURO!

A princípio, não parece tão inovador: mais um jogo de tiro em terceira pessoa, metralhando terroristas nas areias do deserto. Realmente, muitos jogos se baseiam quase unicamente nisso: um grande massacre de estrangeiros – russos, árabes, nazistas. Os típicos inimigos dos tantos jogos e filmes americanos. Mas conforme a indústria cresce e os jogos de videogame ficam cada vez mais complexos e maduros, era óbvio que esse tipo de experiência repetitiva e alienante chegaria num ponto bastante questionável.

De onde vem essa história de passarmos horas e horas no videogame, quase hipnotizados, simplesmente matando milhares de pessoas…?

 Bem, não tem forma melhor de abordar essa questão, senão em um próprio jogo de videogame. 

E assim a aventura começa. Pra te enganar, Spec Ops: The Line não podia abrir de forma mais típica: o protagonista Walker (a quem você controla) chega com sua equipe (apenas dois outros caras) para um resgate nas ruínas da riquíssima cidade de Dubai, devastada por poderosas tempestades de areia numa paisagem surreal (a futilidade de uma vida de luxos que não valem nada no deserto). Enquanto isso, seus colegas do exército americano estão desaparecidos. E evidentemente você acaba envolvido em tiroteios com árabes misteriosos em seu enigmático caminho para resgatá-los. Com esse início, nenhuma novidade por enquanto.

Não parece divertido?

Headshots em câmera-lenta, trilha sonora de rock ‘n roll e árabes morrendo. Moralmente duvidoso, é claro – mas nada com que a gente já não esteja perfeitamente acostumado. E é aí que o jogo começa a virar as cartas e mexer com a nossa cabeça. Por que é que tudo isso tem que ser tão normal…? A história se desenrola em um mistério confuso, e de repente você percebe que está matando… agentes secretos da CIA? Outros soldados americanos que fugiram e se rebelaram? Aliás, não seriam todos seus semelhantes de um jeito ou de outro? Como diz Walker, “será que não estamos matando justamente aqueles que nós viemos salvar”?

Espera aí… algumas dessas pessoas não são apenas inocentes CIVIS refugiados???

As coisas começam a ficar realmente estranhas quando você se envolve em um confuso tiroteio e de repente os atiradores do outro lado estão gritando desesperados em perfeito inglês americano. No meio de tanto tiro, começa uma perturbadora gritaria (“Pelo amor de Deus, nós não somos da CIA! Nós viemos ajudar!”) e aí já não dá pra entender mais nada do que tá acontecendo.

Pois é. É horripilante e enigmático e eu não vou revelar muito do desenrolar da história: mas no caminho, você começa a matar pessoas que geralmente você não está acostumado. E curiosamente (e infelizmente, pela nossa insensibilidade já acostumada), é só aí que a gente começa a parar pra pensar no que de fato estamos fazendo.

No menu principal: as ruínas de uma cidade bilionária. A bandeira americana imunda, rasgada, subvertida. Ao fundo, o hino americano distorcido na conhecida versão do Jimi Hendrix. O típico joguinho americano já parece surpreendentemente revolucionário.

Conforme os jogos evoluem, as experiências de jogar videogame amadurecem – e portanto, nós jogadores exigimos conexão com os personagens e uma trama que nos motiva para além de meras instruçõezinhas em uma tela. Alguns jogos como BioShock e mesmo Portal quebram essa barreira entre “instrução x história”, e aos poucos começamos a questionar as próprias ordens que o jogo (ou seria outra coisa?) nos dá. Da mesma forma, faz o Spec Ops. Pouco a pouco, conforme cresce a violência, o jogo se embaralha com a história e começa a nos dar instruções que nós definitivamente não gostaríamos de seguir.

Parece paradoxal falar bem de um jogo assim, mas a verdade é que há momentos que Spec Ops oferece uma experiência simplesmente horrível. Os atos de matança e brutalidade ficam cada vez mais insuportáveis, até um ponto extremo que, sinceramente, eu tive vontade de parar de jogar e atirar o controle na parede. Mas respirando fundo e sofrendo a cada puxão de gatilho, você está convencido a zerar o jogo e seguir adiante… e o Spec Ops sabe muito bem do sufoco confuso de perturbação moral que nós estamos passando.

“Afinal, o que estamos fazendo aqui???”

O jogo é tão provocante que chega um ponto que, enquanto carrega a próxima fase, ele sequer dá mais dicas ou ensina novos controles como normalmente acontece nessas telas. Entre uma fase e outra, há apenas a frase: “DO YOU  FEEL LIKE A HERO YET?” (“você já está se sentindo um herói?”). E a resposta, definitivamente, é NÃO. Matar todas aquelas pessoas, definitivamente, não faz de ninguém um grande herói.

ENFIM, a história envolve brutalidade, mistérios e experiências enlouquecedoras – tanto dentro da narrativa quanto para nós fora do jogo. De certa forma (inclusive fazendo referências diretas), o jogo tem como fonte de inspiração o clássico da literatura “O Coração das Trevas” de Joseph Conrad, uma assustadora crítica anti-colonialista, que também inspirou o clássico do cinema Apocalypse Now que aborda a controversa guerra do Vietnã. Agora, no mundo do videogame e das guerras modernas no Oriente Médio, parece que essa importante obra deu origem a Spec Ops: The Line – mais uma vez colocando em cheque a postura dominante do invasor como colonizador, o pregador hipócrita da paz.

Seria isso um herói?

Pois afinal, se você parar pra pensar, o que seria levar “democracia ao Oriente Médio” senão um processo civilizatório de povos supostamente  primitivos e bárbaros? E como já bem sabemos na história do mundo, o grande herói que espalha a civilização dominante acama como nada mais do que um assassino arrogante e racista. E atualmente, depois da colonização da África, da América, da ascenção e queda do nazismo. Será que as coisas são tão diferentes…?

Traduzindo, Spec Ops: The Line quer dizer “Operações Especiais: A Linha”. É um título provocante e aberto interpretações. O que será que quer dizer essa “LINHA”?  Talvez refira-se a linha do limite de até onde se pode matar por alguma coisa. Talvez seja a linha do limite a que o jogador está disposto a atravessar na sua brincadeira tecnológica descompromissada. Talvez seja a linha, também, entre o jogo e o jogador: Spec Ops é um jogo que te joga, que atormenta e provoca. Ou talvez seja, justamente, a linha tênue entre levar à paz ou à destruição.

Enfim, pode-se pensar em diversas linhas que esse jogo ultrapassa. E mesmo que a jogabilidade não tenha nada muito especial (embora bastante boa), esse jogo é definitivamente memorável em sua experiência narrativa, principalmente por ser um dos primeiros a ousarem cruzar essa misteriosa linha. Seja qual ela for, esse jogo supreende e serve como a prova de que as coisas estão mudando. Como disse o escritor principal de Spec Ops, em uma breve palestra sobre a violência no videogame, ele não acha que a coisa um verdadeiro problema pra censura e polêmica. Mas resume bem: “Nós somos melhores do que isso.”

É isso aí. Os jogos, juntos de seus desenvolvedores e jogadores, tornam-se cada vez mais críticos e inteligentes. Certamente, Spec Ops será um marco na indústria, na cultura e na arte do videogame.

1. Daniele Musse

link do sorteio sorteiefb.com.br/resultado?id=13kW

O ganhador tem até 5 dias para enviar os seus dados (nome e endereço completo) para contato@filmesegames.com.br

Como já foi anunciado por AQUI, a editora Darkside acabou de lançar o livro Evil Dead – A Morte do Demônio [Arquivos Mortos], e para comemorar esse incrível lançamento estamos fazendo uma promoção em parceria com a editora.

Iremos sortear um (1) felizardo que vai receber em casa (sem custos) um exemplar do livro. O sorteio será realizado através do aplicativo sorteie.me do facebook.

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Pronto, você já está concorrendo ao livro.

O sorteio será no dia 15 de Maio de 2013.

Boa Sorte!!!

Se você já assistiu esse filme vale a pena ver esse programa.

Filmes e Games no Cinema – A Morte do Demônio – Evil Dead (2013)

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Lembre-se de clicar em “Gostei” no nosso video e de se inscrever no nosso canal do Youtube

E se você também está afim de escutar o nosso podcast sobre os dois filmes antigos (Evil Dead 1 e 2) clique no banner a baixo e você será redirecionado para o post do FGcast

Hughes começou a escrever, após abandonar a universidade, para a revista National Lampoon, e foi um filme com referência ao título da revista que o lançou aos holofotes em 1983: “Férias Frustradas”, que no original é “National Lampoon’s Vacation”, baseado em um conto de Hughes.

Seu mais influente filme adolescente foi feito em 1985: “O clube dos cinco / The breakfast club”. Cinco adolescentes muito diferentes, provavelmente de panelinhas opostas na escola, ficam durante um sábado confinados na biblioteca da escola, cumprindo detenção. Muitos embates acontecem, mas também a cumplicidade se desenvolve entre cinco pessoas tão diferentes, que estão enfrentando seus medos, problemas familiares e outros grilos da adolescência. Depois de tantas mudanças em poucas horas de convívio ficamos a nos perguntar, enquanto a música “Don’t you (forget about me)” embala os créditos, se essa amizade continuará a partir da segunda-feira.

Os astros dessa película formaram um grupo batizado pelo colunista de “Brat Pack” (algo como “o clube dos pestinhas”), em uma brincadeira com o Rat Pack, que nas décadas de 1950 e 1960 reunia alguns dos mais populares artistas da época, como Frank Sinatra, Sammy Davis Jr e Dean Martin. Além do elenco de “O clube dos cinco”, os jovens atores que participaram de “O primeiro ano do resto de nossas vidas / St. Elmo’s Fire” também foram incluídos neste grupo de jovens promessas que saíam à noite para curtir como adolescentes. O fato é que nem todos os atores faziam parte dessa panelinha, e por isso não gostaram do termo criado pelo jornalista, dizendo mais tarde que isso prejudicou suas carreiras.

Tão influente e famoso quanto “O Clube dos Cinco” é “Curtindo a vida adoidado / Ferris Bueller’s Day Off” (1986), que torna o sonho de todo adolescente uma realidade: aproveitar muito um dia em que todos os seus colegas estão na escola. Ferris (Matthew Broderick) finge estar doente para não ir à escola e aproveitar um lindo dia de sol. Sul mal súbito desperta a atenção de sua irmã mais velha (Jennifer Grey), que faz de tudo para provar para os pais que o filhinho querido está mentindo. O melhor amigo preocupado (Alan Ruck) e a namorada de Ferris (Mia Sara) também se envolvem nessa aventura. Do filme, os maiores símbolos são o professor apático de economia repetindo “Bueller” na chamada sem obter resposta e a participação apoteótica do trio em um desfile, ao som de “Twist and Shout”.

As músicas são muito importantes nos filmes de Hughes. Alguns deles receberam títulos originais baseados em canções, como “Gatinhas e Gatões / Stray Cats”, “A garota de rosa shocking / The Psychedelic Furs” e “Ela vai ter um bebê / Dave Wakeling”. As músicas que faziam parte das trilhas sonoras se tornavam hits e acabaram marcando toda uma época.

Sua filmografia como diretor conta apenas com oito títulos, sendo que sua maior contribuição para o cinema foi como roteirista. Muitas vezes assinando seu trabalho com o pseudônimo Edmond Dàntes, John foi responsável por criar os personagens e situações que deram origem às séries de filmes “Esqueceram de Mim / Home Alone” e “Beethoven”. Por suas lentes passaram talentos como Molly Ringwald, Matthew Broderick, Steve Martin, Jon Cryer, Emilio Esteves, Anthony Michael Hall e Macaulay Culkin. Nem todos tiveram igual sucesso após sair da esfera de influência de Hughes, mas eles se reuniram na cerimônia do Oscar de 2010, para prestar uma homenagem a John, falecido um ano antes, vítima de um ataque cardíaco:

http://www.youtube.com/watch?v=DvmVYNr0lk0

De “A garota de rosa shocking” a “Milagre na Rua 34”, de “Garota nota mil” a “Flubber”, de “Férias Frustradas” a “Drilbitt Taylor”, John Hughes ocupou um lugar especial no cinema americano e, em especial, na cultura dos jovens, filhos dos anos 80, jovens de coração ou novas gerações.

Henry Selick e seu talento para Stop-motion atacam novamente, numa história infantil (não tão infantil) que remete a infância ao mesmo tempo em que a deixa macabramente atraente.

Dirigido também por Henry Selick, MAS, lembrando muito o estilo do visionário (sem julgamentos maiores acerca dessa afirmação particular, por favor) Tim Burton, Coraline vai pela ligação das relações mal resolvidas (como o da Noiva Cadáver e muitos outros). Mas não é aquela relação amorosa cheia de conflitos interpessoais, é algo mais instigante e que passa por muitas mensagens simbólicas.

Sabe aquele medinho de uma aventura assustadoramente curiosa que se sente ao ver ‘A Viajem de Chihiro’? Coraline vai ao mesmo seguimento. Com direito a medo/insegurança e restabelecimento de confiança por parte das protagonistas.

Muitos tendem a achar que a obra é de Tim Burton, de fato, o estilo e linha de desenvolvimento são bem parecidos, apesar de Coraline ser mais bem trabalhado do ponto de vista de ‘aprofundamento de conteúdo’. Sem ofensas, porque aprecio muito os trabalhos Burtonianos.

Só para esclarecer, o livro é de Neil Gaiman, sim, o sensacional autor de quadrinhos como Sandman e de muitos outros contos fantásticos. O livro é um pouco mais grotesco e chocante que o filme, mas, respeitemos as adaptações cinematográficas. Pois qualquer possível besteirinha foi muito bem compensada pelos efeitos estéticos e trilha sonora (agradecimentos internos a Bruno Coulais), além de uma abordagem simples e ao mesmo tempo original.

*Tem o quadrinho também, que não deixa de ser muito bem elaborado. Só posso dizer que o filme é impressionante e bastante fiel as suas outras produções.

Coraline é filha única de um casal e tem nove anos de idade, que, se muda com seus pais para uma nova casa. Em meio a sua adaptação ao novo lugar, ela encontra uma porta que guarda um lado ‘diferente’ do mundo que ela conhece. Então várias coisas passam a acontecer e ela se percebe metida numa ‘história mal contada’ com muitas situações amedrontadoras e que questionam suas decisões de menina o tempo inteiro.

A história desenvolve o tempo todo durante seus contrastes coloridos, porém obscuros, um diálogo psicológico com o que queremos. Sabe aquela situação de quando criança? Que se pede muito por algo e a mãe não dá? Aquela briga por um boneco ou balão? Pois bem, a resposta é o fundamento e desfecho principal da história, que é “Cuidado com o que você deseja”.

Simplesmente recomendado, tanto para crianças quando para adultos. Umas das melhores animações já representadas no cinema (na minha humilde opinião).

Coraline e O Mundo Secreto > Dados fílmicos:

Lançado em 2009/EUA
Animação/Fantasia
Roteiro e Direção: Henry Selick
Elenco de dublagem: Dakota Fanning, Teri Hatcher, Jennifer Saunders, Dawn French, Keith David, John Hodgman

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=Js7wxoqeVK0

Um dos finalistas de um festival mundial de curtas (Tropfest) está fazendo marmanjos soluçarem de emoção (eu sou um deles).

Cargo, é o nome do curta produzido por  Ben Howling e Yolanda Ramke. Acompanhe nesse vídeo de 7 minutos o drama de um pai perdido com uma filha, essa com um pouco mais de 1 ano de vida, sendo que o pai sabe que está infectado e em pouco tempo vai se tornar um zumbi.

É claro que na prática eu tenho quase certeza que o plano “romântico” do pai não funcionaria. Mas essa não é a ideia desse vídeo.

CARGO

Para você parar de pensar no drama do pai zumbi, eu recomendo que assista também ao curta vencedor de 2013, WE’VE ALL BEEN THERE dirigido por Nicholas Clifford. Uma curiosidade é que o vencedor tem muito menos visualizações e clicadas no “gostei” do que o curta zumbi, é claro que boa parte disso se deve ao seguidores de The Walking Dead e adoradores de zumbis em geral.
E se tiver um tempinho sobrando veja outros belos curtas entrando no site oficial do festival (AQUI).

WE’VE ALL BEEN THERE (o video possui legenda do youtube para Português)

A grande Rockstar está fazendo um ótimo trabalho de suspense em relação às informações liberadas sobre GTA V. O primeiro trailer do jogo saiu dia 02 de novembro de 2011, levando os fãs ao delírio. Pouco mais de um ano depois, a produtora revelou seu segundo trailer, gerando expectativas ainda maiores e focando nos três protagonistas.

Hoje, dia 25 de abril de 2013, a Rockstar anuncinou que três trailers estão por vir. Cada trailer focando em um protagonista do game.

A imagem liberada pela Rockstar mostra os três nomes dos protagonistas e a data 30 de Abril para os trailers,

Agora só nos resta esperar para ficarmos ainda mais ansiosos.

GTA V será lançado no dia 17 de Setembro de 2013 para PS3 e Xbox 360 e já está disponível para pré-venda.

Confira os dois trailers já liberados pela Rockstar:

Trailer #1:

Trailer #2:

“Sabe Aqueles Filmes…” retorna com mais uma produção estrangeira, dessa vez com Aux Yeux De Tous, um filme francês do ano de 2012. A trama acompanha um hacker que tem acesso a toda e qualquer câmera que esteja ligada em Paris, conseguindo assim, acesso a um vídeo de um atentado terrorista a uma estação de trem que estava em um servidor anônimo, começando então a “perseguir” as pessoas responsáveis pelo ataque, deixando-as aterrorizadas.

Foi a sinopse que me chamou a atenção, mas logo nos primeiros 20 minutos de filme eu já estava pensando que ele não serviria para esta coluna, já que a finalidade dela é fazer indicações de filmes bons. Enganei-me. É um filme que surpreende em seu desenrolar, inteligente, apesar da facilidade que o hacker tem de acessar até mesmo webcams pessoais, coisa bem surreal, além de ter feito eu me sentido num filme da franquia “Atividade Paranormal” por causa das filmagens das câmeras de vigilância e afins. Um fato que achei super interessante, foi a não aparição do rosto completo do hacker, coisa que surge só no final do filme, mostrando que ele, apesar de tudo, é um cara “normal”.

A película foca principalmente em três personagens: Nora, Sam e Otar, e realmente fiquei fascinada com as coisas que aconteciam com eles de maneira tão rápida, que foi exatamente isso que acabou me conquistando. O filme nem é tão longo: com somente uma hora e quinze minutos, ele consegue transmitir a mensagem de maneira clara, nos deixar temerosos pelo que pode acontecer com os personagens e surpresos pelas reviravoltas, tanto que em vários momentos eu falei coisas exatamente iguais aos que o hacker falava quando via determinada cena, isso foi até engraçado porque, nesse ponto, a trama não fugiu da nossa realidade. Um ponto que foi considerado um ápice foi a aparição da bandeira símbolo do grupo Anonymous, que hoje é perseguido pelo FBI por “conspiração para acessar computadores sem autorização”.

Apesar do filme ser definido como terror (o que temos visto muito ultimamente, definições que nada tem haver com o gênero real do filme), ele tem uma levada de suspense, ação e drama constantes e crescentes, tornando-o interessante de se assistir. Com certeza, um dos filmes fora do eixo americano que vale a pena ser assistido com bastante pipoca e refrigerante.

Aux Yeux De Tous ganha nota 8,5 de 10.

Sinopse

A trama acompanha um jovem hacker que consegue furar firewalls e acessar as 673 mil câmeras das ruas de Paris, além de milhões de webcams. Mas seu prazer voyeur logo é substituído por uma intriga de suspense, ao testemunhar um ataque terrorista numa estação de trem. O governo acusa grupos islâmicos, mas o hacker sabe que a ação foi realizada por um casal francês. Obcecado, ele passa a perseguir os criminosos pelas câmeras das ruas, espionando-os em suas casas por webcams, e levando o terror até suas vidas. Mas há coisas que nem ele é capaz de ver.

Trailer

Galeria de Imagens

Muito tem se falado da nova era do universo Marvel, depois dos bons filmes que nos prepararam para Os Vingadores e do sucesso avassalador do filme do grupo de super heróis, a Marvel resolveu continuar suas franquias individuais.

Homem de Ferro 3 chegou prometendo continuar o sucesso dos Vingadores, Thor 2 já está pra chegar e logo o Capitão América e o Hulk também voltarão a dar as caras, isso sem falar dos incontáveis boatos sobre spin-offs que circulam diariamente pela web.

O novo filme de Tony Stark tem tudo o que os fãs do Homem de Ferro (pelo menos os fãs da franquia de filmes, já que a coisa mais difícil do mundo é encontrar alguém que era fã do Iron Man antes de Robert Downey Jr incorporá-lo nas telonas) gostam, temos Tony Stark e sua barbinha esquisita, temos a magrela  da Gwyneth Paltrow com aquela cara de sonsa que sempre faz sucesso (não sei por que) e temos um trailer muito, mas muito bem feito, o que me levou a pensar que o filme seria épico.

Pois é meus amigos, temos tudo isso, mas não temos Os Vingadores, e isso se tornou o maior dos problemas.

A ausência dos outros heróis me parece tão absurda depois que eles se uniram que evitou completamente a minha imersão no filme. A conversão muito mal feita para 3-D também atrapalhou bastante, é bem verdade.

O fato é que além da história do novo filme ser bastante fraca e os vilões não terem nenhum carisma (vou evitar comentar os vilões do filme para não dar nenhum spoiler) as bases científicas, que sabemos que em filmes de heróis precisam ser esticadas mais do que Reed Richards, são tão absurdas que não conseguimos engolir. Parece que os roteiristas do novo filme jogaram muito Infamous, mas não conseguiram manter um mínimo de coerência para convencer pelo menos as crianças de toda aquela história de pessoas explodindo e voltando como se nada tivesse acontecido.

Expectativa de um filme emocionante, o que não ocorreu

OK, admito que a culpa, pelo menos parcialmente, é também minha,  já que não consigo entender como o presidente dos Estados Unidos pode estar em perigo e o Capitão América, justo ele, não se prestar a ajudá-lo. Não consegui relevar Os Vingadores, o melhor filme de heróis desde Super Man em 1978.

Quem é esse cara mesmo?

Se ao menos o filme tratasse Os Vingadores como uma história paralela eu até compreenderia (talvez nem assim), mas não é o caso.  Os eventos do melhor filme da Marvel são citados no novo filme do Homem de Ferro, mais de uma vez, mas mesmo assim Tony Stark está sozinho, digo sozinho se não considerarmos o “War Machine” e o exercito de robôs a serviço de Stark. Digo robôs, por que armaduras que funcionam sozinhas não são armaduras, são robôs.

Mas que fique claro aqui que não desgostei totalmente do filme, claro que as cenas de ação estarão lá e o filme ainda vale um ingresso de cinema (mas atenção, não pague um centavo a mais pelo 3-D, não vale a pena) com belas explosões, e câmera-lenta pra tudo o que é lado. Vai agradar muita gente, principalmente quem conseguir abstrair Os Vingadores.

Mas a verdade meus amigos, é que como bem disse Tony Stark: “Nada mais é como antes após Nova York”.

Saindo do Cinema – Homem de Ferro 3

Fala galera beleza?

Dia 4 de Maio a força estará com você!

Acontecerá em São Caetano, aqui pertinho da capital, na Estação Jovem do ABC, o evento Star Wars Day.

Neste ano a Manolada da Força em parceria com a Estação Jovem vai trazer para você um evento cheio de atrações. Dá só uma olhadinha.

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- Show com repertório de anime da banda “IgniçãoT”
- Sala de dança com o “Grupo Dance Party”
- Venda de produtos geek
- Palestras e bate-papo com blogueiros
- Programação infantil e ensinamento para jovens padawans
- Caricaturas e pintura facial
- Exposição de colecionadores
- Cosplay de personagens da saga
- e muito mais…

Traga 1kg de alimento não perecível (menos sal e açúcar) e ganhe um cupom para participar dos SORTEIOS!

Alimentos serão doados para a instituição “Lar Samaritano da Mãe Operária” de SCS:

http://www.larsamaritano.org.br/

***ENTRADA GRATUITA***

Quando será?

Dia: 04 de Maio de 2013
Horário: 10:00 as 18:00hrs.
Local: Estação Jovem – Rua Serafim Constantino, s/nº – Piso Superior do Terminal Rodoviário Nicolau Delic. – Centro – São Caetano do Sul – Ao lado da Estação de Trem de São Caetano
Mapa: http://migre.me/dZeKR

Maiores informações acesse a fanpage: www.facebook.com/ManoladaDaForca

Fonte: https://www.facebook.com/events/161549560674822/

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E é claro, o programa Fique Por Dentro da Filmes e Games estará por lá para cobrir o evento e trazer até você imagens deste evento super legal.

Até lá pessoal!

A mais nova saga do universo Marvel atende pelo nome de “Vingadores VS. X-Men”, um confronto entre as duas maiores equipes da “Casa das Ideias”, que trará consequências avassaladoras para muitos personagens da editora. Lançada ano passado nos EUA, o arco de histórias chegou às bancas brasileiras em março deste ano e promete ser mais um sucesso, principalmente, porque as duas super equipes estão em alta nos cinemas.

O combate entre os dois grupos de heróis se dará por uma ameaça iminente à Terra e a forma como cada um a encara. Essa ameaça atende pelo nome de Fênix, entidade cósmica conhecida pelos leitores das histórias dos X-Men, que mais uma vez se aproxima do planeta para encontrar uma hospedeira e manifestar todo o seu poder.

Dessa vez, a hospedeira é Esperança, mutante acolhida pelo também mutante Cable, que a considera como sua filha. A garota é considerada uma “messias” para a comunidade mutante, principalmente, depois que a maior parcela da população “homo superior” foi exterminada no evento conhecido como “Dizimação”, quando a Feiticeira Escarlate retirou os poderes da maior parte dos mutantes, deixando apenas alguns com os dons especiais.

Por ter nascido com poderes após esse fato marcante, Esperança é tida por uns como a salvação da raça mutante, enquanto que outros a vêem como a causadora do fim de toda a espécie.

A fim de defender sua filha e sabendo o que ela faria no futuro, Cable volta aos dias atuais para enfrentar e aniquilar os Vingadores, por eles supostamente terem atacado a garota em seu tempo. Sem saber a razão, os heróis mais poderosos da Terra batem de frente com o mutante do futuro, o que acaba atraindo a atenção dos X-Men e da própria Esperança, que faz parte do time de mutantes. É importante lembrar que Cable tem pouco tempo de vida, já que o vírus tecnorgânico que o acompanha está se manifestando gravemente e o destruindo de dentro para fora.

Os Vingadores ainda não sabem o que está por vir, algo que os X-Men, liderados por Ciclope, pai de Cable, entende e procura evitar que a garota, cada vez mais buscando sua independência, encontre um destino horrível, assim como aconteceu com Jean Grey, o grande amor de Ciclope.

Num outro momento, a história mostra a Feiticeira Escarlate tendo que conviver com as consequências de seus atos extremos ocorridos na referida saga em que aniquilou a comunidade mutante, dentre elas, a não aceitação de seu marido, o Visão, como uma Vingadora digna de retornar ao seu convívio.

Todos os conflitos são a base para o verdadeiro evento, quando a Fênix finalmente chegar à Terra e pôr os heróis uns contra os outros numa batalha épica em que a sobrevivência de toda a raça humana estará em jogo.

Com roteiros de Brian Michael Bendis e Jeph Loeb, e arte de Frank Cho e Jason Keith, “Vingadores VS. X-Men #0” reúne as primeiras histórias que farão parte do mega evento da Marvel, inclusive estendendo-se em por revistas de outros personagens publicados pela Panini. É importante estar de olho nas edições especiais, assim como nos capítulos publicados nas edições de linha.

A edição especial tem preço de R$ 12,90 e possui 132 páginas.

Escolha seu lado e entre de cabeça nessa batalha!

Hoje, o Cine Olympia, localizado na cidade de Belém do Pará, completa 101 anos de funcionamento no Brasil, o mais antigo do país se considerado que sempre esteve no mesmo lugar e não parou as suas atividades durante um longo período de tempo.

O Olympia foi fundado no dia 24 de abril de 1912 pelos empresários Carlos Teixeira e Antonio Martins, donos do Grande Hotel (onde hoje está localizado o Hilton Hotel). Eles queriam fazer do cinema um ponto “chique” para atrair os frequentadores do Theatro da Paz e, obviamente, os hóspedes de seu hotel.

No fim dos anos 30 a empresa Teixeira & Martins vendeu o cinema a um banqueiro que revendeu ao exibidor cearense Luís Severiano Ribeiro, já dono de salas em diversos estados do Brasil. No decorrer dos anos pouco se fez pelo prédio e suas instalações, e anos atrás o cinema atravessava uma fase sem brilho, embora ainda atraísse os fãs. Depois da medida extrema de Ribeiro Neto de fechar o cinema, o então prefeito da cidade, Duciomar Costa, resolveu atender aos apelos da sociedade que compareceu em massa à sessão de despedida, assinando um contrato com o proprietário da casa para mantê-la como espaço cultural.

Confira a programação especial de aniversário do cinema:

Programação 101 ANOS DO CINEMA OLYMPIA 
Hoje o cinema Olympia completa 101 anos de atividades confirmando mais uma vez sua importância histórica e cultural para o estado do Pará. Sendo o cinema mais antigo do Brasil em funcionamento, o cinema Olympia é uma referência cinematográfica para todos os paraenses sendo administrado desde 2006 pela Fundação Cultural do Município de Belém. Com uma programação selecionada que dá prioridade a qualidade na exibição de filmes, o cinema Olympia comemora seus 101 anos de fundação com uma programação especial com músicos paraenses de renome e a exibição especial do filme “Aurora” de F. W. Murnau, realizado na época do cinema mudo e que terá acompanhamento musical ao vivo do grande pianista Paulo José Campos de Melo, em parceria com Fundação Carlos Gomes.

Dia 24/04/13
19:00 h
Apresentação do músico Robenare Marques executando o tema musical do centenário do cine Olympia (de sua autoria) e trilhas sonoras de filmes como “Em Algum Lugar do Passado” e “Tempos Modernos”.

19:15 h
Apresentação do músico Salomão Habbib executando a suíte OLYMPIA (de sua autoria) feita em homenagem ao cinema Olympia.

19:30 h Exibição do filme AURORA (1927) de F. W. Murnau com acompanhamento musical ao vivo do pianista Paulo José Campos de Melo.

ENTRADA FRANCA 
*a entrada de espectadores deverá obedecer o limite de lotação do cinema 
*a programação poderá sofrer alterações no seu horário

Fonte da programação: Espaço Municipal Cine Olympia

Fachada do cinema na época da inauguração

Fachada atualmente

Inauguração do cinema em 1912

Cinema nos dias de hoje

Que tal discutir conosco em mais um episodio do Saindo do Cinema.

Clique em Gostei no video para continuar ajudando o nosso canal e leia a crítica completa desse filme AQUI

“Thor 2: O Mundo Sombrio”, a nova aventura do “deus do trovão” que chega aos cinemas brasileiros em novembro deste ano teve seu primeiro trailer divulgado. Pelo que se vê, este filme terá muito mais cenas de ação, principalmente em Asgard e em outros dos nove mundos. Além disso, uma terrível ameaça parece pairar sobre nosso planeta, mais uma vez, o que traz Thor (Chris Hemsworth) como um guerreiro amadurecido e confiante para nos defender, assim como seu grande amor, Jane Foster (Natalie Portman), que finalmente irá conhecer a terra natal do guerreiro.

Mas não há nada de romance nisso, muito pelo contrário, já que Jane estará no meio do fogo cruzado entre as forças asgardianas e seus inimigos. Isso sem falar de Sif (Jamie Alexander), que ainda nutre uma paixão pelo filho de Odin (Anthony Hopkins).

Em meio a tudo isso, Loki (Tom Hiddleston) apenas observa e aguarda o momento de sua vingança contra seu meio-irmão e contra a humanidade. Se você não esteve nos últimos anos em Niflheim, sabe do que estou falando.

O primeiro trailer de “Thor 2: O Mundo Sombrio” é recheado de ação e anuncia mais uma boa produção baseada em quadrinhos, provando que a “Fase 2″ da Marvel no cinema está chegando para fazer o mesmo sucesso que sua antecessora.

Vamos aguardar.

Que melhor forma de começar a falar de filmes de Ficção Cientifica numa coluna que induz sobre criação de mundos do que Cidade das Sombras?

Cidade das Sombras (Dark City, 1998), é o típico filme que devido ao lançamento de grandes blockbusters como Armageddon, Impacto Profundo, Godzilla e Arquivos-X, só para citar alguns, onde no qual o grande público não vai ter acesso a um ótimo filme por conta da falta de marketing dos produtores desse quase sumido filme.

E como diabos eu consegui achar esta pequena pérola? Da mesma forma que os cinéfilos que gostam de filmes obscuros europeus ou os adoradores de filmes brasileiros que existem por aí e ninguém ouviu falar, catando nas prateleiras das locadoras quando não se tinha mais nada de bom para assistir.

Sim, foi deste jeito que achei este pequeno, porém interessantíssimo, filme de Ficção Cientifica com um ar neo-noir. O ponto interessante deste título é que no seu começo não poderíamos dizer que ele seria de Ficção Cientifica até a primeira surpresa acontecer.

John Murdoch (Sewell) acorda numa banheira de um hotel, sofrendo de amnésia. Então o telefone toca e, ao atender, ele ouve a voz do Dr. Daniel Schreber (Sutherland), que pede para ele sair do Hotel, pois havia pessoas atrás dele. Durante a conversa, John descobre uma morta, junto com uma faca ensanguentada. Murdoch escapa do local do crime ao mesmo tempo em que um grupo de homens (conhecido como os Estranhos) chega ao quarto. E a partir daí começa a desenrolar da história.

Mas o que difere este filme dos demais sobre assassinato, mortes e perseguição policial? Aqui é bem simples, imagine você estar numa cidade onde nunca se viu a luz do dia, mas ninguém percebe isto, de tempos em tempos pessoas pobres ficam ricas, ricas ficam pobres, prédios somem outros aparecem, sim, agora está vindo a sua mente não é? Tudo está ficando mais claro, mais conciso, mais Matrix?

É isso mesmo caro leitor, vários conceitos que vimos em Matrix, o Blockbuster de 1999, estavam neste pequeno filme de 1998. Não vamos acusar que os produtores do filme da Warner copiou as ideias de Cidade das Sombras, mesmo porque nada se cria, tudo se transforma e estas ideias já existiam em vários outros filmes e livros que nem precisamos nomear aqui – sem contar que eu não saberia numerar todos -, mas, voltando ao assunto, sim, quando há um erro na Matrix, a mesma reprograma A Cidade para que tudo se ajuste a sua maneira e as pessoas presas em seus casulos de energia não percebam que o mundo ao seu redor é uma mentira.

A diferença maior entre Matrix e Cidade das Sombras é que, enquanto todo mundo está numa simulação do mundo real no primeiro, os personagens do segundo sofrem alterações físicas e psicológicas com implantes de memórias criadas pelo Dr. Schreber. As manipulações não são feitas através de um meio eletrônico, mas sim por criações físico-químicas injetadas através de uma agulha. Então caímos numa pergunta onde todo filme que trabalha com este tipo de enredo anseia que façamos: Somos apenas reflexos de nossas memórias? E quando fabricamos o passado, já que o cérebro humano não é 100% confiável, nos tornamos aquilo que queremos?

Cidade das Sombras brinca laboriosamente bem com a questão de memórias e manipulações, com vários elementos surpreendentes, apesar do título, por vezes, ter um compasso bem lento, faz com que fiquemos tensos para a sua conclusão, apesar da inevitabilidade da mesma ser previsível. Com um ótimo elenco, Rufus Swell (A Lenda do Zorro, O Ilusionista, Jornada pela Liberdade), William Hurt (Nos Bastidores da Noticia, Michael, Perdidos no Espaço, Duna), Kiefer Sutherland (Os Garotos Perdidos e 24 horas, estes dois já bastam para mim) e Jennifer Connelly (Labirinto – A Magia do Tempo, The Rocketeer, Réquiem para um sonho) e outros grandes atores, se o filme tivesse sido, na época, melhor propagandeado, certamente seria mais conhecido.

Vale a pena conferir!

1- Fernanda Cioni 

No último sábado (20/04) estreou na Disney XD o seriado de humor Crash & Bernstein. Na mesma pegada de Muppets, onde humanos interagem com um fantoche, esse seriado promete conquistar a atenção da criançada.

Veja um teaser abaixo do seriado

E para comemorar esse estreia a Filmes e Games tem uma nova promoção entrando no ar. Sortearemos 10 camisetas e não é apenas uma simples camiseta, mas sim a camiseta oficial que o personagem principal (o fantoche) usa no seriado.

Para concorrer basta responder de forma original e criativa a pergunta abaixo e ficar na torcida para que a sua frase seja uma das escolhidas.

As frases vencedoras serão escolhidos com base nos seguintes critérios:

1- Criatividade e bom humor

2- Adequação ao tema

3- Bom uso da língua portuguesa

As 10 respostas mais DIVERTIDAS serão escolhidas.

Coloque a sua frase nos comentários abaixo e boa sorte, você tem até o dia 9  de Maio, o resultado será divulgado no dia 10 de Maio.

Os ganhadores tem até 5 dias para enviar os dados (nome completo, CPF e endereço completo) para o e-mail contato@filmesegames.com.br

Um dos desenhos animados mais queridos dos anos 80 era “Muppet Babies”, lançado em 1984, uma versão infantil dos famosos personagens criados por Jim Henson, que já faziam sucesso na televisão desde os anos 70, com seu programa cheio de esquetes e convidados especiais.

A ideia da série animada, exibida pela NBC, veio do filme “Os Muppets conquistam Nova York”, mais precisamente, na passagem em que Miss Piggy imagina-se crescendo junto de sua paixão, o sapo Caco. A animação mostrava as aventuras diárias dos pequenos Muppets num quarto de berçário, aprontando mil e uma confusões sempre que a babá deixava o quarto. Assim como em “Tom & Jerry”, víamos apenas as pernas da babá, com suas meias listradas em verde e branco e seu vestido rosa.

Produzida pela The Jim Henson Company e pela Marvel Productions, a série era exibida nos Estados Unidos em blocos de 60 ou 90 minutos, tendo aproximadamente 30 minutos cada episódio.

Os Muppets mais populares faziam parte do “elenco” de personagens da animação: o sapo Caco (recuso-me a chama-lo de Kermit, apesar desse ser seu verdadeiro nome), a porquinha cor-de-rosa Piggy, o urso metido a comediante Fozzie, o cão músico Rowlf, os gêmeos Scooter (o gênio da turma) e Skeeter (a esportista), o “esquisito” Gonzo, sempre acompanhado de sua galinha de borracha Camila e Animal, o mais “amalucado”. Ao longo dos episódios, havia várias participações especiais de outros personagens, como o Dr. Bunsen Honeydw e seu assistente Beaker, além de Robin, o sobrinho de Caco (bebê tem sobrinho?), Janice e Bean Bunny.

Se no programa de televisão, cantores, artistas e celebridades dividiam a tela com os Muppets, no desenho animado, os personagens interagiam não com versões animadas dessas pessoas, mas com cenas de filmes, imagens de programas de T.V. e tudo mais que a imaginação dos criadores pudesse inventar. Era comum um pequeno abrir uma porta e se deparar com um “cruzador imperial” de “Guerra nas estrelas” ou a graciosa Piggy receber uma cantada de um ator famoso, como Tom Selleck, por exemplo.

O foco do desenho era a imaginação dos personagens, que criavam suas brincadeiras e inventavam uma aventura a cada dia, geralmente satirizando situações mostradas em filmes ou outras mídias. Num episódio em que Scooter fica doente, eles aprendem que os anticorpos combatem a gripe e embarcam num pequeno submarino para viajar por dentro do corpo do garoto, como no filme “Viagem Insólita”. Cenas desse filme são apresentadas no episódio.

Uma das muitas referências a “Guerra nas estrelas” feitas na série.

Aliás, paródias de filmes eram corriqueiras nos episódios, dos clássicos filmes de monstros, passando pelas aventuras dos anos 80 e até mesmo os próprios filmes dos Muppets. Grandes sucessos como “Guerra nas estrelas”, “Indiana Jones” e “De volta para o futuro” eram usados para deixar as aventuras ainda mais divertidas.

Tudo à sua volta se transformava em motivos e objetos para viver as aventuras. Uma cortina se transformava em uma lula gigante numa aventura submarina ou papeis e lápis coloridos se transformavam num jornal para a babá, que não pôde ler o de verdade por ter se molhado com a chuva. Eles voltavam à realidade sempre que a babá abria a porta do quarto.

O desenho contou com personagens divertidos e carismáticos, que encantavam a garotada, tanto pelo traço gracioso como pelo tom leve e descontraído das histórias, sempre com bastante música. Quem não se lembra da canção-tema da série, executada pelos personagens, que iam sendo apresentados um a um na abertura dos desenhos?

O sucesso da série foi tanto que gerou produtos como brinquedos.

A ideia de “versões baby” para personagens conhecidos de televisão deu origem a outras séries, sobretudo, nos anos 90, como “Tiny Toon” (versões dos Looney Toones, apesar de não serem os personagens infantis, mas algo como sobrinhos deles), “O pequeno Scooby-Doo” e “Os Flintstones nos anos dourados”.

No Brasil, o desenho foi dublado nos famosos estúdios Herbert Richers, por um elenco de primeira qualidade, que ajudou em muito a construir as lembranças que os fãs têm dessa série. Caco tinha a voz de Armando Fraga, Piggy foi dublada por Miriam Ficher, Fozzie dava seus “Wacka, wacka, wacka” graças a Nizo Neto, a voz do Gonzo era de Márcio Simões, Rowlf era dublado por José Leonardo, o grande Mario Monjardim fazia a voz do Animal (além disso, dirigiu a dublagem da série), Scooter era interpretado por Oberdan Junior, Skeeter por Sheila Silva e Souza, Bunsen era dublado por Sérgio Galvão, Robin por Marco Antônio Costa e a babá era dublada por Nádia Carvalho.

Quem teve a chance de acompanhar as aventuras dos Muppet Babies nas tardes dos SBT nunca se esquece de como esse desenho era divertido e criativo, mostrando para as crianças muitas coisas que elas viriam a adorar caso se tornassem nerds como esse que aqui escreve. Com personagens simpáticos e aventuras engraçadas, a série “Muppet Babies” é um dos melhores exemplos da ótima safra de desenhos animados dos anos 80.

Sem dúvida, uma ótima lembrança, aliás, uma excelente memória animada.

Azar do Personagem é um livro inusitado. A proposta aqui é apresentar várias situações do cotidiano, vários momentos que vemos todo dia enquanto passamos pela rua – ou até mesmo sem sair de casa – da forma como eles realmente são: esdrúxulos, infelizes e comicamente trágicos.

O autor é Reginaldo Pujol Filho, de Porto Alegre, redator publicitário e autor. Antes do Azar do Personagem, publicou contos nas antologias 101 que Contam e Histórias de Quinta. Depois do Azar, já publicou Quero ser Reginaldo Pujol Filho e Desacordo Ortográfico pela Não Editora.

O livro é uma coletânea de contos ambientados em qualquer lugar, com personagens que poderiam ser qualquer pessoa, inclusive você – na verdade, com certeza você já esteve na pele de algum personagem dele. São cenas banais de pessoas infortunadas, que vão desde um acidente de transito, ao difícil diálogo entre um pai e um filho, até a problemas sexuais – sim, aqueles problemas que só nunca teve quem mente.

E Reginaldo brinca tanto com o azar dos outros quanto com a escrita. Cada cena é palpável tanto por fazer parte do nosso dia a dia quanto pelos recursos de linguagem empregados. O autor praticamente desenha com as letras, estampa – e esfrega – na nossa cara os momentos da nossa vida em que rimos para não chorar – usando metáforas, metalinguagens e inventando usos novos da nossa língua quando necessário.

E tudo isso num tom descontraído e natural. Afinal, de qual outra forma encarar a vida? O livro não tenta passar nenhuma lição de moral, apenas retratar o que vivemos. Às vezes, estamos à mercê das circunstâncias e nos damos mal. É comum, é cotidiano, é banal. Ler o Azar do Personagem é ler a rua onde vivemos, é ler nosso trabalho, é ler nossas relações, mas, em vez de enfeitá-los com flores e arco-íris ou entupi-los de filosofia e reflexão, pô-los sob as Leis de Murphy – o que deixa o livro muito mais próximo da verdade do que as opções anteriores.

Em suma, o Azar do Personagem é excelente. Uma leitura fácil e leve que te faz rir não do livro, mas de si mesmo. Eu gosto de fábulas cósmicas e aventuras épicas, mas me fez muito bem quebrar o gelo com este livro que me parecia divertido – e acabou sendo hilário.

Kunda. Stratta. Montosa. Canda.

Evil Dead – A Morte do Demônio é com certeza um dos filmes de terror trash mais cultuados de todos os tempos. O filme de 1981 que contou com um orçamento baixíssimo, ainda consegue assustar (e divertir) todos que o assistem. Isso graças à originalidade do seu diretor o até então novato Sam Raimi.

Agora em 2013, mais de 30 anos após o lançamento do filme, caiu nas mãos do diretor Fede Alvarez a missão de trazer de volta à vida esse clássico. Dessa vez com um orçamento bem maior e a pressão de uma legião de fãs, uma única pergunta pairava no ar: Teremos um bom filme? E eu só tenho uma resposta pra dar: SIM!

A história do novo filme segue uma linha muito parecida com o original. Mia (Jane Levy) uma viciada em heroína, vai para a cabana da família junto de seu irmão David (Shiloh Fernandes) e seus amigos Olivia (Jessica Lucas), Eric (Lou Taylor Pucci) e Natalie (Elizabeth Blackmore). Mas acabam encontrando o Livro dos Mortos, e após lerem uma passagem do livro, acabam libertando um demônio que não vai parar até devorar a alma de todos eles!

Mesmo com um roteiro muito similar ao original o remake já se destaca nos minutos iniciais, com uma excelente sequência que apresenta o demônio, antes dos eventos principais do filme, além de explicar um pouco os motivos de o livro estar na cabana. A nova versão também apresenta cenas mais “fortes” que o original, se mostrando um filme bem “gore” em muitas cenas, o que pode de fato assustar e muito os mais desavisados, ou divertir em muito os entusiastas do gênero.

A maquiagem e os efeitos-especiais do filme estão de parabéns. Foi alegado que o filme não usaria CG em momento algum, que todos os efeitos do filme seriam práticos, e quer saber de uma coisa? Ficaram incríveis.Com destaque, é lógico, para as cenas de possessão e ataque do demônio.

“We’re gonna get you, We’re gonna get you” – Referência clássica que acabou ficando só no trailer.

O ritmo do filme também segue mais ou menos o do original, com um começo um pouco mais lento, mas que acelera muito a partir do momento em que os infelizes leem o livro. Digo que o filme não é necessariamente assustador, embora muita gente vá com certeza se assustar, eu achei o filme muito mais perturbador e agonizante. As cenas do ataque do demônio, decepamentos e afins, davam muita agonia de serem vistas e a tensão se mantinha ininterrupta. Acredite, depois que as palavras do livro forem recitadas, você só vai relaxar quando o filme terminar.

Acho que um ponto negativo no filme, é a flata de um personagem marcante. Para os fãs da série, é só ouvir “Evil Dead” e na hora vem a nossa cabeça o senhor Bruce Campbell com sua Serra-elétrica, o inesquecível Ash. Agora em A Morte do Demônio não temos nenhum personagem muito carismático, e nem temos um aprofundamento muito bom neles, a exceção fica por conta dos irmão David e Mia, mas mesmo assim é algo muito raso.

Outro detalhe que ajuda em muito essa tensão é com toda a certeza a trilha sonora do senhor Roque Baños, que traz um clima pesado para as cenas chaves do filme.

Agora você, fã de carteirinha dos filmes originais vai com toda a certeza perguntar: Muitas referências ao filme original?

E como! O filme por mais que tente tomar um rumo diferente do original, manteve elementos obrigatórios para poder ser chamado de A Morte do Demônio. A clássica câmera que se movimenta pela floresta (Ou como gosto de chamar o FPD ou First Person Demon), o carro de Sam Raimi que apareceu em todos os filmes e é claro os galões de vômito e sangue, que já são marca registrada da franquia. E por falar em sangue só deixar registrado que no filme foram usados cinquenta mil galões de sangue e afins, para fazer literalmente chover sangue!

Com um uso excelente de fotografia, trilha-sonora, sangue e referências, Evil Dead – A morte do Demônio já se tornou de longe um dos melhores filmes de terror que eu já vi, e com certeza vai satisfazer tanto os fãs da franquia como aqueles que só querem ir ao cinema para se divertir, super recomendado. E fiquem na sessão até o final dos créditos, uma surpresinha os aguarda!

E se vocês não acreditam em mim, perguntem para o Ash o que ele achou do filme!

Trailer do Filme:

Nesse últimos dias o Crackle Brasil completou 1 ano de vida e lançaram uma interessante retrospectiva, veja abaixo

Pessoalmente eu acho o canal uma excelente opção tanto em relação a Netflix quanto a TV a cabo. E se você ainda não visitou o canal da Sony, eu te dou a dica para começar a “xeretar” por lá e ainda fica a dica de assistir aos belos conteúdos abaixo:

Comediantes em carros tomando café – Uma excelente série com o Jerry Seinfeld (veja mais AQUI)

O Crítico – Uma animação dos mesmos criadores de Os Simpsons e tão boa quanto (e até melhor em alguns episódios)

E se você está afim de pegar um bom filme ao invés de um seriado, pode encontrar alguns bons filmes (e até clássicos) como esses abaixo:

Senhor das Armas

Closer- Perto Demais

Conta Comigo

Crash: No Limite

Encontro às escuras (veja mais AQUI)

O Grande Anjo Negro (veja mais AQUI)

É claro que filmes que estão passando ainda nos cinemas ou que acabaram de ser lançados em home video, não vão entrar tão cedo nessa lista, até por que iria contra todas as regras  mercadológicas existentes. Então aproveite que você não está pagando nada mesmo e se divirta com essas boas dicas acima.

Confesso que ao ler a descrição do jogo, fiquei MUITO animado para jogá-lo, porém a cada corredor escuro em que eu passava, fui ficando mais entediado.

O jogo não tem história ou um objetivo claro, o personagem simplesmente surge numa sala com várias entradas, e o jogador, obviamente, escolhe uma para seguir caminho. O problema é que a escuridão não te dá um rumo certo, e muitas vezes quando você consegue andar pra algum lugar, você percebe que acaba voltando para o mesmo lugar, tendo que escolher outra entrada ou caminho diferente. Fiquei o tempo todo andando, esperando alguma coisa saltar na minha tela, tentando outros caminhos e nada acontecia…

Depois de muito tempo andando sem rumo (Aproximadamente uns 5 minutos) esse urso de pelúcia aparece brilhando no meio do escuro, aí já pensei “Beleza, agora a coisa ficou séria!”. Só que não deu em nada. Fiquei me preparando psicologicamente para o susto, mas nada além de um urso de pelúcia caído no chão.

No começo, por conta do escuro, a tensão era muito grande. A qualquer momento, alguma coisa poderia surgir e atacar meu personagem, mas depois de alguns minutos jogando, eu já não via a hora de alguma coisa me matar pra eu poder parar de jogar. No final, acabei achando um buraco num corredor e me joguei. Não aguentava mais jogar um jogo tão entediante.

Pesquisei algumas imagens do game e vi que havia muita coisa que eu não havia encontrado, então comecei a pensar que o problema era comigo. Eu imaginei que estava jogando da forma errada, deixando passar alguma coisa importante, mas procurei alguns gameplays e percebi que não fui o único a me decepcionar com o game. Muitos jogadores reclamaram de que jogo é “sem nexo”, e eu não posso discordar. Acho que se houvessem menos possibilidades de caminhos e uma direção direta para o objetivo, que no caso é escapar do labirinto, o jogo seria melhor, ou pelo menos não ficaria essa coisa monótona de ficar andando perdido por 5 minutos pra encontrar um ursinho de pelúcia. O jogo ainda está em versão de testes, então imagino que alguma coisa deve melhorar. Quem sabe essas reclamações de tantos jogadores chegue aos ouvidos da produtora e resolvam dar uma repaginada no game?

Minhas notas para Dead Darkness são:

História:  Um 0 bem redondo.

Jogabilidade: 3. O jogo tem aquela mesma jogabilidade que a maioria dos jogos indie tem, só que reduzida. Você não tem uma laterna ou opção de atacar. A única coisa que o personagem faz é pular e pegar alguns objetos. Além de que o escuro, mesmo que proposital, atrapalha muito o fluir do game.

Cagaço: 4. É uma sala escura, com várias entradas… Claro que dá um leve cagaço no início, mas depois de um tempo a magia acaba.

“Mas e aí? Você e recomenda esse jogo?”

De jeito nenhum! Foi uma perda de tempo jogar esse game. Se você ficou curioso pra saber como é, aconselho a assistir alguns gameplays. Pelo menos dá pra dar umas risadas com os comentários dos jogadores.

Mas se você quiser testá-lo, a produtora disponibilizou o game AQUI. É só clicar, baixar e se divertir (Só que não).

E aí galera corajosa! Sobreviveram até aqui? Meu nome é Rhuan Passos e eu vou estar aqui com vocês falando sobre os melhores (ou piores) games de terror, todo dia 18 de cada mês, com a mais nova coluna Gelo na Espinha. Se você gostou do post, por favor, ajude a compartilhar.

O pai envia seu único filho a um mundo desconhecido na esperança de que ele seja um exemplo para toda uma raça, a partir de seus feitos. À beira da aniquilação total, esse pai, juntamente à sua esposa, acompanha os momentos derradeiros da criança naquele mundo e esperam que o futuro do pequeno bebê seja repleto de realizações na sua nova casa.

“Adeus meu filho. Que nossas esperanças e sonhos viagem com você.”

“Ele será um exilado. Vão matá-lo.”

“Como? Ele será um deus para eles.”

Uma longa jornada se inicia, quando uma história épica começa a ser escrita. Uma história como nenhuma outra. Uma existência vivida como a de muitos, mas que a todo o momento, anseia por uma mudança de rumo, pela possibilidade de ser e fazer algo que jamais foi feito e que nunca será esquecido.

“E se uma criança sonhasse em ser algo diferente do que a sociedade esperava? E se uma criança quisesse ser algo maior?

Não há como negar quem você é ou o que você pode fazer ao longo de sua vida. As possibilidades permitidas a você devem ser conhecidas e mostradas ao mundo, pois só assim o mundo irá saber quem você é.

“Acredito que você foi enviado pra cá por um motivo. E mesmo que leve o resto da sua vida, você deve a si mesmo descobrir qual é esse motivo.”

Essa história vem sendo escrita por atos heróicos e a necessidade de ajudar aos demais. Pelos valores aprendidos na infância, junto aos dons que carrega, o autor dessa história caminha passo a passo, dia a dia em rumo ao seu próprio destino. Um destino que não foi determinado, mas que se tornou a missão de um homem por toda a sua vida.

“Você dará ao povo da Terra um ideal para guiá-los. Eles perseguirão você. Eles fraquejarão. Eles cairão. Mas eventualmente eles estarão com você ao sol. Eventualmente, você os ajudará a fazer maravilhas.”

Assim nasce uma lenda, um mito, um herói que guiará um mundo esperando por uma esperança. Um homem que se lança aos céus para nos observar e garantir que estejamos seguros a todo instantes, mas mais do que isso. Ele quer que sejamos os mestres dos nossos destinos, compartilhando nossas vidas com as de todas as outras pessoas, vivendo ideias de justiça e verdade e acima de tudo, deixemos de lados nossos momentos de fraqueza para que possamos mostrar todo o nosso potencial como seres humanos.

É essa a missão daquele que veio dos céus e que aprendeu conosco como ser humano e busca nos ensinar como devemos ser humanos.

Todo esse tom épico é mostrado no mais novo trailer de “Homem de Aço”, a nova aventura do Super-Homem nas telas de cinema. O diretor Zack Snyder aposta nas cenas grandiloquentes de batalhas ao mesmo tempo em que toma como fio condutor de seu filme a jornada pessoal de Clark Kent para se conhecer e ser aquele que guiará a humanidade no caminho da sua própria salvação.

O filme, pelo trailer apresentado, mostra-se como uma empolgante aventura, cheia de batalhas entre o herói e seu inimigo, General Zod, que se mostra a antítese do personagem principal. Enquanto o Super Homem luta por justiça e verdade, Zod se mostra como um guerreiro sedento de poder e ódio pelo herói.

Percebe-se que não é apenas um pretexto para cenas fantásticas de combates entre os personagens alienígenas. A direção e o estilo de Snyder estão presentes, mas sua capacidade em explorar os dramas e as emoções humanas também se faz presente. Os produtores, liderados pela parceria Snyder/Christopher Nolan investiram num viés muito comum nos dias de hoje, que afasta o personagem de suas origens super-heróicas. Não é um personagem que está ali apenas para resolver o problema e salvar o dia no final da página.

O conceito do super-herói explorado no trailer e que é muito difundido em diversas histórias em quadrinhos nos dias de hoje está mais para as histórias mitológicas, em que super seres e grandes acontecimentos nada mais são do que formas alegóricas de contar aspectos da nossa própria condição de seres humanos. Somos criaturas que se espelham em exemplos para realizarmos muitas de nossas escolhas e nada melhor do que um herói vindo dos céus para nos inspirar a sermos mais.

Este trailer cheio de emoção me faz acreditar que a Warner/DC estão no caminho certo para retomar a história do Super-Homem nos cinemas. Não se trata mais de homenagear o clássico filme de 1978. Nem é uma tentativa de reiniciar a história do personagem na rela grande.

É um novo tempo, uma nova era para o personagem. Uma visão nova e humana sobre o maior de todos os super-heróis. Não nova no conceito, afinal de contas, essa perspectiva já foi feita em outras mídias. A inovação está em dar ao público uma experiência um pouco mais ampla que apenas um filme de ação e aventura ou uma mera adaptação de quadrinhos.

Os filmes de super-heróis nos últimos tempos têm apostado nesse elemento de história, para aprofundar a trama e dar ao espectador uma experiência mais complexa ao assistir ao filme. Os filmes de Zack Snyder têm essa característica, associada ao senso estético apurado e as sequências de ação apresentadas pelo diretor.

“Homem de Aço” é um novo passo na história do Super-Homem. Acredito que será uma história bem contada de uma das facetas mais extraordinárias desse personagem. É claro que tudo pode ser o contrário, mas com as pessoas envolvidas e os rumos escolhidos para se contar a história, acredito que esse filme vai ser um dos melhores do ano. Ou pelo menos, respeitoso ao personagem e aos seus fãs.

“Homem de Aço” estreia no Brasil no dia 12 de julho.

Na nossa coluna Botão Solitário já falamos dos bons e velhos games do console Atari. Passamos os olhos em títulos como: Enduro, Hero, Seaquest entre outros (veja AQUI).

Só que um dos games mais consagrados pelos brasileiros que saiu para o Atari talvez seja o game que os americanos mais tenham odiado.

Pac-Man, sim o clássico da Namco que foi adaptado e convertido pela Atari para os consoles Atari 2600.

Para a grande maioria dos brasileiros que não tiveram um contato na época com o arcade original (apenas poucos chegaram a conhecer) o Pac-man é considerado um dos melhores games que o console teve. É claro que se compararmos com o “fliper” tem uma grande discrepância entre os dois games, motivo da decepção dos americanos, mas para o público que conheceu o que era video game através de um Atari, esse jogo deixou boas recordações.

Versão do Arcade

Vamos lembra-lo

O jogo:

Um game de tela fixa onde o seu personagem está em um labirinto e precisa “comer” todas as pastilhas daquele labirinto e ao mesmo tempo fugir dos fantasmas que o perseguem.

Gráficos:

É claro que ao comparar diretamente os dois jogos é possível perceber uma imensa diferença entre os games. Por causa da limitação do Atari, as frutinhas que estavam nas telas dos arcades se transformaram apenas em quadrados. Outra diferença é as tonalidades de cores, sendo que o game do Atari é sim bem limitado

Som.

Por mais pobre que seja o som do game do Atari, ele acabou ficando mais marcado do que os sons do Arcade.

O game do Atari tem apenas 5 sons (efeitos sonoros)

1-      Quando o game começa

2-      Quando o Pac-man come as pastilhas

3-      Quando o Pac-man come a pastilha mágica.

4-      Quando o Pac-man come os fantasmas.

5-      Quando o pac-man morre

Sendo que esse último som é um dos mais reconhecido pelos gamers nostálgicos.

Desafio:

Como a maioria dos games de Atari, esse game aumenta a dificuldade a cada fase conquistada, sendo que as telas são praticamente as mesmas o que muda é a velocidade do jogo.

Jogabilidade e diversão

Se você já jogou Pac-man, com certeza já deve ter morrido no game e xingou o controle, afinal você até colocou para cima para que o seu personagem fugisse do inimigo e entrasse em uma área segura, mas ele não te obedeceu e deu de cara com o fantasma . Por mais que o controle fosse simples, apenas desviar sem precisar usar o botão, ele nem sempre era tão preciso, sendo que como muitos outros jogos de Atari, Pac-man também teve sua parcela de culpa em muitas quebras de joystick.

Mas esse problema de jogabilidade não era nem de longe algo que prejudicasse a diversão do game, até porque muitos jogadores já pegavam exatamente o “tempo” do jogo e acabavam antecipando um pouco mais os movimentos no controle e dessa forma conseguiam bater belos recordes.

Pac-man era um game que conseguia fazer uma boa divulgação do que era ter um videogame em casa, afinal era um jogo cativante e viciante, sendo que não tinha um público especifico para ele, qualquer adulto, ao ver seu filho jogar, acabava jogando também e alguns até viciavam no game. Ele pode ser considerado um dos primeiros games a ser voltado para toda a família.

Na época onde os cartuchos de videogames eram muito caros e as crianças não conseguiam ter uma coleção muito grande, o Pac-man sempre foi considerado um “coringa” e quase todo mundo que tinha o console Atari, também tinham esse game em sua coleção, e ele conseguia alegrar os finais de semana de muitas famílias.

Pac-man foi um dos primeiros “mascotes” do vídeo game e por mais que não saiam bons jogos dele hoje em dia, ele ainda tem um grande reconhecimento por tudo que já fez no passado.

Game recomendadíssimo.

Gameplay:

Bons game e até a próxima

Fui pro game…

Em 1997, durante as comemorações pelo 20º aniversário de “Star Wars – Episódio IV”, foi lançado um “box” especial ainda em VHS com os filmes da trilogia clássica criada por George Lucas, com uma série de modificações em algumas cenas, feitas pelo próprio criador, além de imagem e áudio restaurados.

No Brasil, os filmes receberam uma dublagem de altíssima qualidade, sob a direção do experiente dublador Pádua Moreira, que além de comandar a “versão brasileira”, também emprestou sua voz ao personagem Darth Vader. O elenco de dubladores escolhido possuía uma série de nomes conhecidos na área, que fizeram um excelente trabalho, entre eles,  Marcus Jardym (Luke Skywalker), Vera Miranda (Leia Organa), Guilherme Briggs (Han Solo), Isaac Bardavid (Obi-Wan Kenobi), Carlos Seildl (C3PO), Pietro Mário (Yoda), o saudoso Darcy Pedrosa (Grand Moff Tarkin), Julio Chaves (Lando Calrissian) e Orlando Drummond (Imperador Palpatine). O texto dos filmes foi traduzido por Alan Lima.

Com uma ótima qualidade de áudio e ótimas interpretações, essa dublagem é uma das melhores feitas para uma série de cinema, tanto que permaneceu nas versões lançadas posteriormente, como em DVD e mais recentemente em Blu-Ray. Relançamentos são comuns em se tratando de “Star Wars”, como todo fã dos filmes sabe.

As gerações mais novas de fãs conhecem essas versões e aqueles que gostam de dublagem brasileira, sabem que o resultado do trabalho dos profissionais rendeu um fabuloso resultado final. A “interpretação malandra” de Briggs para Solo é fantástica, assim como o tom sombrio de voz dado a Vader por Pádua. Esses são apenas alguns aspectos a se destacar nessa versão.

O que os fãs mais jovens talvez não saibam, é que essa não é a primeira dublagem brasileira para esses filmes. Nos anos 70 e 80, quando esses filmes foram lançados originalmente, a famosa empresa de dublagem HERBERT RICHERS foi responsável pela primeira dublagem dos filmes, que na época eram apresentados como a trilogia GUERRA NAS ESTRELAS. O primeiro filme, que a partir de 1997 foi rebatizado com seu nome original, STAR WARS – EPISÓDIO IV – UMA NOVA ESPERANÇA, era simplesmente chamado de GUERRA NAS ESTRELAS.  É interessante notar que nem mesmo no texto inicial do filme, o referente episódio é mencionado.

Como a maioria das produções cinematográficas que chegavam ao Brasil passava pelos estúdios do Rio de Janeiro, os filmes da trilogia de Lucas receberam um tratamento especial por parte dos profissionais e artistas, tornando essa, uma das mais clássicas e célebres de toda a história.

O elenco original de dubladores contava com alguns dos melhores profissionais da época, além de jovens talentos que se tornariam verdadeiros mestres a partir dali. O talentoso ator, comediante e dublador Francisco Milani era quem dava a voz a Han Solo no primeiro filme, além de narrar o texto de abertura. Silvio Navas, um dos mais versáteis dubladores brasileiros de todos os tempos emprestava seu talento ao vilão Darth Vader. Um jovem Mário Jorge dublava Luke Skywalker, enquanto o mestre Orlando Drummond criou uma voz inesquecível para o ciborgue de relações humanas, C3PO, que na época, era chamado apenas de 3PO, enquanto que seu companheiro R2D2 era chamado de “Ár Two” (R2), o que fez com que muita gente pensasse que o nome do dóide fosse “Arthur”.

O já citado Darcy Pedrosa dublava o tio de Luke, Owen Lars, enquanto que a heroína da história, a princesa Leia Organa era dublada por Ilka Pinheiro. Older Cazarré e Garcia Neto, dois saudosos mestres, dublaram Greedo e Grand Morf Tarkin, respectivamente.

Das duas versões, o único ator que dublou o mesmo personagem foi Isaac Bardavid, que foi a voz de Obi-Wan Kenobi. Contudo, na primeira versão, ele dublou o personagem apenas no filme original, sendo substituído nos outros dois por José Santa Cruz.

“Guerra nas estrelas” contou ainda com as vozes de Orlando Prado, Júlio César, Carlos Marques, Francisco José, André Luiz “Chapéu” e Marcos Miranda.

Nos dois episódios seguintes, “O Império contra-ataca” e “O retorno de Jedi”, alguns dubladores foram substituídos. Garcia Junior ficou com o papel de Han Solo, Mônica Rossi dublou a princesa Leia, José Santa Cruz dublou Obi-Wan e Marco Antônio passou a ser a voz de C3PO.

Outros nomes conhecidos pelos fãs da dublagem integraram o elenco, como André Filho no papel de Lando Calrissian, Magalhães Graça como Yoda (numa voz perfeita do célebre dublador do Senhor Myagi, de Karatê Kid), Ionei Silva como o Imperador Palpatine, e outros nomes como Francisco José, Francisco Turelli, Paulo Flores e Dolores Machado.

Essa dublagem clássica foi gravada para a exibição do filme na televisão pela primeira vez na extinta T.V. Manchete e depois nas exibições feitas na Rede Globo. Confesso que tenho vagas lembranças dessa versão, porque eu assistia aos filmes quando era bem criança. Mas graças à tecnologia da Internet, pude rever alguns trechos e relembrar.

Ótimos profissionais que fizeram um trabalho excelente e marcaram termos na memória afetiva, tais como “Falcon Milênio” e “Estrela Mortal”, além do maior de todos, “O Lado Negro da Força”.  Comparando com a nova versão, o texto possui algumas diferenças, sobretudo, em relação à interpretação pessoal dos dubladores, o que confere uma independência criativa da parte de cada uma.

Como fã e defensor da dublagem brasileira, eu considero a primeira dublagem de “Guerra nas estrelas” um verdadeiro e inestimável tesouro, que deveria ser compartilhado com todas as pessoas que não tiveram a chance de conhecê-la. Encontrar essa dublagem é mais difícil que achar fã que gosta do Jar Jar Binks, mas mesmo assim, é possível achar trechos na rede mundial de computadores.

Tenho esperanças sempre renovadas de que um dia essa versão seja disponibilizada para todos. É uma forma mais que justa de reverenciar os mestres da dublagem que já nos deixaram e os que ainda estão conosco, todos eles que marcaram as vidas de muitos fãs.

A primeira dublagem de “Guerra nas estrelas” fez história e proporcionou que muitas pessoas se tornassem ainda mais fãs da saga de George Lucas, inclusive aqueles que participaram da segunda dublagem, como Guilherme Briggs, um fã assumido da série, que fez um trabalho respeitoso ao original, dando a sua própria interpretação pessoal e conseguindo um ótimo resultado.

Enfim, um célebre momento na história da dublagem, que jamais se perderá enquanto existirem aqueles que consideram a “versão brasileira” como uma arte das mais nobres e emocionantes.

QUE A FORÇA ESTEJA COM VOCÊS! E QUE A DUBLAGEM BRASILEIRA PERMANEÇA SEMPRE CONOSCO!

O MTV Movie Awards, premiação que escolhe os melhores do ano no cinema de entretenimento de acordo com votação popular (entenda-se público jovem), foi realizado na noite de ontem, 14 de abril de 2013. O grande destaque foi ‘Os Vingadores”, que recebeu três troféus. Não é que a garotada anda sabendo das coisas. A cerimonia foi apresentada pela atriz e vencedora na categoria “revelação” Rebel Wilson

Confira abaixo a lista dos indicados e premiados (em negrito):

Filme do ano
Os Vingadores – The Avengers
Batman – O Cavaleiro das Trevas Ressurge
Django Livre
O Lado Bom da Vida
Ted

Melhor Performance Masculina
Bradley Cooper (O Lado Bom da Vida)
Ben Affleck (Argo)
Daniel Day-Lewis (Lincoln)
Jamie Foxx (Django Livre)
Channing Tatum (Magic Mike)

Melhor Performance Feminina
Jennifer Lawrence (O Lado Bom da Vida) 
Rebel Wilson (A Escolha Perfeita)
Anne Hathaway (Os Miseráveis)
Mila Kunis (Ted)
Emma Watson (As Vantagens de Ser Invisível)

Melhor Revelação
Rebel Wilson (A Escolha Perfeita) 
Ezra Miller (As Vantagens de Ser Invisível)
Eddie Redmayne (Os Miseráveis)
Suraj Sharma (As Aventuras de Pi)
Quvenzhané Wallis (Indomável Sonhadora)

Melhor Dupla em Cena
Mark Wahlberg e Seth MacFarlane, como Ted (Ted) 
Leonardo DiCaprio e Samuel L. Jackson (Django Livre)
Bradley Cooper e Jennifer Lawrence (O Lado Bom da Vida)
Robert Downey Jr. e Mark Ruffalo (Os Vingadores)
Will Ferrell e Zach Galifianakis (Os Candidatos)

Melhor Performance Sem Camisa
Taylor Lautner (A Saga Crepúsculo: Amanhecer – Parte 2) 
Christian Bale (Batman – O Cavaleiro das Trevas Ressurge)
Daniel Craig (007 – Operação Skyfall)
Seth “Ted” MacFarlane (Ted)
Channing Tatum (Magic Mike)

Melhor Luta
Robert Downey Jr., Chris Evans, Mark Ruffalo, Chris Hemsworth, Scarlett Johansson e Jeremy Renner X Tom Hiddleston (Os Vingadores) 
Mark Wahlberg X Seth “Ted” MacFarlane (Ted)
Daniel Craig X Ola Rapace (007 – Operação Skyfall)
Christian Bale X Tom Hardy (Batman – O Cavaleiro das Trevas Ressurge)
Jamie Foxx X Capangas de Calvin Candie (Django Livre)

Melhor Atuação Apavorada
Suraj Sharma (As Aventuras de Pi) 
Jessica Chastain (A Hora Mais Escura)
Alexandra Daddario (O Massacre da Serra Elétrica 3D – A Lenda Continua)
Martin Freeman (O Hobbit: Uma Jornada Inesperada)
Jennifer Lawrence (A Última Casa da Rua)

Melhor Beijo
Filme do ano
Os Vingadores – The Avengers
Batman – O Cavaleiro das Trevas Ressurge
Django Livre
O Lado Bom da Vida
Ted

Melhor Performance Masculina
Bradley Cooper (O Lado Bom da Vida)
Ben Affleck (Argo)
Daniel Day-Lewis (Lincoln)
Jamie Foxx (Django Livre)
Channing Tatum (Magic Mike)

Melhor Performance Feminina
Jennifer Lawrence (O Lado Bom da Vida) 
Rebel Wilson (A Escolha Perfeita)
Anne Hathaway (Os Miseráveis)
Mila Kunis (Ted)
Emma Watson (As Vantagens de Ser Invisível)

Melhor Revelação
Rebel Wilson (A Escolha Perfeita) 
Ezra Miller (As Vantagens de Ser Invisível)
Eddie Redmayne (Os Miseráveis)
Suraj Sharma (As Aventuras de Pi)
Quvenzhané Wallis (Indomável Sonhadora)

Melhor Dupla em Cena
Mark Wahlberg e Seth MacFarlane, como Ted (Ted) 
Leonardo DiCaprio e Samuel L. Jackson (Django Livre)
Bradley Cooper e Jennifer Lawrence (O Lado Bom da Vida)
Robert Downey Jr. e Mark Ruffalo (Os Vingadores)
Will Ferrell e Zach Galifianakis (Os Candidatos)

Melhor Performance Sem Camisa
Taylor Lautner (A Saga Crepúsculo: Amanhecer – Parte 2) 
Christian Bale (Batman – O Cavaleiro das Trevas Ressurge)
Daniel Craig (007 – Operação Skyfall)
Seth “Ted” MacFarlane (Ted)
Channing Tatum (Magic Mike)

Melhor Luta
Robert Downey Jr., Chris Evans, Mark Ruffalo, Chris Hemsworth, Scarlett Johansson e Jeremy Renner X Tom Hiddleston (Os Vingadores) 
Mark Wahlberg X Seth “Ted” MacFarlane (Ted)
Daniel Craig X Ola Rapace (007 – Operação Skyfall)
Christian Bale X Tom Hardy (Batman – O Cavaleiro das Trevas Ressurge)
Jamie Foxx X Capangas de Calvin Candie (Django Livre)

Melhor Atuação Apavorada
Suraj Sharma (As Aventuras de Pi) 
Jessica Chastain (A Hora Mais Escura)
Alexandra Daddario (O Massacre da Serra Elétrica 3D – A Lenda Continua)
Martin Freeman (O Hobbit: Uma Jornada Inesperada)
Jennifer Lawrence (A Última Casa da Rua)

Melhor Beijo
Bradley Cooper e Jennifer Lawrence (O Lado Bom da Vida)
Kerry Washington e Jamie Foxx (Django Livre)
Kara Hayward e Jared Gilman (Moonrise Kingdom)
Mila Kunis e Mark Wahlberg (Ted)
Emma Watson e Logan Lerman (As Vantagens de Ser Invisível)

Melhor Momento Chocante
Jamie Foxx e Samuel L. Jackson (Django Livre) 
Denzel Washington (O Voo)
Anna Camp (A Escolha Perfeita)
Javier Bardem (007 – Operação Skyfall)
Seth “Ted” MacFarlane (Ted)

Melhor Vilão
Tom Hiddleston (Os Vingadores)
Javier Bardem (007 – Operação Skyfall)
Leonardo DiCaprio (Django Livre)
Marion Cotillard (Batman – O Cavaleiro das Trevas Ressurge)
Tom Hardy (Batman – O Cavaleiro das Trevas Ressurge)

Melhor Momento Musical
Anna Kendrick, Rebel Wilson, Anna Camp, Brittany Snow, Alexis Knapp, Ester Dean e Hana Mae Lee (A Escolha Perfeita) 
Anne Hathaway (Os Miseráveis)
Channing Tatum, Matt Bomer, Joe Manganiello, Kevin Nash e Adam Rodriguez (Magic Mike)
Bradley Cooper e Jennifer Lawrence (O Lado Bom da Vida)
Emma Watson, Logan Lerman e Ezra Miller (As Vantagens de Ser Invisível)

Melhor Herói
Bilbo – Martin Freeman (O Hobbit: Uma Jornada Inesperada) 
Homem de Ferro – Robert Downey Jr. (Os Vingadores – The Avengers)
Batman – Christian Bale (Batman – O Cavaleiro das Trevas Ressurge)
Hulk – Mark Ruffalo (Os Vingadores – The Avengers)
Branca de Neve – Kristen Stewart (Branca de Neve e o Caçador)
Mulher-Gato – Anne Hatthaway (Batman – O Cavaleiro das Trevas Ressurge)

Selena Gomez dominou o palco com a canção Come & Get It.

O Loki de Tom Hiddleston foi o escolhido o melhor vilão.

Will Ferrel foi o grande homenageado da noite com o prêmio de “Gênio da Comédia”. 

AVANTE VINGADORES! Com três prêmios, o filme dos heróis MARVEL foi o grande vencedor da noite.

De acordo com o site LATINO REWIEW, e já estando sendo divulgada em diferentes veículos sobre entretenimento, a mais recente notícia sobre o aguardado filme HOMEM DE FERRO 3, de Shane Black, é esta: A CENA PÓS-CRÉDITOS DO FILME JÁ É CONHECIDA.

De acordo com a publicação eletrônica, um “agente infiltrado” conferiu a pré-eestreia do filme na França e pôde comprovar: assim como os filmes anteriores da MARVEL STUDIOS, esse também tem uma cena pós-créditos.

Mas os fãs do Homem Formiga, dos Guardiões da Galáxia ou mesmo de outros heróis Marvel que vem por aí, podem deixar a euforia de lado. A tal cena em nada remete a outros personagens da “Casa das Ideias”. Bem, até certo ponto…

Então se você não quiser saber mais sobre o assunto, não leia as próximas linhas. Mas dê ao menos uma espiadinha, porque o resultado não irá comprometer em nada o desenvolvimento da FASE 2 do Universo Marvel nos cinemas. Aliás, pela descrição da cena, era melhor que ela tivesse ficado no anonimato mesmo.

De acordo com o que foi divulgado, a cena é a seguinte:

BRUCE BANNER (MARK RUFFALO), SENTADO EM UMA CADEIRA OUVE TONY STARK (ROBERT DOWNEY JR.) CONTAR TUDO O QUE ACONTECEU NO TERCEIRO FILME, ALÉM DE SUAS PRÓPRIAS ANGÚSTIAS PESSOAIS. DIANTE DE TANTO “BLÁ, BLÁ, BLÁ”, O DOUTOR BANNER ACABA PEGANDO NO SONO. STARK GRITA PARA ACORDÁ-LO E CONTINUA SUA HISTÓRIA. BANNER DIZ NÃO SER “ESSE TIPO DE DOUTOR” QUE O MILIONÁRIO PRECISA E POUCO TEMPO DEPOIS, ADORMECE NOVAMENTE. E FIM.

Pra quem já viu o início da INVESTIDA VINGADORES ou a reunião dos HERÓIS MAIS PODEROSOS DA TERRA antes mesmo do seu filme próprio, convenhamos que essa cena não representa muita coisa. Na verdade, nada.

Uma esquete de comédia para divertir o público depois de muita ação e tensão? Ou esse alívio cômico é pra fazer esquecer alguma coisa ruim no filme? Ou talvez o mais certo: mais Robert Downey Jr. em cena.

Acho que Robert Downey Jr. é um excelente ator e o papel de Tony Stark é perfeito para ele. Mas um fenômeno comum em seus filmes recentes já está me cansando um pouco: é EGO DOWNEY JR. DEMAIS NA TELA.

Diante disso, penso que a cena pós-créditos escondida às sete chaves até que alguém a revelasse poderia ter sido mantida no anonimato mesmo.

Homem de Ferro 3 estreia no Brasil no próximo dia 26, e apesar dessa cena, não creio que será um filme menor que os anteriores. Afinal de contas, estamos falando de Marvel, e esse nome é suficiente para superar tudo e todos quando o assunto é diversão e entretenimento.

No FGcast 25 Mau Franco e Leandro Vallina se juntam aos especialistas da Comunidade Mega Drive Celso Affini e Daniel Gomes para discutir absolutamente tudo sobre o melhor vídeo game da quarta geração.

Neste episódio conheça a história deste gigante, relembre os games clássicos e os desconhecidos e descubra com quantos botões se faz um fatality.

Pegue um papel e uma caneta, anote as dicas e corra para o seu emulador para descobrir se você realmente é um “Hardcore Gamer”

Faça o download do arquivo MP3 ou ouça no player ao final do post

Comentado no Cast:

Lançamento da primeira camiseta do Filmes e Games – Hardcore Gamer

Comunidade Mega Drive

Defenestrando Jogos

Games:

Comix Zone

Contra – Hard Corps

Magical Taruruuto-Kun

Streets Of Rage

Decap Attack

Sonic – The Hedgehog

Alisia Dragoon

Raiden Trad

Super Off Road

Outlander

Strider

Pit- Fighter

Road Rash

Out Run

Spiderman

Fighting Master

Greendog

Quackshot

Two Crude Dudes

Comercial camiseta “Hardcore Gamer”

O filme se passa num futuro não muito distante do nosso tempo. O local é uma cidade litorânea dos Estados Unidos, mas o nome da cidade não é revelado. Pode-se explicar esta ausência do nome da cidade devido ao fato de que em muitas obras de ficção científica, como esta, os Estados Unidos não se apresentem como nós o conhecemos, ou seja, como um grande país, formado de muitos estados e cidades. A forma como nos é mostrada é como um conglomerado de blocos urbanos unificados, formados pelas cidades que conhecemos. Esta unificação pode se dar por questões políticas, sociais, ou mesmo de ordem natural, como o caso de uma catástrofe, como um terremoto ou maremoto.

Além da área litorânea da cidade, local onde importantes momentos do filme se passam, mais precisamente os da família que “adota” o robô NDR 114, conhecido por Andrew, temos também a parte urbana, caracterizada pela evolução da tecnologia, mostrada em seus grandes e modernos edifícios, nos carros voadores e nas técnicas da ciência, como a medicina e, é claro, da robótica. Alias, esta tecnologia é mostrada durante todo o filme como estando sempre em permanente evolução, afinal de contas, a história se passa durante os 200 anos de “vida” de seu personagem principal, e num tempo tão longo, é evidente que o mundo não podia ficar sempre do mesmo jeito.

Outros cenários de filme também são importantes, como a empresa que cria os robôs, palco de várias visitas de Andrew e seu dono, a fim de notificar as características incomuns daquela máquina. Temos também a empresa, pequena de início e depois grandiosa, onde Andrew e seu novo amigo e cientista Rupert Burns, desenvolvem mais e mais a “humanidade” do robô. Um fator importante para tal empreendimento é o capital investido por Andrew, resultado dos muitos anos em que ajudou seu dono no conserto e confecção de relógios. Quando o robô decidiu partir, seu dono achou melhor dar a parte do dinheiro que lhe cabia pelo seu trabalho, numa atitude que valorizaria ainda mais o lado humano de Andrew. Um outro local de muito significado é a casa de Andrew, construída por ele mesmo depois que sai para viver uma liberdade só sua. É interessante notar o momento em que ele termina de construir sua morada e a evolução que ele faz nela ao longo do tempo. Representa o potencial de uma pessoa em montar uma individualidade, através de um espaço exclusivo, mesmo que esta pessoa seja um robô.

Cenários de um filme são panos de fundo para as situações dos personagens, e às vezes, eles interagem com os seres vivos, tornando-se partes de suas existências. Podemos dizer, que os cenários, os objetos, enfim, tudo o que nos cerca, mesmo que não possua vida própria, é parte de nossas vidas, podendo inclusive, nos levar a escolher um ou outro caminho. O cenário é muito importante, pois representa o meio em que vivemos e construímos nossa vida, tanto para nós mesmos, como para os outros que habitam este mesmo mundo ao nosso lado.

Enfim, chegamos ao tão importante bicentenário, presente no título do filme. Este período de tempo é muito importante para a compreensão da história e para que possamos identificar cada personagem, cada momento, pois é o período em que Andrew aprende tudo de possível neste mundo, e parte na sua busca de se tornar um ser humano, procurando possuir em seu ser mais do que componentes eletrônicos e um cérebro positrônico. Os duzentos anos em que a trama se desenrola vão de 2005, tempo em que se inicia a saga de Andrew chegando à casa de seu dono e desempenhando as funções pelas quais fora programado (cuidar dos afazeres domésticos), até o momento em que ele morre, ou pára de funcionar, em meados de 2225, após ter adquirido praticamente todas as características humanas, desde as chamadas biológicas até as que se caracterizam pelos sentimentos, como a capacidade de sentir dor ou de chorar. É no fim de sua vida que Andrew alcança o que mais quis em todo este tempo, ser considerado um ser humano como todos os outros, mesmo não tendo podido presenciar o momento em que esta notícia era oficializada. Mas como Portia, sua companheira diz ao final do filme: Talvez ele não precisasse ter visto, pois já sabia desde o começo que sua busca se concretizaria, mais cedo ou mais tarde. Esta é uma grande lição a ser tomada e seguida, jamais desistir de um ideal, por mais difícil que ele possa parecer.

Para aprofundarmos nos elementos filosóficos desta obra cinematográfica, é interessante conhecer seus personagens sob um perfil social e psicológico. São eles: Andrew Martin (Robô NDR 114), Richard Martin, a esposa de Richard, Grace Martin, Rupert Burns, Galatea, Amanda Martin, Grace Martin, Portia, Denis Mansky, Lloyd, Frankie (marido de Amanda).

• Andrew Martin: robô da série NDR 114, criado para servir ao seu dono em todas as tarefas que ele lhe ordenasse, mais sobretudo, nos afazeres domésticos. É como uma Babá ou Mordomo Eletrônico. É totalmente obediente aos donos e absolutamente fiel às chamadas três Leis da Robótica (diretrizes criadas por Isaac Asimov, criador da obra  na qual o filme se baseia, e presentes em todas as suas obras em que os personagens são robôs).  Ele possui um cérebro positrônico que lhe possibilita armazenar uma gama imensa de informações, mas como o filme mostra, este cérebro é mais do que um sistema de armazenamento de dados. Apesar de se parecer com qualquer outro robô de mesmo modelo, Andrew apresenta uma singularidade em relação aos outros, o que é considerado uma espécie de anomalia, ou um defeito de fabricação: ele possui algumas características tipicamente humanas. À medida em que vai convivendo com a família e com o meio, ele vai apresentando sinais de possuir sensibilidade, criatividade, e até sentimentos mais fortes, como a paixão, representada pela extrema amizade e zelo pela sua “senhorinha”, a filha mais nova do casal Martin. Aliás, o nome Martin (da família) é assimilado por Andrew, numa prova de fidelidade e respeito aos membros humanos da família, que mais do que donos, são considerados pelo robô, como seus amigos. Outro aspecto “humano” presente no robô é sua extrema curiosidade, que se mostra em momentos mais simples, como em querer aprender a contar piadas para fazer com que os outros riam; em momentos mais delicados, como no aprender a construir um cavalinho de madeira para substituir o de cristal que se quebrou e fazer com que a menina se sinta feliz de novo, ou tocar piano com ela; e em momentos mais particulares e cruciais para a escolha de um destino, como quando ele deseja conhecer o mundo e encontrar alguém como ele. Esta curiosidade está ligada a mais duas outras características, a vontade e a capacidade intelectiva de aprender e usar do que aprendeu. Andrew sente um afã em aprender, tem curiosidade em descobrir o que ainda não está armazenado em seu cérebro, e desenvolve coisas a partir do que aprendeu, como o cavalinho ou os muitos relógios que construiu. Nesse aspecto, ele é tipicamente humano, pois só o homem é capaz de aprender, porque acreditamos que aprendizado consiste em assimilação de informações, sensibilidade e vontade em conhecer e transformar os conhecimentos em atos. O que é contrário a esta regra nada mais é do que simplesmente coleta e armazenamento de informações, como os computadores fazem. Daí a importância do cérebro positrônico de Andrew, e não de um chip ou sistema positrônico. E o ponto que mais representa a humanidade de Andrew é o seu empenho em se tornar como todos os outros, pondo-se a desenvolver partes cada vez mais parecidas como as dos humanos, tudo para poder ser como eles, sentir o que sentem e partilhar das experiências que vivem da maneira mais real possível. Desse modo, a busca de Andrew se caracteriza em encontrar o seu lugar no mundo, em ser reconhecido e respeitado pelos outros, como qualquer um de nós deseja. Andrew é a representação do ser humano em sua forma mais pura e direta, a de uma criatura construída por um artífice, para desempenhar uma função neste mundo, mas principalmente, para provar a si do que é capaz de fazer.
• Richard Martin: é o chefe da família e o homem que traz Andrew para casa, apenas para que ele desempenhe as tarefas do lar e cuide de suas filhas. Neste momento, para Richard, o robô é simplesmente um eletrodoméstico. Porém, esta impressão logo dá lugar a uma outra visão sobre o robô, pois, ele nota a presença de comportamentos e características humanas, que podem representar que Andrew é um ser incomum e singular. Neste momento Richard passa a ser um amigo de Andrew, mais do que seu dono. Ele passa a conversar com ele, a falar sobre as coisas e a ouvir o que o robô tinha a dizer. Chega a um determinado momento, depois de perceber as potencialidades e o talento de Andrew, que ele passa a chamá-lo de pessoa. Faz com que o robô desenvolva seus talentos, ensinando a ele o oficio de consertar e construir relógios. Considera-o como mais um membro da família, e aceita, mesmo que com receio de perdê-lo, a sua decisão de partir para uma liberdade só sua, sem ordens, mesmo sabendo que ele jamais o abandonaria e à sua família. Depois de anos, e já no leito de morte, ele reencontra o robô e percebe que todas as suas conversas, tudo o que ensinou e aprendeu com ele, serviram para que os dois pudessem aprender que a vida não se constrói sozinho, que sempre temos que contar com os outros, família e amigos. Diante disso, Richard Martin representa o ideal do pai, do professor, enfim, da pessoa engajada em ensinar os valores do mundo e da vida, e a mostrar que esses valores estão dentro de nós mesmos. Pode-se dizer que a humanidade de Andrew em muito foi desenvolvida por seu amigo Richard Martin.
• Grace Martin: é a filha mais velha do casal Martin. Sempre se mostrou ser uma garota rebelde, bem diferente de sua irmã. Como uma criança, ou como uma adolescente, sempre procurava contradizer os pais, agindo de maneira oposta às suas recomendações. Namorar um “sujeito pouco convencional” é prova disso. Nunca foi muito a favor da presença de Andrew em sua casa, talvez por achar que ele não apresentava nada de diferente em relação aos outros robôs do mesmo modelo que ele. Sentia por Andrew um certo desprezo e se aproveitava da situação obediente do robô para tentar prejudicá-lo. Prova disso, se caracteriza pelo momento em que ela manda o robô pular pela janela, o que lhe causa vários danos, que depois são reparados por ele mesmo. Porém, esta sua atitude serve para que o pai faça um pronunciamento a toda a família, dizendo que Andrew daquele dia em diante, não seria mais tratado como um reles bem da casa, mas sim como uma pessoa como todas as que formavam aquela família.
• Amanda Martin: é a filha mais nova do casal Martin. Sempre se mostrou uma pessoa doce e compreensiva, e já demonstra isso nos primeiros momentos em que o robô adentra a casa. É ela que dá o nome para ele, chamando-o de Andrew, ao perguntar ao pai o que é um “Andrew”, em vez de dizer um andróide. Apesar de querer se ver longe do robô, após o momento em que este quebra o precioso cavalo de cristal, ela sempre demonstrou um carinho especial por aquele ser tão incomum. Prova disso, se mostra quando Andrew se esforça para construir um outro cavalo, dessa vez de madeira, e o presenteia à menina. A partir daí, cria-se uma relação de amizade, carinho e respeito por parte dos dois. Esta relação perdura por muito tempo, até o fim da vida de Amanda, quando Andrew após longo período ausente, retorna para ver a sua “Senhorinha”, tratamento dado por ele à Amanda. E nesta relação de amizade e companheirismo, surge também uma paixão entre os dois, que não se concretiza. Ela se casa, tem filhos e netos. Mas no coração do robô, se é que ele possui um, sempre sua senhorinha tinha um lugar mais do que especial. Este amor entre os dois é mostrado no filme de uma forma muito singela e bonita, valorizando-se mais o respeito e o carinho entre ambas as partes do que propriamente o contato físico.
• A esposa de Richard (o nome não é revelado, mas Andrew a chama de Madame): ela sempre se mostrou um pouco indiferente a Andrew, e contrária à sua presença em casa. Poucas vezes o valorizou como pessoa, ao contrário do marido e da filha caçula. Mesmo assim, não o desprezava, respeitava-o.
• Doutor Rupert Burns: pode-se dizer que este homem é o responsável pela total, ou quase total humanização de Andrew. Ele é o dono da pequena empresa de robôs, legado deixado por seu pai, o criador dos robôs NDR 114. É um cientista brilhante, que consegue desenvolver uma tecnologia de aperfeiçoamento dos robôs, acrescentando neles características cada vez mais parecidas com as dos humanos, como órgãos, sistema nervoso, entre outras coisas. Quando Andrew o encontra, e fica sabendo dessas inovações criadas, decide investir o dinheiro que conseguiu com os anos de trabalho ao lado do seu dono na pesquisa e desenvolvimento dessa tecnologia, com a condição de que ele seria o primeiro a experimentá-la. Ele também passa a ser amigo de Andrew, sempre conversando com ele, contando coisas sobre a vida dos humanos, e ouvindo as experiências do robô. Ele também pode ser inserido na mesma categoria em que está Richard Martin, ou seja, na de pessoa que ensina e que fornece algo de produtivo e positivo para a vida de outra pessoa.
• Galatea: é uma “robô mulher” do mesmo modelo que Andrew, mas com um diferencial em relação a ele. Ela possui o chamado “chip de personalidade” o que a faz ser um ser especial. Ela obedece ao doutor Rupert Burns, mas não perde a oportunidade de contrariá-lo quando necessário, expressando sempre as suas opiniões, às vezes, quando ninguém está disposto a ouvir. Apesar de falar demais, é dedicada, amiga e companheira, sempre disposta a obedecer às ordens que lhe são impostas. Prova disso se dá no momento final do filme, quando ela, já com aparência humana, e trabalhando de enfermeira, acata a última ordem de Portia, logo após a morte de Andrew, desligar os aparelhos para que ela pudesse estar com seu grande amor. Sua frase final demonstra sua essência: É um prazer servi-lhe.
• Portia: é a neta de Amanda. Andrew volta de sua jornada e vai a procura de sua senhorinha, quando se depara com uma pessoa que ele acreditava ser a própria Amanda mais jovem, e para ele sempre bela. Mas a moça é Portia. Ela trabalha como restauradora de artes, está de casamento marcado e ao contrário da avó, não vê Andrew de forma muito amistosa. Na verdade, ela prefere não falar com ele. Porém, quando a avó morre, os dois se aproximam. Ela se sensibiliza com a situação do robô, quase humano, que procura uma família para poder gozar de sua recém conquistada condição de homem. Ela passa a vê-lo de outra forma, não mais como um estranho que entrou em sua casa procurando pela senhorinha, mas sim como um homem sensível e atraente. Diante dessa nova atração, ela rompe com o casamento e passa a viver com ele, ajudando de todas as formas possíveis na sua luta por reconhecimento e aceitação. E até no ultimo momento ela sabe que não poderia abandoná-lo, e decide acompanhá-lo para onde for.

Sob o viés da Filosofia, este filme pode ser entendido como uma fonte de muitas discussões, já que apresenta diversos e interessantes temas para serem analisados e debatidos. A questão familiar, a solidariedade, a sensibilidade, o pensamento caracterizando o ser humano, os avanços da tecnologia ao longo dos tempos, a criatividade, o relacionamento com os outros, a necessidade de liberdade, a presença da morte, a importância do aprendizado como forma do obtenção do conhecimento, os relacionamentos entre pessoas (pai e filho, homem e mulher, etc), os conflitos interiores do homem (sua busca por aceitação na sociedade, seu medo de se achar inferior aos outros), a individualidade, a descoberta de sentimentos, a necessidade de diálogo, finitude do ser humano, as mudanças que todo o ser humano deve passar, a presença e a necessidade de algumas sensações, como a dor, por exemplo.

Esses temas são traduzidos ema algumas frases-chave ao longo do filme, que nos servem como elementos bases para as discussões sugeridas ao longo da trama. A seguir, apresentarei essas frases e o que elas representam dentro dessa análise.

• Será que todas as pessoas que amo vão partir? Esta frase é dita por Andrew para expressar a sua visão acerca da morte e de sua imoralidade. Como poder ser feliz neste mundo se a cada dia, as pessoas mais próximas a você estão caminhando rumo ao fim e você não pode fazer nada para evitar isso, pois jamais isso acontecerá com você?
  • Robô pode mentir se for ordenado ou para defender um ser humano. Esta frase condiz com as Três Leis da Robótica: 1) Um robô não deve fazer mal a um ser humano ou, por omissão, permitir que um ser humano sofra mal; 2) Um robô deve obedecer a qualquer ordem dada por um ser humano, desde que essa ordem não interfira com a Primeira Lei; 3) Um robô deve proteger a sua existência desde que essa proteção não interfira com as Primeira e Segunda Lei. O fato de mentir para ajudar a uma pessoa, seguindo um código de lei e de conduta às vezes se faz necessário. Como dito no filme, às vezes é necessário seguir o que o coração nos manda fazer, ao invés da razão, para que não cometamos algum ato que possa se transformar em algo de ruim para nós ou para alguma pessoa querida. Um fator novo para Andrew é encontrado nesta questão, e que aliás, acaba por ser uma das grandes motivações de toda a sua jornada: o amor.

A importância que as máquinas têm na trama faz com que pensemos sobre o poder dos objetos em nossa vida, ou seja, o consumismo das coisas materiais muitas vezes toma o lugar dos valores ético e morais.

• Arrisque-se, cometa erros, é bom ser imperfeito. Demonstra claramente a necessidade dos erros para se aprender alguma coisa da maneira mais vantajosa, onde os resultados alcançados serão mais adequados para se solucionar um determinado problema.

O poder da justiça dos homens é tratado no filme quando Andrew precisa apresentar argumentos convincentes aos líderes da nação para que seu desejo de ser reconhecido como um autêntico ser humano possa ser atendido.

Outra questão que pode ser considerada ao assistir ao filme é a capacidade de aprendizado de Andrew, que mais do que uma máquina, se mostra como um ser humano. Isso porque ele busca conhecer as coisas, parte rumo aos conhecimentos e depois de assimilá-los, não se contenta em guardá-los dentro de seu cérebro positrônico. Ele, tal qual um verdadeiro humano, põe o que aprendeu em pratica, através de construções, como relógios, o cavalinho de madeira e até sua própria casa. Se Andrew fosse simplesmente um computador, ele não poderia criar, faria apenas o que estivesse gravado no seu banco de dados. Isto é um ponto importantíssimo para demonstrar o valor do ser humano, como um ser que aprende e cria. Esta idéia é muito difundida pela Filosofia da Ciência e pela Filosofia da Mente, contrariando aqueles que valorizam o computador como sendo um cérebro mais evoluído do que o do homem. Essa  questão sobre o conhecimento humano é salientada no momento em que Andrew é indagado sobre como construiu o cavalinho, pois ele não pôde ter extraído a “idéia” de cavalo do nada. O que Andrew responde é que simplesmente estudou a “matéria”. Ele procurou encontrar a solução para o problema do cavalinho de cristal quebrado. Buscou aprender sobre o assunto. E a partir do que encontro, objetivou estas informações na forma de solução para o problema, ou seja, na confecção do cavalinho de madeira.

• Não posso demonstrar essa dor. É crueldade você poder chorar e eu não. O homem só o é em sua plenitude quando pode transitar por suas esferas, entre elas, a do sentimento.
• Prefiro morrer como homem do que viver como máquina. Andrew queria ter o reconhecimento para buscar a sua própria individualidade e respeito ante a sociedade.

Uma questão interessante e atual, se caracteriza no filme pelo momento em que a mãe se incomoda com a presença de Andrew. É a chamada “Questão do Outro”, presente na obra existencialista de Jean Paul Sartre. Percebe-se o incomodo pela “presença do Outro”, mesmo que este outro não seja humano. A oposição do outro em relação a mim, me objetiva, me faz ser o que sou. Afinal de contas, o que falam de mim, a forma como os outros me olham, é que produz a imagem que eu tenho. O outro me faz. Esta questão também se expressa na cena do jantar da família. Outro ponto relevante a “Questão do Outro” se manifesta quando Andrew constrói um cavalinho de madeira para a menina. Aqui, ao contrário do lado negativo do Outro, existe uma positividade, pois há a presença da pessoa que ajuda, que nos possibilita uma ajuda à nossa vida. Logo, há o lado bom e o lado mau do outro. A circunstância é que determina qual dos lados se manifesta. O mais importante é saber que o outro procura moldar à nossa imagem à sua maneira, acabamos por ser escravos do outro, realizando de tudo para que possamos ser bem vistos por ele. Mas será que robô não estaria procurando se livrar de sua condição desde o início? Andrew, busca adquirir uma aparência cada vez mais humana, para que os outros não o vissem mais como um “amontoado de metal ambulante”. Ele poderia se ver como um ser inferior, e procuraria, a seu modo, se ver livre dessa condição. Um complexo de inferioridade dessa maneira é mostrado por Sartre em A Questão Judaica, onde ele traça um perfil do chamado judeu inautêntico, ou seja, aquele que procura se ver livre de seus hábitos e costumes para mostrar uma imagem sua diferente da que realmente possui, no caso a de um judeu. Pode se considerar, diante dessa questão, uma possível auto-negação do robô em relação à sua condição de máquina, o que o levou a se tornar cada vez mais parecido com um homem normal, através da criação de substitutos mecânicos para os órgãos humanos. Andrew precisaria experienciar muitas coisas em relação ao mundo e aos outros para conhecê-lo bem, por isso, desejava se aperfeiçoar-se.

• As pessoas são singulares. Esta frase dita na conversa entre o dono e o criador de Andrew. As pessoas não são fabricadas em série, como um eletrodoméstico, mas ao contrario, são indivíduos que nunca se repetem. Cada um possui determinadas imperfeições e aspectos que o diferencia dos demais seres. As pessoas pensam, querem e julgam. Andrew possui estes aspectos, mesmo sendo uma máquina. Esta questão causa uma polemica no fato de que se é possível considerar Andrew como um robô, conforme sua estrutura física, ou uma pessoa, conforme seu íntimo.
• Anos de vida. É o nome dado pelo dono da casa à faticidade do viver, no qual, entre milhões de espermatozóides, apenas um consegue alcançar o seu objetivo. A isso Sartre dá o nome de “Náusea” pelo o que é, e poderia ser de outra maneira.

A interação, a intersubjetividade, ficam aprovadas quando a menina ensina Andrew a tocar piano. O conflito de gerações é uma outra questão interessante e bem explorada pelo filme. A mãe encontra a filha  mais velha namorando um rapaz considerado por ela como “um sujeito não muito convencional”. É a clara imagem dos pais não aceitarem os relacionamentos dos filhos por considerarem estes contrários às suas expectativas; e os filhos vendo os pais como “caretas” e ultrapassados. Outro momento do choque entre gerações, desta vez, mais voltado para a generalidade é quando Richard pede a Andrew para que este lhe mostra a gravação das cenas do casamento de sua filha. Há uma luta entre os tempos, passado, presente e futuro, o que demonstra uma certa ruptura.

Uma questão puramente humana é tratada no filme como uma das de maior relevância, a necessidade de liberdade. Andrew quer se desligar do meio da casa, da família e trilhar seu próprio caminho, pois sente que precisa disso para se mostrar como um ser individual e singular. Ele não queria fugir, mas sim, encontrar sua própria existência plena. Um grande momento desse encontro é quando ele diz diante de sua criação: A minha própria casa. Ele também percebe a necessidade de liberdade depois que seu senhor e amigo morre. Em seu desejo de possuir tal liberdade, ele sai a procura de alguém como ele. Talvez, só encontremos a verdadeira paz e a plena liberdade quando estamos diante de pessoas como nós, que nos entendam e que possam ajudar-nos nos nossos problemas. Daí a importância dos amigos e da família para alcançarmos nossa liberdade, ou pelo menos, para nos mostrar onde podemos alcançá-la.

• As coisas mudam. Será que Andrew não estava tentando se objetivar para conquistar o amor de Portia? Mas isto não é possível, pois ele sempre será livre.
• A individualidade não tem preço. Cada ser tem o direito de ir e vir, de pensar e agir por conta própria, desde que, é claro, respeite os direitos dos demais com quem convive. Isto é a liberdade garantida pelas leis e que deve ser mantida e defendida a todo custo. Hoje em dia, ainda se vê muitos casos de escravidão e exploração no trabalho, principalmente de crianças e idosos.

Em um determinado momento da história, Andrew se sente sozinho e se lança ao mundo em busca de companhia, de alguém que seja realmente como ele, que o complete. Esta necessidade de se ter o outro é um dos temas mais freqüentes no Existencialismo de Sartre e outro nomes.

• Como o robô pode ter liberdade? O pai e a filha discutem em um determinado momento sobre o comportamento e os “pensamentos” de Andrew. O pai sempre acreditou que mais cedo ou mais tarde, o robô pensaria por si próprio.

Essa análise do filme “O Homem Bicentenário” propicia além dos elementos apresentados, alguma perguntas que podem ser feitas com o intuito de ampliar as discussões sugeridas pelos temas do filme. São elas:

• Será que Andrew, ao se transformar em ser humano, conseguiu colocar em si uma alma para se encontrar com sua esposa em outra vida?
• Será que para que exerçamos todas as funções que nos caracterizam como seres humanos, temos que ter necessariamente uma alma, ou bastariam componentes físicos, como os de uma máquina?
• Enquanto uma coisa real nos dias de hoje, até que ponto a Inteligência Artificial pode ser considera um benefício para a humanidade?
• De acordo com Isaac Asimov, o autor da obra que inspirou o filme, os robôs devem seguir algumas diretrizes, as chamadas “Leis da Robótica”. Em se tratando de nós, seres humanos, quais seriam as nossas “leis”?
• Richard Martin descobre todo o “potencial humano” em Andrew, e o ajuda a desenvolvê-lo. Quem em nossa sociedade seria este Richard, que nos ajudaria a desenvolver a nossa humanidade?
• Quando o robô é apresentado pela primeira vez à família Martin, ele pergunta se eles são a sua família.  Será que podemos considerar os Martin como a família do robô e este como um verdadeiro membro daquela família?
• Na possibilidade de criação de uma tecnologia cibernética avançada, um homem que tivesse algum de seus órgãos substituído por partes mecânicas, estaria perdendo um pouco de sua humanidade?
• Será que a busca pela condição humana é um medo que Andrew tinha de não ser aceito como robô na sociedade humana?
• Será que a imortalidade é uma benção ou uma maldição?
• Para se ser um humano verdadeiro é necessário ter apenas a morfologia de um? Quais os aspectos necessários para se considerar alguém como um ser humano?
• O que motiva uma pessoa a querer mudar, seja fisicamente, moralmente ou em algum outro aspecto?
• Quais as contribuições e as dificuldades impostas pela outra pessoa a um indivíduo?
•  Será que sempre temos que seguir as ordens que nos são dadas? Será que às vezes, não podemos agir seguindo o nosso coração?
• No filme, a “característica humana” de Andrew é tratada como “falha mecânica ou defeito de fabricação”. Será que os aspectos que cada um de nós possui, e que faz com que sejamos diferentes das demais pessoas, são consideradas falhas na nossa formação ou atributos que nos individualizam? Se a resposta for “as falhas”, quem as causou; e se a resposta for “atributos”, como e por quem eles nos são dados?
• O que pode ser considerado como conhecimento verdadeiro: apreender informações e armazená-las, ou apreender e transformá-las em ações e objetos?
• É possível um relacionamento entre dois seres aparentemente diferentes, como uma mulher humana e um robô (presentes no filme)?
• Será que o personagem central do filme sempre foi livre ou ele alcançou a liberdade apenas quando deixou a casa de seus patrões? O que vem a ser uma liberdade verdadeira?
• A sociedade valoriza o indivíduo em sua individualidade?
• Todos têm direito à liberdade?
• Como é possível crescer como pessoa?
• Precisamos sempre partir de uma idéia párea criar algo novo?
• Quais são os atributos necessários para se diferenciar o real do artificial?
• Será que a mortalidade é uma dádiva ou uma maldição?
• O que leva uma pessoa a querer se modificar?
• O que é preciso para tratar alguém como um autêntico ser humano?

 FICHA TÉCNICA.

• Título Original: Bicentennial Man
• Baseado na obra  The Positronic Man (O Homem Positrônico), de Isaac Asimov e Robert Silverberg
• País de origem: EUA
• Ano de Produção: 1999
• Diretor: Chris Columbus
• Elenco : Robin Williams, Sam Neil, Oliver Platt, Embeth Davidtz, Wendy Crewson, Hallie Kate Eisenberg, Stephen Toot, Lynne Thigpen, Bradley Whitford, Kiersten Warren, John Michael Higgins e George D. Wallack.
• Produção: Columbia/ Touchstone Pictures
• Duração:  131 minutos

Mais uma vez venho aqui na coluna Scary Shit pra fazer uma crítica de filme “estrangeiro”, ou seja, de fora de Hollywood. Não que não tenhamos boas produções por lá, é onde mais temos, mas gosto de usar meu espaço aqui no site também pra dar dicas de filmes bons que muita gente não viu.

Hoje vou falar de um filme francês, de 2007, que não atingiu muita gente apesar de ter, certamente, impressionado todos que o viram.

Me refiro a “A Invasora” (“À l’intérieur”, no original em Francês e “Inside”, em uma tradução mais correta para o Inglês). O nome do filme se refere a “dentro”, e isso pode ser interpretado de duas formas, seja dentro da casa já que é mais um filme de invasão de domicílio ou, como eu prefiro pensar, dentro da protagonista. Calma, não estou falando de pornô (ainda não estreei esta coluna, hehe)

No filme conhecemos Sarah (Alysson Paradis que só quem acompanha o cinema francês talvez conheça) que logo no início do filme perde o marido em um terrível acidente de carro, quando ela, inclusive, estava dirigindo o veículo. Milagrosamente ela, e o bebê que está esperando, sobrevivem ao grave acidente, mas Sarah acaba se isolando da sociedade em depressão.

Algum tempo depois, já na reta final de sua gravidez, na véspera de natal, ela decide passar a noite sozinha em casa já que tinha tudo o que precisava ali, dentro de si. Ela queria apenas curtir os últimos dias com seu neném dentro de sua barriga, mas não imaginava o quanto isso iria ser difícil.

Uma estranha (Béatrice Dalle, que é até muito bonita, só precisa juntar aqueles dentes) bate à sua porta, aparentemente precisando de ajuda mas quando Sarah se recusa a deixa-la entrar, a verdadeira face da maluca aparece, ela invade a casa e o filme começa a jorrar sangue por todos os lados. Ela quer roubar o filho de Sarah, e não está disposta a esperar o neném nascer pra fazer isso.

A tensão é mantida em uma crescente incessante até o final, que eu garanto ainda vai te deixar algumas horas perplexo, tentando digerir o que acabou de ver.

Ao invés de sustos e mais sustos, os diretores Alexandre Bustillo e Julien Maury optam por cenas claras, sanguinárias e extremamente arrepiantes.

Até mesmo cenas mostrando o neném, ainda dentro do útero, acompanhando o sofrimento e desespero da mãe, são mostradas e servem parta deixar o espectador com uma desesperadora sensação de pavor.

Um filme muito bom para quem tem estômago forte e gosta de filmes tensos, não é apenas um banho de sangue.

Apesar de não faltar sangue e gore, o forte do filme é a tensão e o desespero criados e sustentados por excelentes atuações, principalmente da invasora, uma das psicopatas mais malucas dos últimos tempos.

Deixo apenas um aviso, se você acha que vai ser perturbador demais ver um filme de terror envolvendo uma mulher grávida e violência explicita, inclusive contra o ventre da mulher, não assista este filme.

E, pelo amor de Deus, não assista se você estiver grávida…

Trailer francês:

6º ao 10º lugar = 1 par de ingressos para o filme

2º ao 5º lugar = 1 par de ingressos +1  cartela adesivo Tattoo.

No dia 26 de Abril vai estrear no cinemas um dos mais aguardados filmes de super herói.

 Homem de Ferro 3 está de volta e para começar a entrar no clima do filme criamos em parceria com a Disney um concurso cultural, onde iremos premiar as melhores respostas.

Leia a pergunta no banner abaixo e comece a pensar na sua resposta

Iremos premiar as 10 melhores respostas de acordo com a tabela abaixo:

1º Lugar = 1 par de ingressos + 1 cartela adesivo Tattoo +1 fone de ouvido Iron Man .

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 2º ao 5º lugar = 1 par de ingressos +1  cartela adesivo Tattoo.

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6º ao 10º lugar = 1 par de ingressos para o filme

As frases vencedoras serão escolhidos com base nos seguintes critérios:

1- Criatividade e bom humor

2- Adequação ao tema

3- Bom uso da língua portuguesa

As 10 respostas mais DIVERTIDAS serão escolhidas.

Coloque a sua frase nos comentários abaixo e boa sorte, você tem até o dia 23 de Abril, o resultado será divulgado no dia 24 de Abril

Os ganhadores tem até 5 dias para enviar os dados (nome completo, CPF e endereço completo) para o e-mail contato@filmesegames.com.br

Trailer:

Neste episódio tivemos a participação especial do Angelo Costa do Fala Cinéfilo.

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Saindo do Cinema – MAMA

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Bioshock é considerado o sucessor espiritual System Shock, um jogo que, por falta de palavras maiores, pode ser dito como a mãe de Portal 1 e 2, não por conta do estilo Puzzle do jogo da Valve, pelo contrário, System Shock inspirou o pessoal da Valve na criação da GlaDOS por conta de um dos vilões mais temidos no mundo dos games, conhecida como SHODAN, que se caracteriza da seguinte forma, por sua megalomania e caótica personalidade. As suas palavras são acompanhadas por chiados, gritos, sussurros, mudanças no timbre da voz e a presença de três vozes falando a mesma palavra, uma alguns microssegundos adiantada e outra o mesmo equivalente de tempo atrasada, assim como glitches computacionais parecendo uma placa de som com problema.

Esta vilã teve de ser apresentada em particular porque ela envolve boa parte do centro de narrativa de BioShock 1 e 2, que usa as mesmas ferramentas de System Shock para criar a imersão do jogador no cenário. Com contato apenas através do rádio, o jogador vai sabendo aos poucos a trama que se passa em Bioshock e acaba percebendo que pode não estar em Rapture por acaso.

Então, o que é Rapture? O que é BioShock afinal de contas? Vamos adentrar um pouco mais na história?

Bioshock se passa durante a década de 1960, numa cidade ficcional chamada Rapture, o jogador aprende a história através de gravações de audio que estão espalhadas pela cidade ao longo do jogo. A cidade foi planejada e construída a partir da década de 1940 pelo magnata objetivista Andrew Ryan que queria criar uma utopia para uma elite social fora do controle do governo. O progresso cientifico se expandiu rapidamente, incluindo a descoberta do plasmid ADAM criados por uma espécie de caracol encontrada no fundo do oceano; ADAM permitiu os usuários de alterar o seu DNA e dar-lhe poderes super-humanos como telecinese e pirocinese.

Apesar da aparente utopia regente na cidade, a separação de classes começou a crescer dentro da mesma, então aproveitando-se deste “pequeno” problema social um ex-gangster e homem de Negocios conhecido como Frank Fontaine começou a planejar a ganhar poder para sobrepujar Ryan. Fontaine criou um mercado negro com o mundo da superficie, e, junto com a Dra. Brigid Tenenbaum, criou uma indústria que permitisse a manufatura barata de plasmid implantando caracóis no estomago de garotas orfãos, apelidando-as de “Little Sisters”. Fontaine usou seu exército melhorado de seus plasmids para atacar Ryan, mas, aparentemente morreu na batalha, permitindo Ryan tomar o controle das “Little Sisters”. Nos meses que se seguiram, um outro personagem surge conhecido como Atlas e ele começa a tentar defender a classe menos abastarda de Rupture. Atlas conduziu um ataque nas fábricas de “Little Sisters”, e Ryan contra-atacou criando os “Big Daddies”, seres humanos melhorados com plasmid postos dentro de uma roupa de mergulho para proteger as “Little Sisters”. Ryan também criou seu próprio exército de homens e mulheres melhorados, chamando-os de “Splicers”, dos quais os controla através de feromonios soltos através da atmosfera de Rapture.

Tensão se torna cada vez maior no ano novo de 1959, quando Atlas ordena um ataque total contra Ryan. A batalha deixou muitos mortos, e os poucos sobreviventes sãos tentaram se proteger como puderam. O que antes era uma linda utopia, acabou se tornando uma destruída distopia.

Percebe-se um alto teor conspiratório, novamente, no que tange a história do jogo. Como um bom filme de ficção cientifica distópica, o jogo leva a história num nível no qual poucos conseguem fazê-lo. Chega-se ao ponto tão profundo do jogo que numa parte do mesmo o jogador ficará perante a uma resposta sobre tudo aquilo que faz na pele do personagem silencioso. Aqueles que nunca jogaram BioShock se preparem para uma revelação surpreendente, pois este é o grande mote do jogo. A palavra: Livre-Arbitrio.

O jogo não é considerado um dos melhores da época do seu lançamento só por conta de sua história complexa e profunda, mas, também, na sua ambientação gráfica. Toda a cidade e cenário são baseados na Art Deco, um movimento artístico que influenciou grandes cidades do mundo, como Nova York, por exemplo. Do tempo de seu lançamento, 2007, Bioshock foi considerado um dos jogos mais bonitos e bem planejados. Rodando através da Unreal Engine 2.5, o pessoal da Irrational Games mostrou que uma engine já bem antiga poderia mostrar muita coisa. E, por conta da sua idade, muitos PC’s na época já podiam rodar o game em alta resolução, permitindo assim uma maior apreciação por parte do jogador para com o jogo.

A jogabilidade é um outro atrativo inanime para com o jogo. Você tem algumas armas a se trabalhar, que permitem certos tipos de upgrades e, ainda, existe a possibilidade utilizar plasmids, dando poderes especiais para o jogador. A cada mapa que o jogador passa, a dificuldade vai aumentando, mas nada que vá tirar o prazer de ver uma história fluir suave como é neste jogo, não permitindo assim o jogador se estressar a toa preso numa parte nada importante para o jogo.

Bioshock, e sua continuação Bioshock 2, são jogos obrigatórios para aqueles que são fãs de FPS e, ainda por cima, deste estilo com uma história interessante. E é bom jogá-los agora para você ir se preparando para o tão aguardado Bioshock  Infinite que você vê logo abaixo. Bioshock 1 e 2 estão disponiveis para: Windows PC, XBoX 360, PS3 e MacOS X.

O post foi criado no intuíto de levar o jogador a querer jogar isto daqui:

A obra se passa durante toda uma temporada do campeonato, mostrando os bastidores das construtoras, os perrengues e os desencontros amorosos dos participantes – que acabam se confundindo com as rivalidades dentro da pista. Obviamente que filtrado por um olhar de um grande estúdio de Hollywood dos anos 60, com um melodrama exagerado, trocas de casais que parecem coisa de novela e mudanças quase impossíveis na pontuação a cada corrida. O que ajuda bastante é o elenco internacional, capitaneado por James Garner (o Maverick da série original de TV e o pai do Maverick no filme com Mel Gibson) e que conta ainda com Yves Montand e Toshiro Mifune.

Porém, nada disso importa. O filé do filme são as cenas de corridas, filmadas durante a temporada, utilizando carros e vários pilotos reais (aliás, para os aficcionados, é uma farra reconhecer Jackie Stewart e Graham Hill, entre outros). Para se ter uma ideia, os primeiros 20 minutos são apenas para mostrar o GP de Mônaco, antes mesmo de qualquer pedacinho de trama ser iniciada.

Em termos de produção, as câmeras colocadas nos carros oferecem um realismo ainda hoje difícil de superar, e que impressiona ainda mais se lembrarmos que àquela época uma câmera de cinema era um trambolho pesadíssimo e desajeitado.

Mas o trabalho compensa, pois quem assiste é jogado dentro da corrida, com acidentes e ultrapassagens espetaculares, alguns até um pouco exagerados como o carro que rampa feito um foguete em direção ao mar de Mônaco ou a bola de fogo em que se transforma uma Ferrari.

Todos os méritos são do diretor John Frankenheimer, notório por dirigir cenas de perseguição como as de Ronin. Mas nesta obra, ele se supera. Todo o suspense e drama contidos em um GP são transmitidos ao espectador, com ajuda de efeitos sonoros que reproduzem com fidelidade o ronco dos motores e uma trilha sonora lendária de Maurice Jarre.

Para os amantes de carros e de corridas, um filme obrigatório.

Grand Prix
(idem, 1966)
D: John Frankenheimer
E: James Garner, Yves Montand, Eva Marie Saint e Toshiro Mifune

Oblivion, é um daqueles filmes de ficção cientifica que consegue matar quase todas nossas curiosidades sobre um futuro apocalíptico.  Afinal, mais da metade do filme é usada para destrinchar o personagem principal Jack Harper (Tom Cruise) e o que o planeta Terra se tornou.

O filme nessa primeira parte é tão completo que em certa parte do filme, na verdade bem depois da metade do filme, é que lembramos que o Jack ainda nem enfrentou os problemas que tínhamos vistos no trailer. O Tom Cruise é um sobrevivente tão nostálgico com as maravilhas que a Terra foi, que é mais fácil a gente se importar apenas com ele do que com os outros sobreviventes da Terra que estão no filme.

Três coisas conseguem segurar muito bem o filme: Uma trilha sonora envolvente, as imagens impressionantes do planeta Terra, e o Tom Cruise. Sim o personagem Jack é muito cativante.

Por isso mesmo quando outros vários personagens começam a aparecer quase no final o ritmo do filme é quebrado e um pouco da magia é desligada. Todo o aprofundamento que tivemos em um personagem bem construído como ocorreu com o Jack, não ocorre com os outros personagens. Alguns chegam até a parecer apenas um androide de tão vazios.

Oblivion é um filme de ficção cientifica com o final mais previsível possível, porém as reviravoltas que ocorrem antes do final do filme é que fazem ele valer apena.

Já na parte que mais gostamos de acompanhar, a tecnologia do futuro, não temos muitas novidades tecnológicas absurdas, um monte de tela touch screen espalhadas por todo lado sendo que ficamos mais impressionados com a arquitetura e designer da residencia de Jack do que com os eletro-eletrônicos que estão dentro dela.

Morgan Freeman também está no filme, porém ficamos tanto tempo no Tom Cruise que não sobra tempo para sabermos quase nada sobre os outros personagens, ou nos importarmos com eles.

Oblivion é um filme que vai conquistar boa parte de público que quer apenas ver um bom filme de ficção. Sem muita pretensão de ser um blockbuster, mas apenas um filme acima da média.

Minha nota para Oblivion é 7,5 de 10. Se seguisse o mesmo ritmo do começo até o final, com certeza eu subiria uns 2 pontos nessa nota.

Sinopse oficial:

2077. Jack Harper (Tom Cruise) é o responsável pela manutenção de equipamentos de segurança em um planeta Terra irreconhecível, visto que a superfície foi destruída devido a confrontos com uma raça alienígena. O que restou da humanidade vive hoje em uma colônia lunar. Jack irá para este local daqui a duas semanas, já que está perto de terminar seu trabalho na Terra. Só que, um dia, ele encontra uma espaçonave que traz uma mulher dentro. Ao conhecê-la, tudo o que Jack sabe até então é posto em dúvida. É o início de uma jornada onde ele precisará descobrir o que realmente aconteceu no passado.

Trailer:

Galeria de fotos:

Devil May Cry foi criado originalmente por Hideki Kamiya e distribuída pela Capcom. Originalmente, DMC seria uma sequencia da série Resident Evil. A série gira em torno de Dante, o badass mais estiloso entre o céu e o inferno, que trabalha com o extermínio de demônios. A jogabilidade se baseia em derrotar inimigos desencadeando grandes sequências de ataques de forma frenética, enquanto evita possíveis danos, a fim de exibir cenas de lutas estilosas.

O novo jogo da serie teve uma recepção bastante negativa, uma vez que, alem de se tratar de um reboot, o desenho do novo Dante não agradou ao grande publico. Como gamer e fã da historia, devo admitir que a principio fui radicalmente contra o novo desenho do protagonista, entretanto, depois de algumas horas de jogo, me encontrei apaixonado pelo mundo novo, criado pela  Ninja Theory. A qualidade artística do jogo é impecável  tornando a mudança física da personagem um pequeno detalhe. Garanto que no fim do jogo, você vai estar vendo grandes semelhanças entre esse Dante e o antigo.

Seleção de artes criadas para o game DmC – Devil May Cry:

O Programa Fique Por Dentro esteve acompanhando o primeiro dia do evento de quadrinhos independentes e fanzines que aconteceu no Centro Cultura de São Paulo, o UGRA Zine Fest em sua 3a. edição.

Tivemos a oportunidade de conhecer e entrevistar grandes nomes dos quadrinhos e fanzines independentes como Gual, Edgard Guimarães, Law Tissot, Marcatti, entre outros grandes nomes veteranos e também da nova geração.

Acompanhe abaixo a grade da programação.

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Programação

Fonte: UGRA Press (http://3uzf.wordpress.com/programacao/)

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Então é isso! Espero que gostem desta matéria e tenham um ótimo entretenimento!

Matéria:

OS GANHADORES SÃO:

1. Ricardo Sakuma
2. Daninha Aguillar
3. Lucas Cesar

oS 3 GANHADORES TEM ATÉ 5 DIAS PARA ENVIAR OS SEUS DADOS COMPLETOS (NOME + ENDEREÇO) PARA O E-MAIL contato@filmesegames.com.br

link do sorteio https://sorteiefb.com.br/resultado?id=10qo

O Filmes e Games tem o prazer de anunciar o início das vendas da sua primeira camiseta.

Em parceria com a Fiction Corporation, uma consagrada loja online que fabrica camisetas de altíssima qualidade a um preço justo, estamos lançando a camiseta “Hardcore Gamer”, por que quem é gamer de verdade se orgulha disso.

A estampa da camiseta foi desenvolvida pelo cartunista Omar Viñole do Estúdio Banda Desenhada, e retrata uma época em que os games não eram tão fáceis como hoje, com vidas infinitas, save states e tantas outras facilidades.

Na época de vídeo games como Mega Drive, homenageado em nossa primeira estampa, só os gamers de verdade sobreviviam.

E para comemorar este lançamento vamos presentear três leitores com uma camiseta Hardcore Gamer.

Para concorrer é fácil, realizaremos um sorteio na nossa fan page através do aplicativo Sorteie.me

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Regras para validar sua participação:

1 – Clique em “Quero Participar” – AQUI

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Pronto, você já está concorrendo a uma super camiseta.

O sorteio será no dia 5 de Maio de 2013.

Boa Sorte!!!

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